传媒典藏·音频技术与录音艺术译丛·电影配乐完全指南：影视配乐的艺术与商业（第2版） [Complete Guide to Film Scoring： The Art and Business of Writing Music for Movies and TV， 2nd Edition] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] Richard Davis 著，刘捷 译

图书标签:

• 电影配乐
• 影视配乐
• 配乐
• 音乐
• 电影
• 电视
• 录音艺术
• 音频技术
• 创作
• 行业指南

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115333100

版次：1

商品编码：11367815

包装：平装

丛书名： 传媒典藏·音频技术与录音艺术译丛

外文名称：Complete Guide to Film Scoring： The Art and Business of Writing Music for Movies and TV， 2nd Editi

产品特色

内容简介

　　《传媒典藏.音频技术与录音艺术译丛.电影配乐完全指南：影视配乐的艺术与商业（第2版）》涉及的话题包含：电影制作过程，配乐的准备与录制，电影配乐中有关合同、酬金、发行、版税以及版权等方面的商业问题等。在《传媒典藏.音频技术与录音艺术译丛.电影配乐完全指南：影视配乐的艺术与商业（第2版）》第五部分“访谈”中，21位职业电影配乐家将和你分享他们鲜活的直接经验。

内页插图

目录

第一部分 电影音乐的历史
第一章 早期电影与音乐：默片
第二章 第一部有声片：同步音乐的开端
第三章 制片厂体制和制片厂音乐部门
第四章 音乐风格——1930-1950年：好莱坞的黄金年代
第五章 1950年-1975年的音乐风格
第六章 1975年到今天
第七章 电影配乐技术

第二部分 制作
第八章 电影生产过程
第九章 作曲家的时间范围
第十章 确定配乐点
第十一章 音乐编辑师
第十二章 音乐团队：配器员和音乐准备人员
第十三章 配乐录音与混音

第三部分 音乐
第十四章 创作音乐
第十五章 配乐的技术要求
第十六章 将音乐与画面同步
第十七章 电视
第十八章 民族音乐和时代音乐
第十九章 动画片
第二十章 歌曲、原声音轨和有源音乐

第四部分 电影配乐中的商业问题
第二十一章 达成交易：经纪人，代理律师与合同
第二十二章 发行和版权
第二十三章 版税
第二十四章 演示与市场
第二十五章 找工作

第五部分 访谈
埃尔默·伯恩斯坦（Elmer Bernstein）
泰伦斯·布兰查德（Terence Blanchard）
埃尔夫·克劳森（Alf Clausen）
克里夫·埃德尔曼（Cliff Eidelman）
丹尼·艾尔夫曼（Danny Elfman）
理查德·吉布斯（Richard Gibbs）
艾略特·戈登赛尔（Elliot Goldenthal）
迈克·高芬（Michael Gorfaine）和山姆·施瓦兹（Sam Schwartz）
哈里·格雷森-威廉姆斯（Harry Gregson-Williams）
马克·艾西姆（Mark Isham）
迈克尔·凯曼（Michael Kamen）
马克·曼奇纳（Mark Mancina）
大卫·纽曼（David Newman）
大卫·拉克辛（David Raksin）
洛丽塔·利特曼尼斯（Lolita Ritmanis）
威廉姆·罗斯（William Ross）
马克·沙依曼（Marc Shaiman）
艾伦·史维斯查（Alan Silvestri）
马克·斯诺（Mark Snow）
理查德·斯通（Richard Stone）
雪莉·沃克（Shirley Walker）

