【后浪直营】《大都会艺术博物馆指南》收录梵高等600件世界艺术精品指南 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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美国大都会艺术博物馆 著，黄潇潇 译

图书标签:

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550282438

商品编码：19991365718

品牌：后浪

包装：精装

开本：16开

出版时间：2016-08-01

用纸：铜版纸

页数：456

字数：190000

正文语种：中文

编辑推荐

l 本书是大都会艺术博物三十年来首次更新的指南，精选600余件作品，按展览部门组织，全面展现了博物馆丰富多样的馆藏。

l 一书概览世界艺术精华。本书所选作品涵盖了六千年来世界各地的艺术精品，既有欧美大师的油画和雕塑，也有东方风情的水墨画，也有非洲、大洋洲土著的木雕，还有极富特色的武器盔甲、服装设计等。

l 图文搭配，轻松阅读。全书图片进行了全面更新，色彩还原更准确。文字说明均由各展览部门的专家撰写，讲解作品的创作背景和艺术风格。

 

媒体推荐

任何年级的教师都可以把这本指南列为认识全世界六千年艺术的入门指导读物。

——《纽约时报》

著者简介

大都会艺术博物馆（Metropolitan Museum of Art）是美国最大的艺术博物馆，与英国伦敦的大英博物馆、法国巴黎的卢浮宫、俄罗斯圣彼得堡的艾尔米塔什博物馆并称世界四大博物馆。大都会艺术博物馆的主馆位于美国纽约5号大道，占地面积13万平方米，另有位于麦迪逊大道945号的布劳耶分馆和位于崔恩堡公园的修道院分馆。它藏有展品超过200万件，拥有17个展览部门，248个展室，常年展出的作品超过一万件，是当今世界上首屈一指的大型博物馆。

 

内容简介

这本三十年来首次重新编撰的《大都会艺术博物馆指南》介绍了博物馆最具代表性的六百件精华藏品，呈现了世界各地六千年的视觉文化。全书由十七个展览部门的全体策展人通力完成，馆长托马斯·P·坎贝尔亲自撰写导言。每件艺术品都配以精美的图片和最新的说明文字，既可作为参观手册，也可当作艺术类读物。

上架建议

艺术、博物馆、大众读物

读者定位

艺术爱好者、博物馆爱好者、大众读者

 

目 录

馆长序13

导言 托马斯·P·坎贝尔15

古代世界20

古代近东艺术22

古埃及艺术38

古希腊罗马艺术60

世界文化82

亚洲艺术84

伊斯兰艺术124

非洲、大洋洲及美洲艺术144

武器和盔甲158

乐器168

欧洲176

中世纪艺术178

修道院分馆198

素描和版画218

欧洲绘画234

欧洲雕塑及装饰艺术296

罗伯特·雷曼收藏332

美国346

美国馆348

现代时期384

时装学院386

现当代艺术398

摄影436

作品索引450

图片来源455

 

序 言

馆长序

 

大都会博物馆上一次编制馆藏指南已是近三十年前，我在2009年始任馆长时，就有意编制新的指南。现在，考虑到观众在参观展馆时的体验，我们认为制作一册精华藏品指南供观众在参观前后使用，会十分有益。

不过，对一个藏品极为丰富的博物馆来说，这并非易事。我们十七个展览部门的全体策展人通力合作，从藏品中选出能以最具吸引力的方式展现我们丰富馆藏的艺术品，并为每件艺术品撰写了说明文字。协调这项工作的任务落到助理出版人兼出版总经理格温·罗金斯基和欧洲绘画部意大利绘画策展人安德烈·巴耶的肩上。他们一起将堆积如山的材料贯通起来，编成了定稿。这份成果反映出我们编辑团队的卓越能力及本书设计师史蒂文·肖恩菲尔德的非凡才能。

在本书中，我认为最明显可见的就是大都会博物馆百科全书式馆藏的出色质量和多样性。大都会博物馆不愧为一座世界性的博物馆，它展现了五千多年间全球每一个角落的视觉文化。当然，我们的最终目标是吸引您进入这里的诸多陈列室，身临其境地体验这些展品。我充分相信本书将激励您这么做。

 

托马斯·P·坎贝尔

大都会艺术博物馆馆长

导 言

 

