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乔惟进 著

图书标签:

• 和声学
• 音乐理论
• 和声
• 音乐教育
• 音乐入门
• 作曲
• 编曲
• 乐理
• 基础乐理
• 音乐

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810961127

版次：1

商品编码：11885123

包装：平装

丛书名： 高等音乐（师范）院校作曲技术理论公共课系列教材

开本：16开

出版时间：2005-10-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

内容简介

　　和声学不仅是高等艺术院校中作曲专业必修的一门专业技术理论课程，也是音乐表演专业必修的专业基础课程。前者是专业课，后者是共同课。这两种和声课在教学内容的安排、教学时间与授课方式，以及教学要求等方面是不同的。《和声基础教程》是为高等艺术院校与师范院校的和声共同课而撰写的教材，亦可作为作曲专业的和声参考书，或作曲爱好者自学和声的教本。
　　《和声基础教程》针对这些新增专业的需要与新的教学要求，在内容安排上较为系统、全面，有一定的选择余地。
　　既可以加深和声共同课的程度，为学习其它音乐理论课程提供所需的和声基础，又可以满足新增专业以及作曲爱好者创作和编配的需要。为了使学生能够分析或创作民族风格的音乐作品，增加了“调式和声”的内容。
　　为了便于学生自己看书，例题大多标明和声进行。在原位正三和弦与六和弦的章节中，总结了和弦连接的五个基本图式。

目录

前言
第一讲 绪论
一、和声的基本概念与作用
二、和声的调式基础
三、和弦的结构与低音位置
1．和弦的结构
2．和弦的低音位置
四、和声的功能与和声进行
1．和声的功能
2．和声进行
练习一

第二讲 四部和声与声部进行
一、四部和声的形式
二、原位正三和弦的重复音
三、和弦的旋律位置
四、排列法
1．密集排列法
2．开放排列法
3．混合排列法
五、声部进行
1．一个声部的进行
2．两个以上声部的进行
3．避免不良的声部进行
练习二

第三讲 原位正三和弦的连接与基本图式
一、 四、五度关系的和弦连接
二、二度关系的和弦连接
练习三

第四讲 和弦转换与终止式
一、和弦转换
二、终止式
1．正格终止
2．变格终止
3．完全终止
4．正格半终止
5．变格半终止
6．完满终止
7．不完满终止
8．阻碍终止
练习四

第五讲 为高音部配置和声
练习五

第六讲 为低音部配置和声
练习六

第七讲 正三和弦的六和弦
一、六和弦的特性与作用
二、重复音
三、排列法
四、声部进行
五、同一个和弦的原位正三和弦与六和弦的连接
六、不同和弦的原位正三和弦与六和弦的连接
1．四、五度关系的和弦连接
2．二度关系的和弦连接
七、两个六和弦的连接
1． 四、五度关系的六和弦连接
2．二度关系的六和弦连接
练习七

第八讲 正三和弦的四六和弦
一、四六和弦的定义与标记
二、四六和弦的特性
三、重复音与排列法
……

第九讲 副三和弦
第十讲 属七和弦
第十一讲 副七和弦
第十二讲 属九和弦与属七——十三和弦
第十三讲 和弦外音（一）
第十四讲 和弦外音（二）
第十五讲 离调与重属和弦
第十六讲 副属和弦
第十七讲 副下属和弦与副重属和弦
第十八讲 近关系转调
第十九讲 模进
第二十讲 持续音
第二十一讲 变和弦
第二十二讲 同主音大小调效替变和弦
第二十三讲 远关系转调（一）
第二十四讲 远关系转调（二）
第二十五讲 远关系转调（三）
第二十六讲 远关系转调（四）
第二十七讲 远关系转调（五）
第二十八讲 调式和声（一）
第二十九讲 调式和声（二）
第三十讲 调式和声（三）
附录Ⅰ 和声习题写作的初级阶段
附录Ⅱ 和声习题写作的高级阶段