资源
关于作者

前言/序言

影视创作的视觉语言：电影摄影与灯光艺术深度解析 一、 电影摄影的魔力：从光影构建世界 电影，作为一种综合性的视觉艺术，其核心魅力往往源于摄影师如何捕捉和塑造光线。本书将带领读者深入探索电影摄影的艺术性与技术性，揭示如何通过镜头语言，将剧本中的文字转化为震撼人心的动态影像。 1.1 镜头与构图的哲学：视觉叙事的基础 电影摄影并非简单的记录，而是一种主动的叙事行为。我们将详细剖析经典电影中的镜头选择，包括广角、长焦、变焦等不同焦距对观众心理和情感感知的影响。从经典的“三分法”到更为复杂的“黄金分割”，再到现代电影中层出不穷的非对称构图，每一种选择都承载着特定的叙事意图。书中将通过大量案例分析，展示如何利用景深（浅景深突出主体，深景深交代环境）和焦平面变化（如焦点转移）来引导观众的注意力，构建多层次的视觉信息流。此外，对“运动镜头”——摇摄（Pan）、移摄（Tilt）、推拉（Dolly/Zoom）的运用，将作为构建空间感和推动情节发展的重要工具被深入探讨。我们不仅关注“拍什么”，更关注“如何引导观众去看”。 1.2 胶片与数字的对话：影像载体的演变与选择 本卷深入比较了传统胶片摄影与现代数字摄影在成像原理、色彩还原和动态范围上的差异。我们将探讨数字传感器技术（如全画幅、中画幅）的发展如何影响了电影的质感，以及RAW格式在后期制作中提供的巨大灵活性。对于追求特定美学效果的创作者而言，理解不同摄影机特性（如色彩科学、噪点控制）对最终影片风格的决定性作用至关重要。内容将涵盖如何根据预算、光照条件和导演的艺术要求，做出最合适的设备选择，确保影像风格的统一性与高质量。 二、 灯光艺术：塑造氛围与情感的无形之手 光，是电影的灵魂。如果说镜头是眼睛，那么灯光便是情绪的调色板。本书将灯光设计视为一种雕塑空间和描绘角色的主动过程，而非简单的“照亮”。 2.1 三点布光法及其变体：经典与创新的融合 我们将从最基础的“三点布光法”（主光、辅光、轮廓光）入手，详尽解析其在不同情境下的应用与调整。然而，本书的重点在于超越基础：如何利用“硬光”和“软光”来表达角色的内心状态？硬光带来的锐利阴影如何暗示冲突或危险？软光所营造的柔和过渡又如何烘托浪漫或宁静？我们将深入研究关键光（Key Light）的角度、强度和色温变化，如何精确地控制阴影的形态，从而在二维平面上创造出三维的体积感和戏剧张力。 2.2 色温与色彩的心理学影响 色彩是灯光最直接的表达方式。本书将详细梳理色温（开尔文值）与情感表达的关系：冷色调（蓝白光）在表现孤立、科技或悲伤场景中的应用，以及暖色调（黄橙光）在营造温馨、怀旧或紧张气氛中的作用。更进一步，我们将探讨“色彩滤镜”和“有色主光”的使用，如何在不改变环境光线本质的前提下，为特定场景注入强烈的风格化色彩，如表现非现实空间或梦境。对互补色、对比色的巧妙运用，将成为构建视觉冲击力的重要章节。 三、 电影运动与空间感知：场面调度中的摄影机作用 摄影机运动是电影语言的“动词”。本书强调，运动不仅仅是平移或旋转，它必须服务于叙事节奏和空间展示。 3.1 空间展示与节奏控制 我们将分析摄影机运动如何影响观众对场景空间大小和角色之间关系的认知。例如，一个缓慢的推轨镜头（Dolly in）如何放大角色的内心压力；一个环绕拍摄（Orbit shot）又如何展现环境的压迫感或角色的中心地位。对“跟拍”与“固定机位”的辩证分析，将帮助读者理解何时需要紧密耦合角色，何时又需要保持客观距离。书中会涵盖斯坦尼康（Steadicam）和无人机技术在现代电影制作中的应用，以及它们如何为复杂场景调度提供了前所未有的自由度，但同时也对摄影师的平衡感和预判能力提出了更高的要求。 3.2 现场环境光与人造光的集成 在实际拍摄中，如何有效地融合自然光、现场环境光（如室内灯具）与专业的人造灯光，是摄影指导（DP）面临的核心挑战。本章将提供实用的布光策略，教导如何在保证艺术效果的同时，利用现场既有光源作为基础，通过“补光”和“遮光”技术，实现画面的自然与和谐。对“光比”（Contrast Ratio）的精确控制，将是区分专业与业余影像的关键指标之一。 四、 场面调度与摄影部门的协作 电影制作是一个复杂的协作过程，摄影部门与导演、美术部门、制片部门的有效沟通至关重要。 4.1 蓝图绘制：从分镜头脚本到灯光预演 本书将强调摄影指导在前期准备阶段的作用。如何通过阅读剧本，预先设想光影方案和运动轨迹，并将这些想法转化为精确的“灯光图”和“运镜表”。对场面调度（Mise-en-scène）的理解，要求摄影师不仅要考虑“光在哪里”，还要考虑“演员在哪里”、“道具如何摆放”，因为这些元素共同决定了光影投射的效果。 4.2 实时决策与危机处理 电影拍摄现场充满变数。天气突变、演员走位调整、时间限制等都要求摄影师具备极强的应变能力。我们将探讨在有限时间内，如何快速调整布光方案以适应新的表演或移动，以及如何在保证安全和效率的前提下，实现导演对某一特定镜头的艺术要求。这种将艺术追求与工程实践完美结合的能力，是优秀电影摄影师的标志。 通过对以上领域的全面系统梳理，本书旨在为电影学院学生、青年摄影师以及对电影视觉艺术感兴趣的爱好者，提供一套扎实、深入且具有前瞻性的视觉语言构建指南。它聚焦于“如何看世界”以及“如何用光影讲述故事”，是理解和实践电影美学的必备参考。

评分☆☆☆☆☆

自从看了几部欧洲独立电影后，我发现配乐的“克制”才是最高级的艺术表达。那些不着痕迹、只在关键时刻用最少的音符去渲染情绪的配乐，比那种轰轰烈烈的交响乐更能在我脑海中久久回荡。我一直在探索，如何避免配乐的“过度宣讲”，即音乐把观众本应自己去体会的画面情感直接喊出来。我希望这本书能深入探讨“留白”在电影配乐中的哲学意义。比如，在一部悬疑片中，不配乐和配乐的临界点在哪里？如果它只是简单地罗列了“如何写出悲伤的旋律”或者“如何模拟动作片的紧张感”，那它就太流于表面了。我更关注的是作曲家如何通过对音色的选择、对动态范围的控制，来引导观众的注意力，甚至是在潜意识层面埋下伏笔。那种对音乐的“叙事功能”的深度挖掘，远比学习几个和弦进行要来得重要得多。

