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尹吉男 著

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• 艺术启蒙
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• 绘画
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• 益智游戏
• 家庭教育
• 艺术教育

出版社： 山东美术出版社

ISBN：9787533067366

版次：1

商品编码：12335800

包装：平装

开本：16开

出版时间：2018-03-01

用纸：纯质纸

页数：408

字数：270000

编辑推荐

这套丛书借助当代中国和世界有影响力的艺术家、艺术学者的广阔视野和独特视角，以生动活泼的语言，细腻入微的读图方式，深入探讨了他们的艺术人生、他们对于艺术的所思所想、他们关注的热门话题、他们的想象与渴望，以及种种历久弥新的艺术史命题。图书以艺术现象为切入点而分析中国当代艺术的发展脉络和历史经验，辅以艺术家自身经历的一手资料，多角度描写，全方位展示，观点新颖，论述精辟。

内容简介

《今天，我们用什么做艺术？》尹吉男主编，囊括了现今艺术圈一批名家的自述文章。其中包括：徐冰、朝戈、刘庆和、展望、隋建国、苏新平等名家。他们中有不少人除了拥有艺术家的头衔外还是中央美院的教授，他们的自述不仅仅是一个艺术家生平创作的回忆录，还是给广大艺术学生的启示录。

作者简介

尹吉男，著名艺术史学者，当代艺术评论家，中国古代书画鉴定专家。现任中央美术学院人文学院院长，中国美术史教授，中央美术学院学术委员会常务副主任，中央美术学院美术学研究所美术知识学研究中心主任，故宫博物院古书画研究中心特聘研究员，国务院学位委员会艺术学理论评议组专家。尹吉男被誉为“敏感而又冷静的艺评家”，曾出版有《独自叩门》《后娘主义》等当代艺术批评文集，现为国家重大攻关项目国家教材《中国美术史》的首席专家。

