音乐教育的基本概念（第二卷） [Basic Concepts in Music Education,Ⅱ] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 理查德·科尔维尔（Richard J.Colwell） 编，刘沛，吴珍 译

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810966641

版次：1

商品编码：11690708

包装：平装

外文名称：Basic Concepts in Music Education,Ⅱ

开本：16开

出版时间：2015-03-01

用纸：胶版纸

页数：235

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐教育的基本概念（第二卷）》没有过多地讨论音乐教育中具体的课程问题和学生的音乐学习内容。它提供的是一种框架，用以论证美国学校所提供的各种音乐教育方案。21世纪以来，音乐教育在美国的主要趋势是根据美国《艺术教育国家标准》（National Standards for Arts Education,）所规定的具体的学习成就，依照有序的教学形态来组织音乐教学。这种形势从实质上改变了《音乐教育的基本概念》（第二卷）所描述的灵活和变通的音乐教学框架。《艺术教育国家标准》规定了严格的音乐课程，把重点放到了内容标准和表现标准，实际上减少了布里顿、埃勒和雷默在《音乐教育的基本概念（第二卷）》中阐释的所有学生都能够成功的机遇。中国的读者要了解美国的音乐教育，可以在阅读《音乐教育的基本概念（第二卷）》每一章时想象这样一幅场景：美国高中音乐教育的典型就是管弦乐队和其他表演团体，在《音乐教育的基本概念（第二卷）》中可以看到对这些表演情形的描述。小学的音乐教育的典型就是普通音乐课，其中有些学生是按照柯达依教学法的模式学习歌唱和聆听；有些学生的歌唱学习有限，对他们的教学主要包括奥尔夫乐器、竖笛的吹奏，或许还有计算机作曲。这些学生中，有的每天可以上音乐课，教师十分优秀，有的只能一周或两周见到一次音乐教师。然而，不论是教师，还是公众，都能接受在我们的不同思想支配之下的多样化现实，同时也在形形色色的音乐经验中努力地寻求各自的价值。

目录

作者简介
原文版前言
第一部分：学科背景
第一章 寻求成为基础学科的途径：
20世纪90年代以来的音乐教育
第二章 （Ⅰ）音乐教育的实用主义哲学
（Ⅱ）实用主义哲学的变体
第三章 音乐教育的实在主义哲学
第四章 呼唤多元文化主义论：麦凯观点的演变
第五章 音乐教育中的成长过程
第六章 默塞尔之后的音乐教育哲学和心理学
第七章 心理学理论与音乐学习
第八章 美国音乐教育：优于我们的想象？
关于表演和曲目的角色的讨论及其他

第二部分：学校中的音乐
第九章 普通教育中音乐的角色
第十章 古典主义与个体主义：更改审美目标的个案
第十一章 特殊儿童的音乐教育
第十二章 音乐科技与教育
第十三章 评价
第十四章 给教师教育者的建言
译者后记
译者附录：人名中外文对照及索引