前言/序言

好的，下面为您提供一份关于另一本图书的详细简介，内容力求详实、自然，不包含《和声基础教程》的任何信息，并且避免使用任何被认为是“AI痕迹”的表达方式。 --- 《二十世纪西方音乐的演进与流变：从印象主义到后现代解构》 导言：时代的交响与思维的转向 二十世纪，无疑是人类艺术史上最为动荡、最为剧烈变革的一个世纪。两次世界大战的阴影、科技的飞速发展、全球化的初步形成，以及对既有文化体系的深刻反思，共同催生了音乐语言的爆炸性扩张与重构。这部《二十世纪西方音乐的演进与流变：从印象主义到后现代解构》并非仅仅是一部风格的罗列，它试图深入探究在社会剧变背景下，作曲家们如何挣脱瓦格纳以来“调性”的桎梏，如何探索新的音响可能性，以及他们如何通过音乐对现代性乃至后现代性的哲学命题进行回应。全书以时间为经，以核心思潮与技术革新为纬，构建了一幅宏大而精微的二十世纪西方音乐地图。 第一部分：告别浪漫的余晖与“朦胧之境”的探寻（约1900-1920年） 本部分聚焦于世纪之交，传统调性体系在浪漫主义末期达到巅峰后的必然松动。 第一章：印象主义的色彩与消散的轮廓 德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）是这一阶段的标志性人物。我们详细剖析他们如何运用五声音阶、全音阶以及不协和音的“色彩”而非“功能”来构建音乐画面。重点分析德彪西对自然意象的捕捉，以及他如何将音色本身提升为结构要素。对拉威尔作品中对古典形式的继承与调性残余的精妙处理，亦进行了细致的梳理。 第二章：俄国的野性与原始力量的回归 斯特拉文斯基的《春之祭》是里程碑式的事件。本章深入探讨了“原始主义”（Primitivism）的兴起，分析其背后对“异域文化”和人类本能的迷恋。我们不仅关注其在节奏上的突破——多重节拍、不对称的节奏单位——更探讨其和声如何通过音块的堆叠而非传统功能推进。同时，巴托克的早期作品，特别是他对东欧民间音乐的田野调查如何影响了他的和声语法和旋律线条的构建，也占据了重要篇幅。 第三章：第二维也纳学派的“自由”与“必然” 勋伯格、贝尔格、魏本（Schoenberg, Berg, Webern）的探索构成了另一条激进的路线。本部分详述了调性（Tonality）的瓦解过程，从勋伯格早期的半音化自由调性，到他最终确立的“十二音列技术”（Dodecaphony）。我们着重区分这三位作曲家在运用十二音技法上的差异：勋伯格的结构严谨、贝尔格的富有歌唱性与情感张力，以及魏本对音点、音色和极简主义的处理，这预示了战后序列主义的方向。 第二部分：战争阴影下的结构重塑与理性回归（约1920-1945年） 两次世界大战的残酷，使得一些作曲家转向更具客观性、更富逻辑性的创作手段，以对抗混乱的时代情绪。 第四章：新古典主义的“回归秩序” 新古典主义（Neoclassicism）并非简单的复古。本章阐释了斯特拉文斯基、欣德米特（Hindemith）等人如何借用巴赫、莫扎特等人的形式骨架（如奏鸣曲式、赋格），但用二十世纪的和声语言和配器法进行填充。重点解析欣德米特的“和声功能理论”（Harmonic Function Theory）及其对“新调性”的实践。 第五章：布列兹与梅西安的宗教光谱 梅西安（Olivier Messiaen）的作品是连接战前与战后最重要的桥梁之一。本章分析他独特的创作法门：对圣经主题的沉迷、对印度节奏的吸收，以及他标志性的“移位模式”（Modes of Limited Transposition）。