音乐审美的符号操作与艺术解释 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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林华 著

图书标签:

• 音乐审美
• 符号学
• 艺术哲学
• 音乐理论
• 文化研究
• 艺术解释
• 音乐符号
• 审美学
• 音乐文化
• 艺术批评

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806929797

版次：1

商品编码：11634982

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-12-01

用纸：胶版纸

页数：252

字数：314000

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐审美的符号操作与艺术解释》既以论述音乐审美活动中的符号操作与艺术解释为题，亦即表明了《音乐审美的符号操作与艺术解释》是借助于符号论和解释论的方法，对涉及音乐艺术尤其是艺术音乐的审美心理与艺术哲学所作的反思。为了使对此有兴趣的读者能够参与此类问题的共同思考，因而须将相关的背景知识在绪论中作一最简明扼要的介绍，希望这能令进入正文之后的陈述和阅读都可以简要而流畅些。

作者简介

　　林华，1942年生，1954年进入上海音乐学院附中，1961年升入该院作曲系，师从陈铭志、桑桐、王建中、陈钢等教授，1966年毕业。1979年返校回系任课。作有相关复调技法、审美心理、音乐教育等方面论著多种以及音乐作品若干。其中《音乐审美心理学教程》、《音乐审美与民族心理》等已在本社出版。

目录

前言
第一编 绪论
第一章 符号
第一节 符号论概说
第二节 符号发展阶段
一、原始符号概述
二、现实符号概述
三、艺术符号概述
第二章 解释
第一节 解释学概说
一、解释与符号
二、存在与解释
三、解释的意义
第二节 解释活动
一、解释的步骤
二、解释的水平
三、解释的符号转换
第三章 艺术符号
第一节 艺术符号特征
一、艺术是什么
二、作为符号的艺术
三、作为艺术的符号
第二节 艺术符号语法结构
一、深层结构
二、表层结构
第三节 艺术符号的发生
一、艺术使用的符号与艺术符号
二、不同功能的艺术符号
第四章 艺术解释
第一节 研究艺术解释的方法
一、现代人文科学研究方法
二、意义的再创造
第二节 艺术解释的环节
一、艺术解释方式
二、，艺术解释的过程

第二编 音乐符号的语义与语法
第五章 原始音乐符号
第一节 原始音乐符号形成
一、乐音音响产生
二、原始乐音音响特征
第二节 原始音乐符号的嬗变
一、原始音乐符号知性化
二、集体“音乐表象”产生
三、原始集体音响表象积累的意义
第六章 现实音乐符号
第一节 向现实音乐符号过渡
一、内涵语法的沿用
二、内涵语法的特征
第二节 现实音乐符号筹建
一、向外延语法过渡
二、外延语法完成
第三节 现实音乐符号的两种运用
一、不同的写作指令
二、外延语法与社会音乐生态
三、文化音乐符号与艺术音乐符号
四、现实音乐符号与艺术音乐的矛盾
……
第三编 音乐符号与艺术解释
第四编 艺术音乐符号的语用与实践
参考文献