大都会艺术博物馆在拥有第一件藏品以前就有这样一个观点：艺术可以使所有接触到它的人上进，可以促使个人信念擢升，可以帮助工业及制造业进步，可以使向善的理念实现；这是一个基本的社会和道德前提。

在这本弘扬大都会博物馆馆藏实力的图书的开头，有必要指出这些根本原则，因为令人啧啧称奇的是，借由这些根本原则，大都会博物馆在过去一个半世纪内，从一无所有发展成为堪称世界上最伟大的百科全书式艺术博物馆。

百科全书式或“环球”博物馆的概念源于启蒙运动时期欧洲创立的模式。在大都会博物馆，我们的使命是跨越所有文化和时期收集人类最伟大的艺术成就，包括早至公元前八千纪的物品。这些藏品中的精华既出现在我们十七个展览部门各自的永久展区，也出现在侧重特定主题、时期或艺术家的临时展览里。同一座博物馆内拥有如此丰富的素材，在看似迥异的历史和传统之间创造出特别的对话，这使我们的访客在一次参观中就能真正地周游世界。

从许多方面来看，大都会博物馆的故事都是独特的美国故事。这是一个关于雄心、公民责任和慷慨付出的故事：它来自1866年7月4日巴黎的一次午餐，借鉴了欧洲王室赞助了数个世纪的欧洲博物馆，美国著名律师约翰·杰伊在那一天宣布，美国需要自己的艺术博物馆，当天在场的一批美国同胞誓言要共同为之努力。于是，大都会博物馆在四年后成为现实。

自1870年成立以来，大都会博物馆就致力于推广民众教育。其使命宣言在这一点上毫不含糊，声明大都会博物馆“将坐落于纽约市，旨在为该市缔造并维护一座艺术博物馆和图书馆；鼓励并发展美术研究以及艺术在生产和实际生活中的应用；推动相关主题综合知识的发展，并为这一目的而提供普及教育”。

1880年，坐落在中央公园的大都会博物馆首次开放时，受托人约瑟夫·乔特宣告大都会博物馆符合“数百万工人最重要且实际的利益”（图一）。然而，博物馆在最初的时期几乎无法向这目标迈进，因为它的开放时间与工作日完全重合，只有士绅阶层人群才有空参观（图二）。因此，大都会博物馆的早期参观者在人口构成上区别不大，与那群创办博物馆的富商一样。伊迪丝·华顿的小说《纯真年代》将十九世纪末的大都会博物馆描述为“在无人问津的孤寂中腐朽”。纽兰·阿切尔同奥兰斯卡伯爵夫人坐在空荡荡的大都会博物馆里，无奈地说：“唔，总有那么一天吧，我想，它会成为一座了不起的博物馆。”

事情确实起了变化。1889年，经过数年讨论后，大都会博物馆终于开始在星期日向公众开放。1911年的年度报告骄傲地宣称，大都会博物馆“已经不再仅仅吸引上流社会”。进入二十世纪，博物馆的观众及馆藏都继续增长。学生在这里受到欢迎，人群涌入展馆观看重要展览，如1909年的“哈德逊—富尔顿庆祝展”，1942年的“艺术家支持胜利”，1963年借来的《蒙娜丽莎》及1978年的“图坦卡蒙的宝藏”。随着大都会博物馆引起公众越来越多的关注，参观者也持续稳定增加。如今，博物馆每年的观众已经超过五百万人次。

值得一提的是，博物馆早期在为大众提供艺术品欣赏时常常提供的并不是艺术品原作。博物馆在初期信守的观念是，名作永远不可能被大都会博物馆买到，因此将大量精力集中在积累世界名作的电铸版和石膏模型上（图三）。总数超过两万六千件的石膏模型如今被安置在中世纪雕塑厅和两个相邻的展厅内，后者主要用作欧洲时代馆。

但在1902年，一切都改变了。雅各布·S·罗杰斯给大都会博物馆留下了五百万美元的巨款，专供购买艺术品之用。这位古怪的商人在新泽西州的帕特森制造机车，据各方说法，他更像是位偏执厌世的人，而非博物馆爱好者。这份厚礼使大都会博物馆从一个挣扎生存的机构摇身变成了艺术市场上的一股强大力量，并使大都会博物馆有能力购买艺术品原作。在罗杰斯基金成立的头二十年内，大都会博物馆购得勃鲁盖尔的《收割者》、我们那不同寻常的来自博斯科雷尔的庞贝壁画和吉尔伯特·斯图尔特的《乔治·华盛顿》；这些作品只是我们用这笔转型赠款所购名作中的一小部分。

