中国音乐通史教程(高等音乐师范院校音乐史论公共课系列教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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梁茂春，陈秉义 编

图书标签:

• 中国音乐史
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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810961073

版次：1

商品编码：11828828

包装：平装

丛书名： 高等音乐师范院校音乐史论公共课系列教材

开本：16开

出版时间：2005-06-01

用纸：胶版纸

页数：295

正文语种：中文

内容简介

　　《中国音乐通史教程》集中国古代音乐史、中国近现代音乐史和中国当代音乐史于一体，清晰、完整、系统地再现了我国音乐史的三个主要时段。
　　《中国音乐通史教程》条理清晰，文字通俗易懂，既能成为一本教材，也能成为一本自学的参考材料。

目录

第一讲 音乐的起源和远古乐舞
第一节 原始传说和音乐的起源
第二节 近代音乐起源说
第三节 远古乐舞
第二讲 上古的乐舞和歌舞
第一节 先秦乐舞——“六代乐舞”
第二节 《诗》和《楚辞》
第三讲 西周的礼乐制度与大司乐
第一节 西周的礼乐制度
第二节 大司乐与音乐教育
第四讲 乐器与器乐
第五讲 上古的乐律学与音乐论著
第六讲 中古音乐机构与西汉乐府
第七讲 中古的歌舞音乐
第八讲 中古时期的乐器和器乐
第九讲 中古乐律学和记谱法
第十讲 中古的音乐美学思想和《声无哀乐论》
第十一讲 近古歌曲
第十二讲 近古乐器与器乐
第十三讲 说唱音乐
第十四讲 戏曲音乐（上）
第十五讲 戏曲音乐（下）
第十六讲 近古乐律学与音乐论著
第十七讲 20世纪初的学堂乐歌
第十八讲 五四运动时期的歌曲创作和音乐理论
第十九讲 20世纪20、30年代的民族器乐
第二十讲 抗日救亡歌咏运动
第二十一讲 人民音乐家洗星海
第二十二讲 抗日战争时期的音乐
第二十三讲 “延安音乐”与歌剧《白毛女》
第二十四讲 20世纪30、40年代的流行音乐
第二十五讲 国统区、沦陷区的音乐
第二十六讲 建国时期的歌曲、合唱音乐
第二十七讲 建国初期的器乐创作
第二十八讲 建国初期的歌剧、舞剧音乐和音乐理论
第二十九讲 “文革”时期的音乐
第三十讲 新时期的歌曲和流行音乐
第三十一讲 新时期的器乐、歌剧、舞剧和音乐理论
第三十二讲 台湾、香港、澳门音乐发展概观
参考书目
后记