精彩书摘

　　《音乐审美的符号操作与艺术解释》：
　　2）体验
　　然而艺术解释并不同于一般的解释，因为这是涉及情感的审美活动，是非自觉层次水平上的对能指符号涵义的领悟，这就需要审美主体的体验投入其中。
　　所谓体验，作为名词解释，它是经验的抽象，这些经验到的事件又是与整个生命价值有着密切关系的、因而又是一种持久的情感。（尤其是，一旦这种情感潜入我们的心里深层，甚至成为一种无意识的冲动，它又往往会诱引我们艺术解释活动中的符号操作了）。
　　由于每个人的生命经历不同，因此艺术家的体验可以分为几类。生活在富裕安稳生活中的，得到的是“幸福体验”，像门德尔松；一生的追求——无论是私情的、还是家国的目标——始终得不到满足的，得到的则是“缺失体验”，如舒伯特、肖邦、马勒等；以超尘脱世的眼光、睥睨着世界的平庸、渺小、自私，以天下为己任的重任要求自己的，如贝多芬，左右着他在某些创作中情感动力的，是“崇高体验”。
　　也有许多艺术家的创作是因为他在生活中违反了道德准则，为此终身伴随着愧疚之心，如柴可夫斯基，摆脱不去的是“愧疚体验”；当艺术家以传统思维不能解释人类社会或文明发展中出现的种种困惑时——特别是每逢世纪之交就会出现的世纪末的彷徨，这是“神秘体验”，例如斯克利亚宾、拉威尔，勋伯格、马勒等。“皈依体验”就是人们在寻找某种存在价值的探索过程中所达到的精神境界，因在追求中所具有的神圣感，使主体获得充实、安适和永恒。这种皈依，往往是宗教的，如弗兰克，布鲁克纳，李斯特；也可能是对大自然的，如德彪西；对纯净童年的回归，如普罗科菲耶夫。
　　几乎所有的作曲家都有“孤独体验”，因为自己对现实的参悟和反潮流的独创为世人不解，反倒可以在孤寂中享受着独自沉思的快乐；他们也可能因为有着多彩的生活而具有“丰富体验”。
　　一些作曲家可能终身浸润在某一种体验中，也可能一生中多种各种体验交集。因为这些体验是生命情感的集中体现，因此使得艺术解释具有强烈可感的情感性，并且因为有着鲜明的生命内容在其中，从而使得艺术解释指向生存的意义更有说服力了。
　　而对于解释者而言，体验是作为动词来用的，就是解释者从生命的总体性和本体性的角度去领悟作品，甚至有着“设身处地”的意味，理解艺术家在某种情结下产生的情感。这就使得深陷热恋者，听得贝多芬的小提琴曲《春》更是希望满怀，而身处异乡的孤客，听得肖邦的《雨》备觉愁绪难遣了。
　　2.认知与意向统一
　　现实意识中认知与意向的分化，使得现实符号也有了同样的分化。置于现实解释之下的认知符号与意向符号，也只能沿着认知和意向的不同视角进行。
　　例如对于相似符号——我们可以对一只烟斗或一只高跟鞋的图形进行解释，通过理解、体验，得到它的象征意义，知道那是啥意思了，但并不可能从中读出符号制作者，或者这个能指的本身，表述了什么情感、价值观的用意；对于激越符号，我们可以用迅速的反应在红灯面前刹车，对符号作出了意向的解释，但这符号并不能表示它本身有什么内在属性方面的知识信息。
　　即便是对于最全面的现实符号——语言——的现实解释，也不可能让认知与意向结合起来：作为日常生活的语言符号，只是感性水平的解释，通过情感和意向的表述，暗示主体对事物价值的认定，但也正是这种带有主观感情的解释，不能得到事物本质真相；而作为科学研究的符号表述，虽然认知了事物的属性，但却不能表述出主观对此价值的判定。
　　然而在艺术符号中，再现艺术符号所具有的认知功能和表现艺术符号所具有的意向功能，都因艺术解释而得到升华，从而超越了现实符号因认知与意向分化所带来的片面性。
　　例如在再现艺术中，无论小说、戏剧、绘画中出现怎样的形象——历史人物、现实人物、魔幻人物——都不是真实的存在，而全是虚拟的典型。艺术家通过自己的想象赋予它们审美个性，以人物性格的塑造和历史命运的展开为作品中心脉络，无论是皇帝、诗人、强盗、女巫，他们的情感是丰富的，性格是极具特征的，从而揭示出人的精神世界内容。
　　……