精彩书摘

　　《音乐教育的基本概念（第二卷）》：
　　人的智商和特点生来就有所不同，天才的智商要比普通人高出许多。在保守派看来，这一事实证明中等学校以上的教育是为高智商的人而设立的，进入高中阶段的学习的前提，智商应该超过115。这就意味着，我们中间半数以上的人无法达到这个智力水平，因而必须丧失高中教育的机会。这种精英教育观念与学校教育的某些阶段的事实相符，但却无法满足民主的要求。
　　在美国，公立学校教育的目的是为所有人提供正式教育的机会，但是对于这个目的，却有两种不同的阐释方式。保守主义者认为接受教育的个体智力水平有所不同，应当根据不同的学习潜能为他们提供适当的教育。自由主义者则认为，公平的教育机会意味着为所有人提供优质的教育，这就要求我们改进学校教育体制的硬件和软件，使之充分适应这个任务。
　　在上述问题上，实用主义哲学的观点与自由主义者一致，这并非缘于自由主义的政治观点，而是基于实用主义哲学在思维或者智能方面的概念。就思维对行为的规范而言，思维的存在意义有助于改善生活的品质，无论人们的智力高下如何，均是如此。只有当人们明确地认识到，他们学习的知识有助于摆脱现实生活的困境，能够增加实现目标和满足需求的机会，这时思维才能发挥最大的效能。一种见多识广的思维模式在行为控制方面必然具有更明显的意图和见解，虽然在常人看来这也许只是一种偶然或者意外，但是对于所有人，即使是先天缺陷的人来说都是适用的。近期有报道指出，对智力水平有限的人给予鼓励，使其充分发挥自己的智商水平，他们也会逐渐增强自立能力，鼓励所产生的效果超出所有人的预期。
　　现在，本文开始探讨与音乐教育相关的议题。音乐的普遍价值在于其多样的独特性质，其中的一些特性更易于被大多数人接受。例如，人们通常认为管乐队可以激发战斗力和爱国热情，推助足球队赢得胜利。但另一方面，某些特定类型的流行音乐会使老一辈人反感，使家长们觉得难以接受。这种类型的音乐特性往往又是高中生和大学生的心爱。但是，这些音乐价值位于边缘和次要的地位，并非音乐的核心，因为这些价值同样也适用于舞蹈等其他艺术门类。遗憾的是，这些价值已经被人们盲目接受和认可。如果音乐要在学校教育中赢得一种特殊的和无可替代的作用，就不应该重复传授那些广为人知的内容。那么，学校音乐教育应该传达什么内容呢？可以传授与音乐表演相关的技能，事实上这也确实被许多学校广泛接受。问题是，技能的传授只是满足了少数人的需求。面向全体学生，学校音乐教育应该教些什么呢？
　　唯一的答案就是教授学生如何通过欣赏严肃音乐来提升生活的内涵。学校音乐教育除了识谱、视唱练耳等等之外还有诸多有用的资源，例如不同音乐时期、音乐风格的历史以及曲式结构的进化演变过程。其中，最为重要的音乐教育目标是培养学生倾听、理解严肃音乐的能力，与此同时提升审美体验的质量。这是大众文化的缺失部分，也是我们文化传统中的一个重要部分，需要人们从学校教育中获取。而现实情况是，大多数人对此依旧不以为然。爵士乐被看作是前辈的流行音乐。许多青少年不会识别电子琴、电吉他以外的其他乐器。