我们还将目光投向他年轻的追随者布列兹（Pierre Boulez），考察其早期的序列手法如何试图将十二音技术扩展到节奏、力度和音色领域，构建出高度整合的“总体序列主义”（Total Serialism）。 第六章：美国声音的在地化探索 与此同时，美国音乐家开始寻找摆脱欧洲中心主义的本土声音。本章探讨了科普兰（Aaron Copland）如何通过对美国民间旋律和节奏的提炼，塑造出具有“广袤空间感”的音乐语言，尤其是在其“清晰时期”（Objective Period）的作品分析。格什温（Gershwin）的爵士乐元素与古典结构的融合，也在此处得到检验。 第三部分：技术爆炸与声音的解放（约1945-1970年） 战后，电子技术和全新的哲学思潮，极大地拓宽了音乐的物理边界和概念范畴。 第七章：电子音乐的诞生与磁带的魔力 这是音乐技术史上的一个关键转折点。本章细致描述了电子音乐的两种主要流派：科隆学派的“电子合成音乐”（Elektronische Musik），它追求纯粹的电子音波的组织；以及巴黎的“具体音乐”（Musique Concrète），它以现实世界的声音采集、变形和重组为基础。我们对比了施托克豪森（Stockhausen）和尚（Pierre Schaeffer）在各自领域的技术路线。 第八章：偶然性与不确定性的美学 约翰·凯奇（John Cage）的出现，挑战了音乐的本质定义。本章深度解析了“机会音乐”（Chance Operations）和“不确定性”（Indeterminacy）的哲学基础。通过对《4’33”》的文本分析，探讨了“声音即音乐”的边界拓展，以及对听众主动参与的邀请。 第九章：极简主义的呼吸与重复的魅力 作为对复杂序列主义的直接反动，极简主义（Minimalism）在六十年代兴起。本章重点分析莱克（G. Reich）和赖利（T. Riley）如何通过简单的材料、渐进式的相位偏移（Phase Shifting）和持续的重复，来改变听众对时间流逝的感知。这种对“过程”的强调，与前卫音乐的“结构控制”形成了鲜明对比。 第四部分：后现代的碎片、对话与回归（约1970年至今） 当宏大叙事开始瓦解时，音乐走向了多元化的“拼贴”与“挪用”。 第十章：新浪漫主义与极繁主义的回声 面对序列主义和极简主义的相对僵化，一些作曲家开始重新拥抱情感表达和丰富的和声色彩。本章探讨了后浪漫主义（Post-Romanticism）的复苏，以及极繁主义（Maximalism）——例如潘德列茨基（Krzysztof Penderecki）后期的作品——如何通过密集的音块和强烈的戏剧性，在技术上保持复杂性的同时恢复听觉的冲击力。 第十一章：拼贴与异质性：后现代的音乐景观 “后现代主义”的核心在于对“现代性”的批判性借鉴与戏仿。本章分析了洛蒂（Luciano Berio）和施托克豪森后期对既有材料的“引用”（Quotation）和“拼贴”（Collage）技术，以及它们如何打破历史的线性叙事。这包括对歌剧、民间音乐、甚至流行音乐元素的并置与解构。 第十二章：新世纪的边界与融合 进入新千年，音乐的边界进一步模糊。本章讨论了当代作曲家如何处理对“调性”的回归（Neo-Tonalism）、对纯粹电子音色的追求，以及跨文化交流（如对东方音乐体系的吸收）所带来的新挑战。当代音乐不再追求统一的风格宣言，而是呈现出高度个人化、多语境并存的复杂局面。 结语：未完待续的交响 二十世纪的音乐历程，是一场不间断的“提问”之旅：什么是音高？什么是节奏？什么是音乐本身？本书旨在提供一个清晰的框架，帮助读者理解这些突破是如何发生的，以及它们对我们今天听觉体验的深远影响。我们相信，理解了这一百年的剧烈演进，才能更有效地聆听和欣赏我们身处的时代之声。