好的，这是一本旨在填补现有音乐史教材在特定领域空白的图书简介。 --- 《西方音乐思潮：从文艺复兴到数字时代的理论与实践》 图书简介 本书并非对既有中国音乐史学的简单复述或对西方音乐史的通识性概览，而是深入剖析西方音乐理论、美学观念及其在不同历史阶段的社会文化语境中的演变轨迹。本书聚焦于“思潮”——那些塑造了音乐发展方向、定义了不同时代风格核心的哲学、审美与技术革命。 核心定位与特色 本书的结构严格遵循时间轴与思潮交织的逻辑，避开传统教材中侧重于“人物-作品-年代”的线性叙述模式，转而强调思想的继承、断裂与对话。它旨在为高等音乐学、音乐理论专业的学生，以及对西方音乐哲学有深入探究需求的音乐工作者，提供一个更具批判性和思辨性的学习框架。 第一部分：理性与秩序的构建——文艺复兴晚期至启蒙运动 本部分考察了音乐思维如何从宗教神学向人文主义理性过渡的核心议题。 1. 对位法与和声法的冲突与融合： 详细分析了复调音乐结构如何从纯粹的“线条交织”演变为受“垂直音响”（和声）规范的体系。重点讨论了弗兰科（Franco of Cologne）的节奏符号学如何为巴洛克音乐的精确记谱奠定基础，以及继和声学（Harmonices Mundi）观念对巴赫对位法体系的深层影响。 2. “情感理论”（Affektenlehre）的哲学基础： 考察了笛卡尔、阿奎那等哲学家的情感理论如何被音乐家（如基尔希霍夫、马泰松）转化为作曲技法。我们探讨了清晰的修辞结构（Rhetoric）如何在巴洛克歌剧中成为组织情感体验的工具，并对比了意大利歌剧与德意志清唱剧在理论实践上的差异。 3. 古典主义的“自然”与“清晰”： 深入探讨了启蒙运动背景下对“自然”的音乐化理解。海顿、莫扎特与贝多芬的“奏鸣曲式”并非仅是结构安排，而是对康德审美理论中“崇高”（Sublime）与“优美”（Beautiful）在音乐结构中辩证统一的实践。我们特别分析了“主题发展”理念如何体现了理性主义对有机成长的追求。 第二部分：浪漫主义的自我与“无限”的追求 第二部分聚焦于浪漫主义思潮对音乐本体论的颠覆，音乐不再是情感的表达工具，而成为了通往形而上学真理的媒介。 1. 瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）与先验性哲学： 详述了叔本华的“意志”（Will）理论如何被瓦格纳用于重构歌剧的叙事和音乐语言。乐思的连绵不绝（Unendliche Melodie）是对线性叙事结构和古典和声语言的彻底反叛，它追求的是一种无边界的、潜意识层面的体验。 2. 音色与程序的解放： 考察了李斯特对钢琴技法革新的背后，是对音色（Timbre）本体地位的提升。音色不再是依附于旋律或和声的属性，而是自身就承载意义的元素。同时，对“标题音乐”的分析，不再局限于文学内容，而是探讨其如何试图突破纯音乐的抽象性界限，实现与具象世界的连接。 3. 后浪漫主义的危机与调性的边缘化： 探讨了马勒、施特劳斯后期作品中，调性系统张力的极致化如何预示着现代主义的到来。调性崩溃不仅仅是和弦的复杂化，而是对西方音乐数百年形而上学基础的动摇。 第三部分：现代性与碎片化的探索 本部分着重于20世纪初至二战后，音乐对“传统”进行激进批判和解构的过程。 1. 德彪西与“印象主义”的感官革命： 区分了德彪西受象征主义文学影响的音乐观与传统浪漫主义的区别。重点分析了全音阶、五声音阶在打破调性功能性中的作用，以及色彩性和声对“时间感”的模糊处理。 2. 勋伯格与“十二音技法”的理性重建： 详细梳理了从自由无调性到序列主义的逻辑链条。十二音体系不仅仅是一种作曲“技术”，更是对音乐领域中“偶然性”进行彻底排除、以科学理性重建秩序的哲学尝试。分析了其与早期表现主义（如《月迷人的皮埃罗》）中无意识的表达之间的张力。 3. 斯特拉文斯基与“原始主义”的文化人类学视角： 探讨了《春之祭》的节奏暴力背后，是对西方线性时间观的挑战。节奏的“棱柱化”和“异域化”反映了人类学思潮对非西方文化的关注，以及对启蒙理性中心地位的质疑。 第四部分：后序列主义、电子与数字时代的思辨 收尾部分关注二战后音乐理论的多元化发展，以及技术对音乐本体的重塑。 1. 序列主义的扩展与异化： 分析了布列兹和斯托克豪森如何将序列控制从音高扩展到力度、时值乃至演奏方式，探讨了这种“全序列化”的局限性——即过度控制是否导致了情感的缺失和演奏的非人化。 2. “机遇音乐”（Aleatoric Music）与接受美学的转向： 重点讨论了约翰·凯奇对“禅宗”思想的吸收，以及音乐创作主体性的消解。机遇音乐迫使听众和演奏者共同参与到音乐意义的建构中，这是对传统作曲家权威地位的根本性挑战。 3. 电子音乐与声音景观的重构： 探讨了电子合成器和录音技术如何将音乐从“记谱艺术”转变为“声音物质的直接操纵”。本书将分析卢西安·贝留斯（Luigi Russolo）的噪音理论如何延伸至Musique Concrète和电子音乐，以及数字音频处理技术如何进一步模糊了“演奏”与“制作”的界限，开启了新的美学范式。 本书价值 本书并非提供标准答案，而是提出问题。它要求读者不仅要知道巴赫写了什么，更要理解巴赫时代的人们“如何思考音乐的结构与上帝的关系”；不仅要知道勋伯格写了什么，更要理解十二音体系“是对一个世纪以来调性危机所作出的哲学回应”。本书是系统梳理西方音乐思想脉络、理解当代音乐思潮的理论基石。 ---

