金石之躯寓慈悲 美国佛利尔美术馆藏中国佛教雕塑(研究篇)

金石之躯寓慈悲 美国佛利尔美术馆藏中国佛教雕塑(研究篇) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

常青 著
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出版社: 文物出版社
ISBN:9787501045914
版次:1
商品编码:12066488
包装:精装
开本:16开
出版时间:2016-08-01
用纸:胶版纸
页数:263
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  《金石之躯寓慈悲 美国佛利尔美术馆藏中国佛教雕塑(研究篇)》为《研究篇》,再分六章分别进行“美国的中国佛教艺术收藏与弗利尔美术馆”“弗利尔美术馆藏中国佛教雕塑的时代与地域风格”“弗利尔美术馆藏中国石窟造像的辩别与归位”“几件在研究中国美术史上有特殊意义的佛教雕塑”“弗利尔美术馆藏卢舍那法界佛像研究”“真品还是赝品:中国佛教造像真伪的鉴定方法”等方面的研究。

目录

研究篇
第一章:美国的中国佛教艺术收藏与佛利尔美术馆
第二章:佛利尔美术馆藏中国佛教雕塑的时代与地域风格
第三章:佛利尔藏中国石窟造像的辨别与归位
第四章:几件在中国美术史上有特殊意义的佛教雕塑
第五章:佛利尔美术馆藏卢舍那法界佛像研究
第六章:真品还是赝品:中国佛教造像真伪的鉴定方法
参考文献
术语索引
作者简介
好的,这是一本关于中国佛教雕塑的图书简介,其内容独立于《金石之躯寓慈悲:美国佛利尔美术馆藏中国佛教雕塑(研究篇)》这本书。 --- 书籍简介: 穿越时空的信仰之塑——中国古代佛教造像的演变与精神图景 探索中国佛教艺术的深度脉络与地域特色 本书旨在深入考察自魏晋南北朝至明清时期,中国佛教雕塑艺术在不同历史阶段的演变轨迹、地域风格的独特性,以及其背后所承载的信仰观念与社会文化功能。我们聚焦于佛教造像在“中国化”过程中的艺术转型,力求展现从犍陀罗艺术的遗风到本土化审美趣味的生成,这一复杂而迷人的历程。 第一部分:源流与初探——早期造像的文化交融 本书的开篇部分,我们将回溯佛教艺术传入中国的历史起点。这一阶段的艺术深受外来文化的影响,特别是来自印度、中亚的造像传统。 第一章:丝绸之路上的艺术回响 深入分析早期佛教造像中犍陀罗艺术(Gandhara Art)的母题与技法如何通过丝绸之路东传。重点讨论了早期佛像面相的“希腊化”特征,以及这种外来风格如何与中原的雕刻传统进行初步的碰撞与融合。我们将考察山西云冈石窟早期造像(如昙曜五窟)的特征,分析其在体量、衣纹处理和神态表达上对外来模式的继承与初步的本土化尝试。 第二章:北魏孝文改革与风格的转折 详细探讨北魏迁都洛阳后,佛教造像艺术所经历的决定性转变。孝文帝推行的汉化政策对造像风格产生了深远影响。本章将集中研究龙门石窟早期(特别是古阳洞和莲花洞)的造像艺术。分析“秀骨清像”风格的形成:佛像面容日趋清癯、衣纹趋向飘逸简练的“褒衣博带”式样,这不仅是艺术风格的转变,更是汉文化对佛教形象主动吸收和内化的结果。这种风格如何反映了上层社会对精神超越的追求,以及道家玄学思想对佛教形象的渗透。 第二部分:区域风格的勃发与成熟——多元并存的盛景 进入隋唐时代,佛教艺术进入鼎盛期,各地造像中心因地缘、资源和地方信仰的差异,形成了各具特色的艺术流派。 第三章:中原与北方的坚实力量——龙门与响堂山 隋唐之际,龙门石窟的造像达到了一个新的高峰。本章对比研究北魏晚期与唐初龙门造像的差异,分析唐代造像在人体结构上所展现出的浑厚、饱满和写实主义倾向。我们将详细剖析“吴带当风”的衣纹处理在唐代如何转化为更具质感的褶皱表现。同时,对响堂山石窟(特别是南窟)的造像进行专题研究,探讨其在密教题材和金刚力士形象塑造上的独特贡献,以及其与北方军事贵族阶层之间的潜在联系。 第四章:西南的巴蜀风韵——大足石刻的世俗化叙事 大足石刻作为宋代石刻艺术的集大成者,其意义不仅在于数量庞大,更在于其强烈的世俗化叙事特征。本章将重点分析大足造像中世俗人物(如供养人、判官)的生动刻画,以及佛教故事如何转化为贴近民间生活、具有道德教化意义的“连环画式”造像群。探讨密教题材(如金刚界、胎藏界曼荼罗造像)在四川地区的具体表现形式,以及它如何与本土文化进行深度融合。 第五章:南方的精致与内敛——江南地区的文人趣味 与北方石窟的宏大叙事不同,江南地区的造像多以小型石刻或砖雕为主,体现出文人阶层的审美趣味。本章考察浙江、江苏地区的造像特点,如宋代湖州“永安”款造像的精细打磨和温润气质。分析这些造像如何更注重人物的内心刻画和装饰的细腻化处理,反映了江南地区在经济繁荣背景下对艺术精致性的追求。 第三部分:宗教转型下的艺术重塑——宋元时期的转变 宋代以后,随着禅宗的兴盛和理学思想的影响,佛教造像的审美重心开始发生微妙的变化。 第六章:禅宗美学对造像的影响 探讨禅宗“直指人心,见性成佛”的思想如何体现在造像中。重点分析宋代禅师造像的特点——强调自然的、不经雕琢的朴素感,以及面部表情的内敛与沉静。我们将研究禅宗寺院中流行的“不坏肉身”现象与泥塑、木雕造像的兴起,分析这种材料上的转变如何服务于对“现世觉悟”的强调。 第七章:元代的民族与宗教交汇 元代是多元文化交汇的时期,藏传佛教(萨迦派)的影响力扩大到中原地区。本章将对比分析元代汉传佛教造像与藏传佛教造像(如热贡风格的早期影响)在形制、色彩运用和手印法器上的区别与融合。重点考察在皇室资助下,中原工匠如何学习并模仿藏传佛教的复杂造像仪轨。 结语:不朽的信仰符号 本书最终将总结中国佛教雕塑从模仿到创新,从外来到本土的完整发展历程。这些石、木、土的凝固形象,不仅是精湛的工艺品,更是研究中国宗教史、社会史和审美变迁的无声文献。通过对造像的深入解读,我们得以窥见千百年来,中国人如何通过艺术的形式,来构建、表达并传承他们对解脱与慈悲的终极向往。本书力图为读者提供一个全面、系统且富有洞察力的中国佛教造像艺术研究框架。 ---