评分☆☆☆☆☆

从一个有着多年业余音乐学习经历的人的角度来看，《和声基础教程》的结构设计简直是教科书级别的典范。我过去零散地学习过一些和声知识，总觉得各个模块之间像散落的珍珠，难以串联成项链。这本书的伟大之处，在于它构建了一个逻辑严密的知识体系。它从对位法的基本概念出发，平稳过渡到古典和声的“功能体系”，然后巧妙地引入了“延伸和弦”和“离调和声”作为对古典体系的拓展和深化，最后对近现代和声的趋势进行了展望。这种层层递进的构建方式，使得我在学习新知识时，总能将其与已学知识建立联系，避免了知识点的孤立。我尤其欣赏它对“连接”问题的处理。许多教材在讲完终止式后，往往就直接跳到转调，而这本书却花费了大量的篇幅来讨论不同和弦之间连接的平滑性与对比性，甚至讨论了如何通过巧妙的声部进行来“隐藏”不和谐的跳进。这种对细节的执着，正是区分一本优秀教材和平庸之作的关键。它让我明白了，和声的精髓不仅在于和弦本身的构成，更在于和弦与和弦之间那不可分割的、流动的关系。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚开始接触这本书的时候，内心是抱着一丝怀疑的，因为市面上的音乐理论书很多都存在“架子大而内容空洞”的问题。但《和声基础教程》完全打破了我的成见。它的内容深度和广度都令人印象深刻，尤其是在处理一些比较晦涩的和声概念时，作者采用了非常形象化的比喻和图示。比如，书中对“和声功能”的阐述，不再是单纯地罗列功能组，而是将其比作“音乐中的角色扮演”，主和弦是稳定的“主人公”，属和弦是充满“戏剧张力”的“反派”，下属和弦则是“承上启下”的“过渡者”。这种叙事性的解释，让原本抽象的理论变得生动起来，记忆也更加牢固。我曾尝试过其他一些教材，常常在遇到“转调”或者“非功能和声”时就感到力不从心，但这本书对这些高级主题的处理非常细腻，给出了详尽的步骤分析和大量的对比实例。我感觉作者不仅仅是在传授知识，更像是一位经验丰富、循循善诱的导师，耐心地引领我穿越理论的迷雾。读完前三分之一的内容后，我立刻尝试用新学的知识去分析我喜欢的几首巴洛克时期的奏鸣曲，惊喜地发现许多原本困扰我的和声处理，现在都能找到合理的解释了。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我在打开《和声基础教程》之前，对“自学”还抱有一丝不信任感，总觉得和声这种需要大量听辨和反馈的学科，不适合一个人埋头苦读。然而，这本书的排版设计和内容布局彻底颠覆了我的看法。它的字体选择、乐谱的清晰度都达到了专业出版物的标准，长时间阅读也不会感到视觉疲劳。更重要的是，作者在关键知识点后设置了“自测与反思”环节，这些环节的题目设计得非常巧妙，它不只是让你默写和弦名称，而是要求你对一段旋律进行“和声情绪”的分析，或者让你判断两个不同和声走向的优劣，并给出自己的理由。这种开放式但又指向明确的提问方式，极大地促进了我的主动思考。我发现，每完成一个章节的学习，我都会不由自主地拿起我的键盘，把书里所有的例子都弹奏一遍，去验证书上所说的“听觉感受”。这种身体力行的学习过程，远比单纯地阅读文字描述要有效得多。这本书真正做到了将学习的“责任”转移到了读者身上，让人无法敷衍了事。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触音乐多年，但从未系统学习过和声的乐器演奏者，我最看重的是教材的实用性和对演奏的指导意义。《和声基础教程》在这方面做得尤为出色。它没有沉溺于过于纯粹的理论推导，而是紧密围绕如何让音乐“听起来更丰富、更合理”展开。书中穿插了大量针对不同乐器（如钢琴、弦乐四重奏）的和声织体实例，这对我理解不同乐器组合时和声的实际效果帮助巨大。举个例子，书中讲解到如何进行四部和声写作时，它不仅给出了规则，还详细分析了“声部进行”中“平行五度/八度”的禁忌，并解释了这种禁忌在听觉上的不适感来源。当我试着用书里的方法修改自己写的一段旋律的和声伴奏时，那种“茅塞顿开”的感觉非常强烈，原来我过去随心所欲的和弦连接，在遵循这些“限制”之后，听起来竟能达到一种前所未有的和谐与流畅。这本书的价值远超一本理论教科书，它更像是一本提升音乐品味的“内功心法”，让我的演奏和编曲思路都变得更加严谨和具有深度。

评分☆☆☆☆☆

这本《和声基础教程》的出版，对于我这样一名音乐爱好者来说，简直是雪中送炭。我一直对音乐理论有着浓厚的兴趣，但苦于找不到一本既系统又易懂的入门书籍。这本书的出现，彻底改变了我的学习路径。它的编排逻辑非常清晰，从最基础的音程、和弦开始讲起，循序渐进地引导读者进入复杂的和声世界。我特别欣赏作者在讲解每一个概念时，都会配上大量清晰的范例和练习题。这些练习题不仅仅是枯燥的音符堆砌，而是精心设计的，能有效巩固前一章节所学的知识。比如，在学习到终止式的时候，书中不仅解释了各种终止式的原理和听感，还通过几首经典乐曲的片段，让我直观地感受到不同终止式所带来的情感色彩变化。这种理论与实践相结合的教学方式，极大地激发了我的学习热情。我已经把书里的前几章内容反复研读了好几遍，感觉自己的音乐“耳朵”都被打开了，以前听音乐时只是觉得“好听”，现在能隐约听到背后那些精妙的和声进行和色彩变化，那种发现美的感觉真的非常奇妙。对于初学者而言，这本书的价值是无可估量的，它真正做到了“教人以渔”，让我有能力自己去探索和理解音乐的内在结构。

评分☆☆☆☆☆

书本质量可以，学到很多音乐理论

评分☆☆☆☆☆

书本质量可以，学到很多音乐理论

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一般般啦

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不错，学习中。

评分☆☆☆☆☆

买了发现看不太懂，感觉音乐专业的人看比较适合。

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书本质量可以，学到很多音乐理论

评分☆☆☆☆☆

好！

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可以

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行呢