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书，就被其严谨的学术性和深刻的洞察力所折服。作者在梳理中国音乐发展脉络的同时，并未停留在简单的史实罗列，而是深入剖析了各个时期音乐发展的内在逻辑和深层原因。对于一些重要的音乐理论和概念，如“宫、商、角、徵、羽”的演变，书中都有清晰的解释和历史溯源，让我对其有了更透彻的理解。我尤其欣赏作者对中国古代音乐美学思想的探讨，例如“乐以治世”的理念，以及音乐在祭祀、礼仪等活动中的作用，这些都揭示了中国音乐在中国传统文化中的核心价值。书中对一些长期存在争议的音乐史问题，也进行了客观的分析和探讨，展现了作者扎实的学术功底和独立思考能力。总而言之，这本书不仅适合音乐专业学生，对于对中国传统文化感兴趣的读者来说，也是一本不可多得的参考书。它让我对中国音乐的理解，从表层的欣赏上升到了对哲学、美学层面的思考。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的内容深度和广度都非常令人印象深刻。我之前对中国音乐史的了解仅限于一些零散的知识点，而这本书则提供了一个完整的框架和扎实的理论基础。作者在阐述不同时期的音乐风格、乐器发展、音乐理论时，引用的史料翔实，论证严谨，让我对许多之前似是而非的观点有了清晰的认识。特别是关于宋元时期的戏曲音乐，书中详细介绍了其形成、发展以及对后世的影响，让我对这些宝贵的文化遗产有了更深的敬意。此外，书中对不同地域音乐文化的探讨也十分精彩，展现了中国音乐的多样性和地域特色。我特别欣赏作者在讨论音乐与社会、政治、哲学等方面的联系时，能够做到游刃有余，将音乐置于更广阔的文化语境中进行解读。这本书不仅仅是关于音乐本身，更是关于音乐与中国历史文化交融的宏大叙事。它极大地拓展了我的音乐视野，让我看到了中国音乐在中国文明进程中的重要地位。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直就是一场音乐的盛宴！翻开它，仿佛穿越了千年的时光，亲耳聆听古老宫廷的钟鼓齐鸣，感受民间小调的婉转悠扬。作者的笔触细腻而充满激情，将中国音乐的演变脉络梳理得清晰可见。从先秦的古朴雅致，到唐宋的繁盛辉煌，再到明清的跌宕起伏，每一个时代都被赋予了鲜活的生命。我尤其喜欢关于各个时期代表性音乐家的介绍，那些如雷贯耳的名字，在文字中重新焕发了光彩。更让我惊喜的是，书中还穿插了大量的乐谱和图像资料，这让抽象的音乐理论变得直观生动。阅读的过程中，我仿佛能看到古代乐师在指尖流淌出的旋律，听到宫廷宴会上奏响的华彩乐章。这本书不仅仅是一本教材，更像是一本引人入胜的音乐故事集，让我对中国音乐的博大精深有了更深刻的认识。它让我不再仅仅是“听”音乐，而是开始“理解”音乐背后的文化、历史和情感。对于想要系统了解中国音乐史的初学者来说，这本书无疑是绝佳的入门读物。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，在阅读这本书之前，我对中国音乐史并没有太多的概念，感觉它离我有些遥远。但是，这本书彻底改变了我的看法。作者巧妙地将枯燥的学术内容与引人入胜的故事情节相结合，让我在不知不觉中沉浸在中国音乐的海洋里。从古代的歌谣，到后来的宫廷音乐，再到民间小调，每一个章节都像是一扇窗户，让我窥见了不同时代的生活和情感。我尤其对书中关于“诗乐结合”的探讨印象深刻，这让我明白了中国古代诗歌与音乐之间密不可分的关系。书中对一些著名乐曲的分析也十分精辟，让我能够更好地理解和欣赏这些经典作品。这本书让我意识到，中国音乐不仅仅是一种艺术形式，更是承载着中国人民情感、智慧和历史的宝贵财富。它让我对中国文化有了全新的认识，也让我对未来的音乐探索充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我以一种非常惊喜的心情打开了这本书，原本以为会是一本枯燥的教科书，没想到它竟然如此生动有趣。作者的语言风格非常亲切，仿佛是一位经验丰富的老师，循循善诱地引导着我去探索中国音乐的奥秘。书中充满了各种各样的故事和轶闻，让我看到了音乐家们的生活，听到了他们创作背后的心声。例如，关于唐代乐工的生活，以及他们如何将外来音乐元素融入本土音乐，这些细节都让历史变得鲜活起来。书中对于一些传统乐器的介绍也十分到位，不仅有文字的描述，还有精美的插图，让我对这些古老乐器有了直观的认识。我特别喜欢书中关于“丝竹”和“管弦”的不同意蕴的解读，这让我对中国音乐的分类有了更清晰的认识。这本书让我觉得，学习音乐史不再是一件沉重的事情，而是一次愉快的文化之旅。

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