在二十世纪初购买名作的并不止大都会博物馆。J.P.摩根、本杰明·奥特曼、哈弗梅耶夫妇等大收藏家此时已发起一种非凡的收藏与慷慨赠予并行的传统，并由几代博物馆捐赠者维系下来。您将在本书中随处看到，大都会博物馆许多展览部门的镇馆之宝，正是一些有史以来最优秀的私人艺术收藏机构赠予的礼物。今天，这一传统依然延续，同样延续的是大都会博物馆通过购买更多艺术品来完善馆藏的坚定决心。

正如我们的馆藏一样，博物馆的建筑也随着时间变化而有所发展。1880年建在中央公园边缘的那栋简朴大楼，如今已扩展成繁华的第五大道上沿街而立的两百多万平方英尺的建筑（图四）。我们今天所见的新古典主义建筑外观由理查德·莫里斯·亨特设计，建于二十世纪早期，而北展馆和南展馆（1911年和1913年）则是麦金米德怀特公司的作品。这栋建筑在中央公园留下的最后足印要到1970年博物馆成立一百周年纪念时才完成，自那以后我们的展览馆都是根据需要在建筑内部发展。

纵观大都会博物馆的历史，始终未变的是我们对学术的投入。学术工作是我们一切工作的基础——展览、教育活动、出版物、博物馆网站。若无对藏品的理解和诠释，我们就和一间托管保护珍宝的仓库并无二致。自1906年大都会博物馆开展首次考古挖掘以来，我们在考古工作上的投入就在古代世界研究上起了重要作用。我们已出版的数千种书籍中，许多都是相关领域内的权威著作。

本书出版之际，正是大众对大都会博物馆馆藏的接触以及对馆藏信息的需求比以往任何时候都要更多更大之时。全世界数百万人通过我们的网站观赏这些艺术品，并愈加希望能亲临博物馆欣赏藏品。确实，没有什么能像大都会博物馆陈列室中的艺术品那样与我们产生强烈共鸣，不管是作为个体还是作为一个文明。我们与这些藏品的关系，就是大都会博物馆之所以建立的原因：这是一个由公民而建，并且为公民而建的博物馆。这在博物馆成立之时是个雄心勃勃的理念。而值得一提的是，这个主意——也就是不靠教会或王室，而靠决意要与公众分享艺术品的捐赠者，从私人渠道积累艺术品——不仅存活下来，而且其意义从未消减。

大都会博物馆最初通过展现人类最伟大的艺术成就来教育和激励大众的使命，至今仍指导着我们思考博物馆的持久定位。我们的成功将有助于加深对所有艺术和文化的理解，并会相应地鼓励以一种更全球化的视角来看待我们生活的世界。我想象不出比这更重要的未来愿景。

 