评分☆☆☆☆☆

从商业角度来看，电影配乐涉及到版权、授权、与音乐出版商的谈判，以及如何将母带的权益最大化等复杂问题。我个人的背景更偏向于技术和艺术的交叉点，对这些繁琐的商业环节总是感到头疼。很多技术指南往往忽略了“钱是怎么赚的”和“合同是怎么签的”这些关键问题。我希望这本书能在介绍完创作流程之后，能有一个详尽的章节，剖析音乐在电影工业链条中的商业价值和保护机制。比如，流媒体平台对于背景音乐的使用权限是如何界定的？如果一个配乐师想要将自己的作品打入国际市场，需要注意哪些法律层面的陷阱？我非常看重的是那种既能教会我如何“创作”，又能指导我如何“生存”的实用信息。如果这本书能提供一些真实的合同范本分析，或者对不同类型电影（动画、纪录片、剧情片）的音乐预算分配比例的行业基准数据，那绝对是物超所值。

评分☆☆☆☆☆

我一直对电影配乐的“声音设计”部分非常着迷，尤其是一些先锋派的作曲家，他们将环境音、合成器纹理与传统管弦乐器无缝融合，创造出一种全新的听觉体验。我深信未来的电影配乐会更加倾向于“声音景观”的构建，而非传统的旋律主导。因此，我期待这本书能有足够多的篇幅去探讨现代数字音频工作站（DAW）的高级应用，不仅仅是基础的操作，而是如何利用延迟、混响、颗粒合成等工具，将声音转化为具有角色和情绪的实体。市面上大多书籍都把重点放在“如何写出好的主题旋律”上，而忽略了那些奠定整个听觉氛围的细微处理。我希望能看到关于如何构建一个复杂、多层次的“音场”，以及如何设计出既能服务于情节发展，又能体现作曲家个人风格的独特音色库的经验分享。这种对前沿声音实验的关注，是我判断一本配乐指南是否具有时代价值的重要标准。

评分☆☆☆☆☆

这部书的封面设计着实抓人眼球，那种沉稳的色调配上略带年代感的字体，让我立刻联想到那些黄金时代的电影画面，一股专业而厚重的气息扑面而来。我最近迷上了电影理论，尤其关注视觉语言和声音设计的交互作用，总觉得配乐才是真正能触动人心弦的隐形角色。然而，市面上很多谈论电影配乐的书籍，要么过于偏重古典乐理的枯燥讲解，让人望而却步，要么就是泛泛而谈，只停留在“配乐很重要”的层面，没有深入剖析背后的工业流程和创作心法。我尤其期待能找到一本能打通“艺术表达”和“商业运作”之间壁垒的指南。我看重的是那种能把我从一个单纯的听众，提升到能理解作曲家如何在有限的预算和苛刻的导演要求下，精准地为画面注入灵魂的能力。所以，我一直在寻找一本能提供扎实案例分析，解析不同流派配乐风格如何服务于叙事节奏，并且能涵盖从Demo制作到最终混音的全流程实操手册。这本书的标题给了我这样的期待，希望它能像一个经验丰富的老前辈，手把手地带我进入这个光影交织的听觉殿堂。

评分☆☆☆☆☆

我最近在准备一个短片的项目，虽然预算极其有限，但对音乐的要求却一点不含糊，必须得有那种能立刻抓住观众情绪的瞬间。我尝试过自己用合成器堆砌一些简单的背景音，结果发现无论怎么调整，都像是给精美的画作配了一块廉价的垫脚石，完全无法提升影片的质感。这让我深刻体会到，专业的配乐不仅仅是旋律的堆砌，更是一种对镜头语言的精准“翻译”。我特别想知道，在面对一个需要营造史诗感却又预算吃紧的场景时，顶尖的作曲家是如何通过编曲和配器上的“障眼法”来以小博大的？市面上很多教程都是基于好莱坞顶级制作的案例来讲解，那些动辄上百人交响乐团的配置，对于我们这种草根创作者来说，简直是天方夜谭。我更需要的是那种能针对独立电影、网络剧集等中小型项目的配乐策略，比如如何高效利用有限的样本库、如何与导演进行有效且有建设性的沟通，以及如何最大化地在有限的时间内产出高质量的音乐素材。这本书如果能提供一些“预算友好型”的配乐技巧，那对我来说价值无量。

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

书还不错，就是有些内容不是很详实，还有些内容不是我想要的。

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

书还不错，就是有些内容不是很详实，还有些内容不是我想要的。

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

书还不错，就是有些内容不是很详实，还有些内容不是我想要的。

评分☆☆☆☆☆

书还不错，就是有些内容不是很详实，还有些内容不是我想要的。

评分☆☆☆☆☆

不错

评分☆☆☆☆☆

不错