用户评价

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我发现这本书最大的价值在于它提供的独特视角,它似乎是将艺术品的“社会背景”和“宗教功能”进行了高度的整合。它不仅仅停留在对佛像的“形”的描述上,更深入探讨了这些造像在特定历史时期是如何服务于社会教化、如何反映世俗审美趣味的。例如,书中对某些世俗化特征明显的造像的分析,就揭示了佛教艺术在本土化过程中所经历的微妙变化。这种“由物及人”、“由艺及史”的论述方法,极大地拓宽了我们对中国古代艺术史的理解边界。它不是一本静止的、仅供观赏的书,而是一部充满活力的历史对话录,引导读者去追问:在那个遥远的时代,人们为何需要这样的神祇形象?这种互动性,使得阅读体验远超一般的艺术鉴赏范畴。

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坦率地说,最初我对这样专业的题材抱有一丝敬畏,担心内容会过于艰涩难懂,但这本书的整体架构非常清晰,逻辑层次分明,这一点值得称赞。它采用了主题式的章节划分,而不是单纯的年代顺序,这使得不同时期、不同地域的造像风格对比分析变得直观而有力。比如,当讨论到某一特定朝代造像的“面相”特征时,作者会将其与其他朝代进行并置比较,这种对比手法极大地增强了读者的记忆点和理解度。它没有陷入空泛的赞美,而是基于扎实的考古发现和文献考证,构建起一个有说服力的论述体系。对于想系统了解中国佛教雕塑艺术脉络的爱好者来说,这本书就像一张精心绘制的路线图,清晰地标明了每一个重要的里程碑和转折点,让人少走很多弯路。

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这本关于中国佛教雕塑的著作,着实让人眼前一亮,它不仅仅是一本图录,更像是一把钥匙,引领读者深入理解那份跨越千年的信仰与艺术交融。作者的学术功底毋庸置疑,书中对佛像造型的演变、材质的选择以及不同历史时期的风格特征,都有着极为细致入微的梳理。比如,对于魏晋时期那种质朴而富有生命力的“褒衣博带”造像,文字的描摹就极其生动,仿佛能透过纸面感受到那种气韵生动。我特别欣赏它在探讨艺术形式背后的宗教哲学时所展现出的那种克制而精准的笔触,没有过度渲染,而是将冰冷的石头转化为有温度的文化载体。阅读的过程中,我不断地被那些古老的面容所吸引,思考着工匠们在雕刻时所寄托的虔诚与对美的追求。它为我们提供了一个绝佳的窗口,去审视中西方文化在丝绸之路上的碰撞与融合,那种跨越地域的审美共通性,在这些凝固的瞬间得到了完美的体现。这本书无疑是艺术史和宗教史研究者不可多得的宝藏。

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翻开这本书的瞬间,我感受到了一种沉静的力量,那种仿佛能穿透时空、直抵人心的宁静。这本书的叙事节奏非常独特,它不急于罗列事实,而是像一位经验丰富的导游,带着你慢慢地在佛像的群像中穿行。不同于许多学术著作的刻板,这里的文字充满了人文关怀,每一个雕塑似乎都有其独立的故事和灵魂。作者对光影、线条在传达情感上的作用分析得极为精妙,比如如何通过一尊菩萨微微侧转的头颅,表现出“大悲悯”的神态,这种对细节的捕捉,极大地提升了阅读的层次感。它不是在告诉你“是什么”,而是在引导你去“感受是什么”。对于非专业人士而言,它降低了理解高深佛教艺术的门槛,让普通读者也能领略到中国古代雕塑艺术的巅峰魅力。读完之后,心中留下的不是知识点的堆砌,而是一种对生命、对美的深刻体悟。

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这本书的装帧和排版设计本身就体现了一种对艺术品的敬重。内页的印刷质量极高,使得那些历经千年沧桑的石雕、木雕和泥塑,在纸面上依然能焕发出接近原作的质感和细节。我尤其赞赏其中对雕塑材料学和修复学的介绍部分,虽然笔墨不长,但信息量巨大,它揭示了艺术品背后隐藏的技术和智慧。例如,书中对于某些彩绘脱落后残存的底灰层分析,就展现了作者严谨的科学态度。这使得我们不仅仅是在欣赏艺术美学,更是在考察一项复杂的历史工艺。它成功地架设了一座桥梁,连接了“美”与“真”,让读者明白,每一次的拂尘和保护,都是对历史的珍视。这样的研究深度,足以让它在同类出版物中脱颖而出,成为案头常备的参考书。

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