托马斯·P·坎贝尔

探索文化遗产的殿堂：世界顶尖博物馆珍藏导览 一、 跨越时空的艺术之旅：欧洲古典艺术的辉煌 本书将带领读者深入欧洲各大历史悠久的博物馆，领略自古至今，西方艺术发展的主要脉络与巅峰之作。我们不关注特定单一博物馆的固定馆藏，而是聚焦于横跨数百年历史的艺术思潮与代表人物。 1. 古希腊罗马的雕塑精粹与建筑遗产： 我们将从米兰的布雷拉美术馆（Pinacoteca di Brera）的早期意大利文艺复兴画作谈起，追溯至古罗马和古希腊文明留下的震撼性雕塑群。重点分析提香（Titian）和卡拉瓦乔（Caravaggio）如何运用光影与戏剧性，彻底改变了绘画的面貌。阅读中，你将理解“理想美”在古典雕塑中的体现，以及这种美学如何被后来的艺术家不断引用和解构。我们还将探讨卢浮宫（Musée du Louvre）中，那些被视为西方文化基石的古典艺术品，而非局限于单一的梵高作品。 2. 文艺复兴的黄金时代：佛罗伦萨的理性与激情： 本书的很大篇幅将致力于解析文艺复兴盛期在意大利的爆发，这不是一次简单的回顾，而是深入解析技术革新、人文主义思潮与赞助人制度如何共同催生了达·芬奇（Leonardo da Vinci）、米开朗基罗（Michelangelo）等巨匠的诞生。我们将分析乌菲兹美术馆（Uffizi Gallery）中波提切利（Botticelli）作品中蕴含的神秘主义色彩，以及拉斐尔（Raphael）对和谐构图的极致追求。这些分析将侧重于文艺复兴时期对透视法、人体解剖学的突破，以及神学叙事向世俗叙事的转变过程。 3. 巴洛克与洛可可的感官盛宴： 从宏大叙事的巴洛克，到精致享乐的洛可可，我们将穿越到十七、十八世纪的欧洲宫廷与教会，探寻鲁本斯（Rubens）作品中奔放的生命力，以及伦勃朗（Rembrandt）对人类内心深处的深刻洞察。此部分会详细对比佛兰德斯画派与荷兰“黄金时代”的世俗化倾向，以及法国凡尔赛宫廷艺术如何影响了整个欧洲的审美趣味。 二、 跨越大陆的探索：非西方艺术的广阔天地 艺术史绝非欧洲中心论，本书致力于拓宽读者的视野，呈现来自亚洲、非洲及美洲的独特艺术成就。 1. 东方美学的意境与传承： 我们将聚焦于中国、日本以及波斯等地的传统艺术形式。在中国部分，我们不仅会涉及水墨山水画的“气韵生动”理论，还会深入探讨宋代青瓷与元代青花的工艺美学，分析这些作品中“天人合一”的哲学思想如何通过笔触与器物得以体现。对于日本艺术，我们将重点分析浮世绘版画如何以其独特的视角和对日常生活的捕捉，影响了西方印象派的构图，但这部分讨论将围绕葛饰北斋等艺术家的整体创作脉络，而非某个特定西方机构的藏品。 2. 非洲与大洋洲的仪式性艺术： 本书将介绍非洲雕塑在材料运用、象征意义和部落仪式中的核心作用。我们将探讨这些艺术品如何从单纯的实用工具，转变为具有强大精神力量的载体，并分析它们如何启发了二十世纪初的现代主义艺术运动，引导了艺术形式的根本性变革。 三、 现代性的崛起与艺术的颠覆：从印象派到抽象表现主义 进入十九世纪末，艺术迎来了前所未有的剧变。本书将详细梳理这一系列革命性的运动，重点分析艺术家如何挑战既有的学院派规则。 1. 捕捉瞬间的光影：印象派与后印象派的视觉革命： 我们关注的是莫奈（Monet）、德加（Degas）如何将画架从画室搬到户外，研究光线在不同时间段对色彩的影响。在分析后印象派时，我们将重点讨论塞尚（Cézanne）对几何结构的处理，以及高更（Gauguin）对原始色彩的回归。这一章节的分析重点在于，他们是如何从对现实的忠实再现，转向对主观感受和内在结构的探索。 2. 现代艺术的激进实验：立体主义与超现实主义的思维迷宫： 我们深入探讨毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）如何通过立体主义，将三维物体分解、重组成二维平面，彻底瓦解了文艺复兴以来建立的视觉秩序。随后，我们将剖析超现实主义，如达利（Dalí）的作品中，潜意识和梦境的逻辑如何被引入画布，这是一种对理性主义的反叛。 3. 二战后艺术的重心转移与新的表达： 随着艺术中心逐渐从欧洲转移至美国，抽象表现主义开始占据主导地位。我们将分析波洛克（Pollock）的“行动绘画”如何将创作行为本身变成艺术作品的核心，以及罗斯科（Rothrock）的“色域绘画”如何追求纯粹的精神体验和崇高的情感共鸣。这些分析将侧重于艺术语言的抽象化和对媒介本身的探索，而非聚焦于特定美国博物馆的馆藏细节。 四、 艺术品的保护、研究与未来展望 在本书的收尾部分，我们将探讨艺术品如何得以流传至今。内容将涵盖古代颜料的制作工艺、不同时期装裱技术的演变，以及现代博物馆在文物保护、学术研究中所采用的尖端科技手段。我们将讨论艺术史研究方法论的进步，以及当代艺术家如何通过介入和挪用经典作品，对既有的艺术权威和历史叙事提出质疑和对话。这部分旨在提供一个更广阔的视角，理解艺术品从创作到被保存、被解读的完整生命周期。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对艺术史有持续学习兴趣的人来说，我关注的重点往往在于不同流派和地域间的关联性梳理。这本书在这方面展现了非凡的编辑功力。它并非简单地按照时间或地域的机械顺序排列，而是通过一些巧妙的过渡和专题的插入，让读者能够自己构建出艺术史的脉络。比如，某一段落突然插入了对中世纪装饰艺术的简要介绍，紧接着就跳转到对巴洛克时期戏剧性光影的探讨，这种安排似乎在暗示：看，这些看似独立的风格，其实是在对话，是在相互影响中演进的。这种叙事的张力，远比平铺直叙的编年史要吸引人得多，它鼓励读者主动去思考“为什么会这样变化”，而不是被动地接受“历史就是这样”。这种引导式的学习体验，是市面上很多厚重的艺术史著作所欠缺的灵活性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，拿到手里就能感受到那种沉甸甸的质感，绝对不是那种市面上随随便便的平装本能比拟的。封面那种略带哑光的处理，触感细腻，而且色彩的还原度非常高，即使是作为纯粹的艺术欣赏品放在书架上，也是一件赏心悦目的摆设。我特别喜欢它内页纸张的选择，那种微微泛黄的米白色，既保护了视力，又使得那些大师作品的色彩看起来更加醇厚、有历史感。翻开第一页，那种油墨的清香混合着纸张的微涩，瞬间就能把人带入到那种庄重而又充满艺术气息的氛围中去。装订方式也极其考究，完全可以做到平摊阅读，这一点对于精美的画册来说太重要了，无论是临摹还是细细品味局部的细节，都不会因为书本合拢而感到不便，这在同类出版物中是相当少见的优待。从这个角度看，出版方在制作的每一个环节都倾注了匠心，看得出他们是真正尊重艺术和读者的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局简直是教科书级别的示范，它完美地平衡了信息量与视觉留白之间的关系。每一幅作品的展示都不是那种拥挤不堪、恨不得把所有东西都塞进去的架势，而是给予了足够的呼吸空间。这种“留白”的艺术，在视觉上极大地提升了作品的焦点，使得读者在浏览时，注意力能够毫不费力地集中到艺术品本身。更值得称赞的是，作者对于图注和背景文字的安排非常巧妙，它们被安置在不干扰主体画面的位置，清晰、简洁，却又提供了足够深入的背景信息。我翻阅了其中关于早期文艺复兴时期几幅油画的介绍，文字的逻辑性极强，从技法到象征意义的阐述层层递进，不会出现那种晦涩难懂的专业术语堆砌，读起来既有深度又不失流畅性，成功地架起了一座普通爱好者与高深艺术理论之间的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