前言/序言

《声之疆域：跨文化音乐理论的解析与重构》 内容概述 本书旨在对二十世纪以来西方和非西方音乐理论的演变轨迹进行系统性的考察与批判性分析，并尝试建构一个更具包容性和解释力的跨文化音乐学框架。全书聚焦于音乐本体论、符号学诠释，以及历史语境下审美经验的结构性变化，而非针对特定音乐作品的细致分析或具体的听觉技巧训练。 第一部分：西方音乐理论的基石与裂痕 本部分深入剖析了自莱布尼茨时代直至二十世纪中叶，西方音乐理论赖以建立的哲学基础。重点探讨了皮亚杰的认知结构理论在音乐理解中的应用，以及胡塞尔现象学如何影响了阿多诺对音乐本体与社会批判的结合。 第一章：从数理和谐到结构主义的转向 本章详述了古希腊音律学（如毕达哥拉斯学派）如何通过数学比例确立了西方音乐的“客观”法则。随后，我们将讨论19世纪晚期，随着调性体系的瓦解，音乐理论家如何转向对“结构”本身的关注。重点分析了索绪尔的语言学结构主义如何被引入音乐分析，试图将旋律、和声视为一种可解构的语言系统。然而，本章也指出，这种结构还原论在处理德彪西或斯特拉文斯基作品时所面临的内在矛盾。 第二章：新批评与作品的封闭性 着重研究了二十世纪中期美国“新批评”思潮对音乐分析的影响。分析了亨利·达尔格兹（C. Dalgas）提出的“绝对音乐作品”概念，即认为一件艺术品应被视为一个自足的、内部逻辑完备的实体。本章考察了这种封闭性视角如何指导了序列音乐的早期理论构建，以及它对“演奏”和“听众体验”的边缘化处理。同时，批判性地探讨了这种理论如何有效地排除了音乐的社会功能和历史在场性。 第三部分：非西方音乐范式的引入与挑战 本书的第二核心部分，致力于梳理非西方音乐体系在理论层面的独特性，并探讨它们如何对西方中心主义的音乐观构成挑战。 第三章：东方音乐的“场域”理论 本章聚焦于印度斯坦尼音乐和中国传统音乐理论中的时间观和空间观。与西方音乐将时间视为线性的、可分割的节拍序列不同，本书提出东方音乐更侧重于“持续”（Sustain）与“场域”（Field of Sound）。详述了拉格（Raga）体系中，音高关系并非基于固定的音程，而是基于特定情感氛围的“模态调式”——一种更接近于情境依赖的音高组织方式。对中国传统“五音”理论中“气”的概念与音乐本体的关系进行了哲学层面的辨析。 第四章：口头传统与记忆的本体论 本书对依赖于口头传承的音乐文化进行了理论考察，例如西非的格里奥传统或巴尔干地区的史诗歌唱。本章论证了在这些传统中，音乐“文本”本身是不稳定的。理论核心在于探讨“记忆的再创造”如何成为一种合法的、甚至优于“固定文本”的创作与表演模式。这挑战了西方音乐理论中“作曲家意图”和“精确复现”的至高地位。 第三部分：跨文化视角的综合与未来展望 最后一部分，本书试图整合前述的理论碎片，探讨建立一个更具兼容性的音乐理论的可能路径。 第五章：符号的流变性与语境依赖 本章运用符号学工具，但侧重于展示符号意义的“流变性”。论证了在不同的文化语境中，同一个音高组合可能承载完全相反的审美价值（例如，西方对增四度的不协和感与某些文化中对其作为特定情感张力的运用）。重点分析了“美学判断”如何不是普世的，而是深深植根于特定的社会仪式和感知训练之中。 第六章：聆听的政治学与主体间性 本书的收束部分，将理论分析提升至社会层面。讨论了“有效的聆听”本身是否也是一种权力结构下的产物。探讨了批判理论（尤其是女性主义美学）如何质疑西方音乐史叙事中对“天才”和“客观理性”的过度推崇，并倡导一种更具主体间性（Intersubjectivity）的音乐理解方式——即承认听者在意义建构中的主动性和不可替代性。本书最终提出，未来的音乐理论研究必须学会解构自身的学科边界，拥抱模糊性与多重解释的可能性。 核心论点总结 本书的核心目标是展示现有音乐理论的局限性——无论其是植根于严密的数学逻辑，还是依赖于高度符号化的语言学模型——都无法完全涵盖全球音乐实践的广阔范围。它拒绝提供一套新的、统一的符号操作规则，而是倡导对现有规则进行持续的审视、解构和跨文化参照，将音乐理论视为一种开放的、持续生成中的对话场域。本书关注的是“如何理解音乐的结构、意义是如何在不同体系中被建构和瓦解的过程”，而非“如何对现有音乐进行操作和解释”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容，对我而言，更像是一扇通往音乐世界深层奥秘的大门。我总觉得，音乐不仅仅是悦耳的声音，它背后蕴含着某种超越语言的智慧和情感。而“符号操作”这个概念，让我联想到音乐如何用一种非语言的符号系统来沟通。我好奇的是，这种“符号操作”是否具有某种普适性？也就是说，不同文化背景的人们，在面对相似的音乐“符号”时，是否会产生相似的审美体验？书中是否会探讨音乐的“语法”和“逻辑”，以及这些“语法”和“逻辑”是如何与我们的认知和情感机制相契合的？“艺术解释”部分更是让我遐想联翩，音乐如何能够引发我们内心深处的共鸣，如何能够触动我们对生命、对世界的理解？