　　也许有人会认为，以上所说不过是年老昏聩之辈的无事生非。但是当人们到了一定年龄，在音乐厅听音乐会时发现年轻人寥寥无几，不免会思忖学校教育在某些基础课程方面的失败，也就是新一代人的审美体验教育的失败。这种现象的存在也确实是有一定原因的。
　　我对这些问题的看法首先是，音乐教师没有真正接受我在1958年第一卷《音乐教育的基本概念》中所传达的信念，即音乐教师的努力目标应当着眼于音乐的完整性和独特性，而不应该与其他学科的建设目标混为一谈。
　　其次，所有的音乐教育者应当竭力说服每个人，音乐教育与完整的教育体系中其他所有学科一样，是极其重要的，是这项重要事业的一个组成部分。如果音乐课程处于整个课程体系的边缘地位，那么每当经济走向低迷，它就可能随之灭失。因此，我们要让所有的音乐教师相信，他们在学校中扮演着重要的角色，站立在核心的地位，并愿意为之付出自己的热情。他们要致力于为学生传授音乐，传授那些审美内容足够丰厚的音乐。不幸的是，上述的目标、信念和热情目前都无处可寻。
　　此外，我们面临的一个巨大困难是，音乐教育平等尚未得到普遍认可.人们对这种平等的实质也没有清晰的认识。我们需要推翻人们的某些偏见，认为欣赏古典音乐和欣赏其他艺术一样，是具有一定经济社会地位人群的特权。音乐会、歌剧厅基本上是中产阶级的嗜好，而这一社会阶层显然更接近上层社会。其实，这些与经济原因并无直接的关系。当下的青少年舍得流行音乐会和专辑唱片的消费，其实这些开销足够他们欣赏经典音乐会，即便用于大都市的顶级交响乐团也足够了。他们欠缺的知识，是对这些音乐会中蕴藏的巨大力量的认识。如果不能去除偏见，敞开胸怀，就永远体会不到这些音乐的潜在力量。造成这一现象的原因是流行音乐更易于接受和理解，而欣赏古典音乐需要品味的长期培养和持久的学习。为了成功培养学生古典音乐的品味，两种相互对立的观点使教育任务变得更为复杂。一种观点是在常识文化的各个层面渗透这些音乐文化；另一种观点则专注于精英文化，这是保守派的意识形态和哲学。
　　在人们的心目中，常识有时被看作是智慧的锦囊，是医治理性主义以及过往弊病的一种必要良方。但是，人们对于常识的看待也要格外谨慎。当下的大众文化给新一代年轻人造成了错误的信念和有害的态度。这种信念认为普通的劳动阶级无需接受高端的教育，高端的知识或者欣赏艺术的品味对他们来说是无用的。这样的观点不仅出现在城市，也同样影响到了生活在乡村的人。正是由于这种错误观念的存在，才使得学校教育的推行变得如此困难。学校教育的内容本来可以使人们的生活变得更多样化，但是教师在执行时却遇到了相当大的阻力。劳动阶级中的许多成年人受错误观念影响甚深，认为他们不能够理解高深的知识内容。中产阶级的孩子能够得到更多的教育，但究其原因也并不正确。他们愿意努力学习取得好成绩，但仅仅是因为与他人竞争，进入好的大学，找到好的工作，获得更高的薪水。这样看来，哪一个阶级都不会轻易认可古典音乐能为他们的生活注入新的活力。
　　……