我尝试用这本书来辅助我日常的速写练习，效果出奇地好。与其他只提供高清图片的画册不同，这本书在选取作品时，似乎特别考虑了“可分析性”。比如，它对光影的捕捉、线条的走向，都有非常清晰的体现。我特意对比了几张印象派大师的风景画，书中的色彩过渡和笔触的肌理感，即使用普通的手机摄像头翻拍，也保留了相当高的准确度，这对于我们进行色彩临摹练习至关重要。很多时候，我们为了看清大师的笔触而不得不把书翻到最大角度，这本书的装帧很好地解决了这个问题，让我能够长时间保持一个相对舒适的姿势去观察那些精微的变化，而不是被书页的物理限制所干扰。这种实用性和艺术鉴赏性结合得如此恰到好处，让它不仅仅是一本“看”的书，更是一本可以“用”的工具书。

评分☆☆☆☆☆

关于这本书的便携性，虽然它是一本大开本画册，但它对我个人的意义在于构建了一个“微型博物馆”的概念。我发现自己不需要每次都去图书馆翻阅那些庞大而昂贵的学术图集，只需要在需要灵感的时候，随手翻开这本书的任意一页，总能捕捉到某种新的美学刺激。比如，我今天可能对某个雕塑的结构感兴趣，明天可能就想研究一下某个时期的壁画配色方案，这本书就像一个精心策展的私人展览，所有的“展品”都触手可及。更令人欣慰的是，它的索引系统设计得非常人性化，让你能够在最短的时间内，从一个看似随意的兴趣点，迅速定位到相关的几件核心作品，极大地提高了信息检索的效率。它不再是那种束之高阁、只在特定时刻才能启用的“大部头”，而是真正融入了日常的阅读和思考习惯中，成为我提升审美修养的得力伙伴。