我期待书中能够提供一些清晰的分析框架，帮助我理解那些复杂的音乐作品，不再只是被动地欣赏，而是能够有意识地去解读其内在的含义。或许，它会带领我走进音乐家的内心世界，去感受他们创作时的心路历程，去理解那些深藏在音符背后的思想与情感。我希望这本书能让我对音乐的理解，从“听”的层面，跃升到“懂”的层面，甚至能够“悟”的层面，从而获得一种更丰富、更深刻的艺术享受。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，音乐是一种极其抽象却又极其富有表现力的艺术形式，它能直接触动人的灵魂，却又常常难以言说。这本书的书名，“音乐审美的符号操作与艺术解释”，对我来说，就像是一个极具吸引力的谜题。我很好奇，“符号操作”这个词在音乐美学中究竟意味着什么？它是否指的是音乐中那些可辨识的、可分析的元素，例如音高、节奏、和声、织体等，它们是如何被组织和转化的，从而形成独特的音乐语言？我希望能在这本书中找到关于这些“音乐符号”的解读方法，学习如何将抽象的听觉体验转化为更为具体的分析和理解。而“艺术解释”则让我看到了这本书的另一重价值：它不仅仅停留在对音乐“怎么做”的探讨，更深入地触及了“为什么”以及“意味着什么”。我期待书中能够提供一些理论框架，帮助我理解音乐是如何与人类情感、文化背景、甚至哲学思想相互关联的。我希望通过这本书，能够学会如何更有效地“听懂”音乐，如何从音乐中汲取更多的精神营养，并将其内化为自己理解世界、理解艺术的一种独特视角。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对西方古典音乐情有独钟的听众，我常常在聆听贝多芬的奏鸣曲，或是莫扎特的交响曲时，感受到一种强大的精神力量。但每次结束后，总会有一种意犹未尽的感觉，仿佛有许多东西被触动了，却无法准确地捕捉和表达。这本书的书名，“音乐审美的符号操作与艺术解释”，恰好点出了我一直以来困惑的两个方面。一方面，我渴望了解音乐的“符号操作”是如何工作的，例如，某个特定的和弦进行，在听觉上会带来什么样的情绪感受？某种节奏型又是如何影响乐曲的张力？我希望这本书能够揭示音乐的“语言规则”，让我能够像理解文学作品的修辞手法一样，去理解音乐的“修辞手法”，从而更深入地把握作品的结构和情感脉络。另一方面，“艺术解释”则意味着，这本书不仅仅停留在技术层面的分析，更会触及音乐所承载的文化、历史、哲学意义。我希望通过这本书，能够更好地理解音乐作品是如何与当时的历史背景、社会思潮相联系的，以及音乐如何成为人类情感和思想的载体。我期待它能够帮助我构建一个更完整的音乐欣赏体系，让我不再仅仅是“听”，而是能够“解读”和“对话”。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本书，封面设计就颇具匠心，深邃的蓝色调搭配抽象的金色线条，仿佛预示着一场关于声音与意义的深度探索。虽然我还没来得及细读，但仅从书名“音乐审美的符号操作与艺术解释”便能感受到一种严谨而富于启发性的学术气质。我个人对音乐的理解，更多停留在感性的层面，常常沉醉于旋律的起伏和情感的传递，但却很难言之有物地分析其内在逻辑。这本书似乎正能填补我在这方面的空白，它提出的“符号操作”概念，让我联想到音乐语言的结构性，比如音程、和声、节奏等，它们是否如同文字的符号一般，遵循着一套内在的规则，能够被拆解、分析，并最终指向特定的意义？而“艺术解释”则更让我期待，音乐如何超越纯粹的听觉体验，触及更深层次的审美感受，甚至引发哲学思考？我猜想，书中可能会引用大量的音乐作品作为案例，从古典到现代，甚至跨越不同文化背景，来佐证其理论。我很期待能够在这本书中，学习到如何用一种更加系统和科学的方式来“听”音乐，不再只是被动地接受，而是能够主动地参与到音乐的意义建构之中，发现那些隐藏在音符背后，令人惊叹的智慧与情感。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余作曲爱好者，平时喜欢尝试将脑海中的一些想法转化为音符，但常常感到力不从心，尤其是当我想表达更复杂的情感或概念时。总觉得自己的音乐语言不够丰富，缺乏能够精确传达意图的“工具”。这本书的书名，尤其是“符号操作”这个词，立刻引起了我的兴趣。我理解的“符号操作”，或许是指音乐中那些构成语言的元素，如同字母组合成词语，词语构成句子一样，音高、节奏、力度、音色等是如何被组合、变形、发展，从而形成具有辨识度的音乐“词汇”和“语法”。我希望这本书能提供一些实用的方法论，帮助我理解和掌握音乐的“符号系统”，让我能够更自由、更精确地运用这些元素来构建我的作品。比如，不同的和声进行、不同的旋律走向，它们在情感表达上究竟有什么细微的差别？如何通过节奏的变化来营造特定的氛围？书中是否会探讨一些作曲技巧，或者提供一些分析音乐结构的思路，让我能够从大师的作品中汲取养分，提升自己的创作能力？我非常渴望能从这本书中获得一种“解谜”的快感，洞察到音乐创作背后那些精妙的设计与巧妙的运用，让我的音乐表达不再是“凭感觉”，而是建立在更坚实的基础之上。