前言/序言

好的，这里为您提供一本关于音乐史、作曲技法、听力训练和音乐心理学的综合性书籍简介，该书与《音乐教育的基本概念（第二卷）》内容无涉，侧重于音乐实践和理论深度探讨。 《和声的逻辑与音乐思维的演进：从巴洛克到二十世纪的结构分析与创作实践》 图书简介 作者： 音乐学与作曲理论研究组 出版社： [虚构出版社名称，例如：和声之声出版社] 页数： 约 780 页 开本： 16 开 --- 内容概述：探寻音乐结构背后的“为什么” 《和声的逻辑与音乐思维的演进：从巴洛克到二十世纪的结构分析与创作实践》并非一本基础概念的入门手册，而是一部深入音乐内部机制、剖析西方音乐美学与技法演变脉络的重量级专著。本书旨在服务于已有一定音乐基础、渴望提升分析能力、并希望在创作实践中找到更深层次理论支撑的专业人士、高年级学生及严肃音乐爱好者。 全书共分为五个主要部分，脉络清晰地勾勒出从固定调性体系确立到现代复调与非传统音高组织方式的演进轨迹。我们拒绝停留于表层的“是什么”，而专注于追溯“如何成为”以及“为何如此”。 第一部分：调性系统的深化与确立（1600-1750） 本部分聚焦于巴洛克时期音乐语言的成熟与规范化过程。它详尽考察了数字低音（Figured Bass）作为一种实用的记谱与演奏规范，如何推动了功能和声的系统化。 核心议题包括： 1. 对位法的复兴与功能和声的融合： 深入分析巴赫赋格曲中对位技法与和声功能之间的辩证关系。我们不仅仅停留在识别对位线条，更重要的是解析在特定调性框架内，如何通过旋律的驱动来确立和支撑和声走向。 2. 曲式结构的原型分析： 探讨大协奏曲（Concerto Grosso）、组曲（Suite）以及早期的奏鸣曲式（Sonata Form）的雏形。重点剖析A-B-A三段体结构在不同体裁中的灵活应用及其情绪张力构建方式。 3. 固定调性下的音色思考： 讨论早期键盘乐器（如羽管键琴、维吉纳琴）的音色特性对作曲家在和声配器上所施加的限制与启示，并尝试重构17世纪半叶的演奏实践对理论构建的影响。 第二部分：古典主义的清晰性与结构重塑 古典主义时期，音乐语言追求形式的平衡与清晰。本部分重点解析海顿、莫扎特、贝多芬如何将巴洛克时期积累的材料，提炼并发展为高度结构化的音乐形态。 关键分析点： 1. 奏鸣曲式的精细解构： 详尽划分呈示部、展开部、再现部的内部逻辑，特别是对“转调”的动机性使用进行深入研究。分析如何通过主题的模进、变奏和片段化，在保持清晰框架的同时实现戏剧性的冲突。 2. 动机发展与有机统一： 侧重研究贝多芬如何利用微小的音乐动机（如“命运动机”）作为贯穿整个乐章的结构核心，探讨这种有机发展手法如何超越简单的“主题与变奏”范畴。 3. 配器法的初步成熟： 探讨管弦乐队编制的标准化过程，以及木管和铜管乐器开始在色彩与结构支撑上扮演的角色，这与纯粹的弦乐主导形成了何种张力。 第三部分：浪漫主义的色彩、情感与和声的边缘探索 进入19世纪，个人情感的表达成为核心驱动力，这直接导致了对传统功能和声体系的极大拓展和挑战。 本书在此部分着重于： 1. 半音化和声的滥用与创新： 详尽分析肖邦、李斯特以及瓦格纳如何系统性地引入大量附属和弦、增三和弦、以及经过（Passing Chords）来模糊调性中心。我们通过具体实例展示了如何运用“和声模糊”（Harmonic Ambiguity）来营造特定的情感氛围，同时又不完全破坏听众对调性的感知。 2. 主导动机与“未解决”的和声： 特别关注《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”的结构分析，探讨其在特定情境下作为功能性但无法被传统语法完全解释的和弦，如何成为浪漫主义晚期音乐思维的标志。 3. 曲式与叙事性的结合： 考察幻想曲、叙事曲和交响诗这类新兴体裁中，音乐结构如何让位于非音乐性的叙事需求，以及作曲家如何构建“拉长的”或“片段化的”结构来适应这种叙事张力。 第四部分：二十世纪初的调性瓦解与新系统的尝试 本部分是本书理论难度最高的部分，关注1900年至1945年间西方音乐面对工业化和心理学变革时所做的深刻回应。 1. 印象主义的和声色彩学： 德彪西和拉威尔对五声音阶、全音阶以及模态和声的重新启用，旨在消除功能性倾向，追求声音本身的质感。我们将分析如何利用这些音阶来构建“横向的”而非“纵向的”和声运动。 2. 原始主义与节奏的中心化： 以斯特拉文斯基的《春之祭》为核心案例，分析如何通过多重节拍、节奏的复杂交织（Polyrhythm）来取代传统和声对音乐动力的主导作用。 3. 第二维也纳乐派的结构革命： 详细阐述勋伯格如何从“自由无调性”过渡到“十二音体系”（Dodecaphony）。本书提供了一套严谨的十二音矩阵分析方法，重点区分了“音组”的排列逻辑与其在音乐结构中的实际呈现方式，强调其背后的哲学驱动力——对绝对客观性的追求。 第五部分：战后作曲技法的扩展与跨界（选读） 本部分作为对前述系统的延伸，探讨了战后音乐在追求彻底解放中出现的几种主要路径：序列主义的深化（如布列兹）、电子音乐的结构化尝试，以及对非西方音乐元素的吸收。这部分着重于展示理论如何服务于无限可能性的探索。 学习目标与读者定位 本书不提供基础的乐理知识讲解，不涉及音乐教育的教学法、儿童心理发展或特定乐器演奏技巧。 读者在阅读本书后，应能达到以下目标： 能够运用高级分析工具对不同历史时期的复杂作品进行结构拆解。 理解和声变化背后的历史、哲学与美学动机。 具备将理论知识应用于自身创作，打破传统束缚的实践能力。 本书是深入理解音乐作为一门精密“逻辑艺术”的必备参考书，是通往高级音乐思维殿堂的阶梯。

评分☆☆☆☆☆

从整体的阅读体验来看，这本书的学术对话感非常强烈。它不像一本孤立的著作，更像是一场跨越时空的学术会议记录，汇集了不同流派、不同时代的思想精粹。作者在引述前人观点时，总能巧妙地加入自己的独到见解，或者指出先前研究的局限性，从而将讨论向前推进了一大步。这种不断对话、不断超越的叙事节奏，让阅读过程充满了发现的乐趣。我甚至可以想象，如果能有机会与作者面对面交流，我们一定能就许多教育难题进行一场酣畅淋漓的辩论。这本书的价值不仅在于它传递了既有的知识，更在于它激发了读者探究未知、挑战权威的学术热情。对于任何一位严肃对待音乐教育事业的人来说，这本书都是一个不可多得的精神食粮，它提供了一种更高层次的、关于“教育之本质”的深刻洞察。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度令人印象深刻，它仿佛搭建了一个宏大的知识殿堂，引领我们去审视音乐教育学科的整体面貌。我特别欣赏作者在处理争议性议题时所展现出的中立而又深刻的批判性思维。例如，在探讨技术在音乐教学中的角色时，作者没有简单地赞扬或贬低，而是从哲学基础、认知科学和实际操作层面，多维度地剖析了其利弊。这种不偏不倚、思辨缜密的写作风格，极大地启发了我对许多既有观念的重新审视。阅读过程中，我需要频繁地停下来，思考作者提出的每一个论点背后的逻辑支撑。它迫使读者进行深层次的内省和知识重构，而不是被动地接受既有结论。对于那些希望在音乐教育领域有深入研究的学者或资深教师来说，这本书无疑是一份宝贵的思想资源，它提供的思考深度是教科书难以企及的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验堪称是一种智力上的愉悦。我发现作者在阐述复杂概念时，总能找到一种极其巧妙且直观的方式，避免了晦涩难懂的术语堆砌。记得有一次我正在为某个教学法困惑，随手翻到书中关于“内隐知识习得”的一节，作者通过一个生动的历史案例进行了解析，瞬间茅塞顿开。这种将抽象理论落地为具体情境的能力，是许多学术著作所欠缺的。更让我感到惊喜的是，作者似乎有一种预见性，总能在读者产生疑问之前，就将其纳入了下一段的论述之中。章节间的过渡自然流畅，就像与一位经验丰富的导师在进行深度对话，他总能精准地把握你知识体系中的薄弱环节，并给予恰到好处的补充和修正。这种循序渐进、层层深入的叙事结构，极大地提升了学习效率，让我感觉自己不仅仅是在“阅读”知识，而是在与作者一同“构建”知识框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了沉稳的深蓝色调，配上简洁的白色字体，显得既专业又不失艺术气息。内页纸张的质感也很考究，触感光滑，印刷清晰，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我特别欣赏作者在排版上的用心，清晰的章节划分和恰到好处的留白，让整个阅读过程非常流畅。拿到这本书时，我首先关注的是它的目录结构，发现内容安排得非常系统和有条理，从基础理论到实践应用，层层递进，能感觉到作者在知识体系构建上的深厚功力。拿到书后，我立刻翻阅了几个章节，发现作者的语言风格非常严谨，学术性很强，但又不会让人感到枯燥。比如在讨论某个理论模型时，作者不仅引用了大量的经典文献，还结合了当前的教育趋势进行分析，这使得书中的论述既有深度又有广度，完全不是那种陈旧的教材可以比拟的。光是阅读前言和绪论部分，我就已经对接下来的学习内容充满了期待。这本书的装帧和设计，可以说为内容的高质量提供了一个非常好的载体，让人忍不住想要细细品味其中的每一页文字。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最初对这样一本专业性极强的书籍抱持着一定的敬畏，担心内容过于学院派，缺乏实践指导意义。然而，这本书完全颠覆了我的刻板印象。它不仅仅停留在对“是什么”的定义上，更深入地探讨了“为什么”和“如何做”。书中大量的案例分析，都取材自全球不同文化背景下的音乐课堂，这些鲜活的实践经验为理论的有效性提供了强有力的支撑。特别是书中关于“跨文化音乐素养培养”的那几章，作者的论述极具前瞻性，不仅指出了当前教育中的不足，还提供了一套切实可行的教学路径图。我甚至开始尝试将书中的某些方法论应用到我自己的备课中，效果立竿见影。这种理论与实践的完美结合，使得这本书的价值远远超出了普通教材的范畴，它更像是一本指导我们如何成为更优秀教育工作者的“行动指南”。读完这部分内容，我感觉自己的专业视野被极大地拓宽了。