内页插图

探寻无限可能的艺术之路：一部关于当代创作媒介与观念的深度剖析 书名：今天，我们用什么做艺术？ 图书简介 在二十一世纪的今天，艺术的边界正以前所未有的速度被拓展与重塑。当我们面对浩瀚的物质世界与飞速迭代的技术前沿时，一个核心的问题浮现出来：究竟是什么，构成了我们进行艺术创作的“材料”与“载体”？《今天，我们用什么做艺术？》并非一本简单的媒介指南，而是一次对当代艺术实践深层逻辑的哲学式追问与田野式考察。 本书旨在带领读者跳脱出对传统绘画、雕塑、摄影等经典媒介的固有认知，深入探索那些在数字时代、全球化语境下崭露头角的、甚至尚未被正式命名的创作工具、材料与观念形态。我们试图描绘一幅全景式的图景：从物质的微观结构到虚拟的无限空间，从身体的感知经验到复杂的数据流，艺术家们正如何利用这些全新的“工具箱”来构建意义、挑战既有结构并与世界对话。 第一部分：被重新定义的“物质”——从自然到合成 传统的艺术材料，如油彩、大理石、粘土，其物质性是确凿无疑的。然而，当代艺术的触角已经延伸至更细微、更晦涩的层面。 1. 1 跨学科的边界模糊：生物学与艺术的融合 本书详细考察了“活的材料”在艺术中的应用。我们不再仅限于对自然形态的描摹，而是直接介入生命过程本身。从利用基因编辑技术（如CRISPR）重组微生物的形态，到构建能够自我生长、衰变甚至与观众互动的生物雕塑，艺术家的角色正从创作者转向“生命的设计师”。我们将探讨“生物艺术”（BioArt）如何挑战了艺术品的永恒性与可控性，以及它对伦理学提出的尖锐问题。例如，那些以培养皿为画布的作品，它们的美学价值是否根植于其生命周期，而非最终的静态呈现？ 1. 2 工业废料与后人类景观 在环境危机日益凸显的背景下，工业废弃物、电子垃圾（e-waste）以及塑料污染已成为我们时代最显著的“环境遗迹”。本书聚焦那些利用这些被社会抛弃的物质进行创作的艺术家。这些作品不仅仅是关于回收再利用的宣言，更是对消费主义驱动的生产链的深刻批判。如何将一堆无法降解的聚合物转化为具有审美力量的语言？艺术家们通过解构、重组甚至熔化这些材料，揭示了资本主义循环中被隐藏的黑暗面。我们分析了材料的“社会记忆”——一块旧电路板携带的不仅仅是电子元件，更有关于全球供应链和劳动力分配的无声叙事。 1. 3 纳米技术与物质的隐形力量 随着科学的进步，材料的尺度已缩小到纳米级别。本书触及了超材料（Metamaterials）在艺术中的萌芽。这些材料的特性不再由其化学成分决定，而是由其结构布局决定。艺术家们正利用这些具有反直觉光学或物理特性的新材料，创造出能够根据观察角度、光线甚至情绪变化而改变外观的动态作品。这使得“观看”本身成为一种参与性的、不稳定的行为。 第二部分：数字本体论——算法、数据与虚拟实在 如果说第一部分关注的是物质的延伸，那么第二部分则完全投身于无形之境：数字领域。在这里，代码即媒介，数据即颜料。 2. 1 编程语言作为创作工具 生成式艺术（Generative Art）的复兴不仅仅是技术上的回归，更是一种观念上的解放。本书深入解析了算法如何从辅助工具演变为核心创作者。艺术家们不再直接“画”或“塑”，而是设计一套规则系统（算法），让系统自行“生长”出艺术作品。我们探讨了“意图性”的边界：当代码作者在设计初始参数后，作品的最终形态由机器的迭代决定时，谁才是真正的作者？这种创作方式迫使我们重新思考创造力的本质——是初始灵感，还是对系统运行的精确控制？ 2. 2 大数据作为情感的景观 信息爆炸的时代，海量的用户行为数据、社交媒体互动、传感器采集到的环境数据，它们以一种全新的、非可视化的方式构成了我们时代的“集体潜意识”。本书收录了利用大规模数据集进行可视化的案例。这些作品将抽象的数字流转化为具有震撼力的视觉或听觉体验。例如，通过分析一座城市过去二十年的交通流量数据，艺术家可以构建出关于时间、速度与停滞的雕塑。这些作品迫使我们面对自身作为数据点的存在，以及数据聚合背后隐藏的权力结构。 2. 3 沉浸式环境与身体的消融 虚拟现实（VR）、增强现实（AR）和混合现实（MR）正在彻底改变我们对“空间”和“在场感”的理解。本书详细分析了这些技术如何被用于构建完全自主的、观众可以“走入”其中的叙事空间。在这些虚拟剧场中，观众的身体不再是固定的观看点，而是沉浸于一个由代码构建的、可以实时互动的世界。这不仅是关于叙事手段的革新，更是关于主体性在数字空间中如何被解构和重组的哲学探讨。艺术不再是“被看的对象”，而是“被体验的场域”。 第三部分：观念的无形载体——时间、声音与关系性 本书的第三部分将焦点转向那些最难以固化、最依赖情境和参与的艺术形式。在这些领域，媒介本身可能就是一种短暂的、关系性的结构。 3. 1 时间的雕刻：非线性叙事与慢艺术 在追求效率和即时反馈的文化中，艺术家们开始专注于“慢”与“持续”。本书考察了那些以极慢的速度展开的艺术项目，例如需要数十年才能完成的装置，或者那些将时间作为唯一材料的作品。这些作品挑战了艺术市场的“收藏”模式，因为它们的美学价值恰恰在于其过程的不可逆转性与暂存性。时间不再是背景，而是主体结构。 3. 3 关系性艺术的深化：社区、区块链与去中心化创作 从九十年代的关系美学（Relational Aesthetics）发展至今，当代艺术更加强调艺术行为本身在社会结构中引发的涟漪效应。本书着重分析了如何利用去中心化技术（如区块链）来构建新的艺术所有权、协作模式和价值体系。当艺术创作依赖于分布式网络的共同参与、当作品的“确权”不再依赖中心机构时，这种新的“协作协议”本身就成为了作品的媒介。艺术家在这里成为了“组织者”或“架构师”，他们的核心工作是设计出能够激发真实人类连接与合作的框架。 结论：面向未来的艺术“潜能” 《今天，我们用什么做艺术？》总结道，在当代，创作的“材料”已经超越了任何固定的清单。真正的艺术媒介是“潜能”本身——是科学的边缘、数据的洪流、被遗弃的废墟，以及人类之间尚未被探索的关系模式。艺术家们不再满足于使用现成的工具，他们正在积极地设计、编程、培育和协商新的存在方式，以此来质疑我们所处的现实，并预演未来的可能性。这本书邀请每一位读者，带着全新的感知工具，去探索那些尚未被命名、等待被使用的广阔疆域。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说更像是一场紧张的头脑风暴。它所展现的观点，锋利得让人有点招架不住，但那种挑战权威的姿态，正是我所期待的。书中那些关于“边界消融”的论述，尤其击中了我——传统上艺术、设计、科学、甚至日常生活的界限，在这本书所描绘的图景中，已经彻底塌陷了。作者毫不避讳地指出，在信息过载的时代，创作的难点已经不是如何“创造”一个全新的东西，而是如何有效地“过滤”和“重组”那些堆积如山的既有信息。我印象最深的是其中关于“参与性”和“去中心化”的讨论，它让我意识到，我们不再仅仅是艺术的观众，我们自己，我们的每一次点击、每一次停留，甚至每一次抱怨，都在不知不觉中参与了艺术的生成过程。这种将“体验”本身提升到与“作品”同等地位的观念，极大地颠覆了我过去对艺术品的理解。这本书的行文非常克制，没有过多的煽情，完全依靠逻辑和洞察力来推动，这使得它的论点更有力量，也更具持久的思考价值。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读体验是有些“挑衅性”的。它不迎合大众口味，甚至可以说是故意在打碎读者的舒适区。但正是这种不适感，才让它显得如此珍贵。它像是一面精心打磨过的棱镜，将我们习以为常的文化景观折射出无数我们未曾察觉的复杂层面。作者对于材料的探讨，超越了传统的物质范畴，延伸到了“时间碎片”、“情感连接”乃至“集体记忆”这些更抽象的领域。我特别喜欢作者那种不带批判色彩，但又充满深刻洞察的观察角度，他似乎只是在记录一个正在发生的、不可逆转的文化迁徙。这本书不是用来快速消费的，它需要反复咀嚼，每一次重读，都会因为我自身经历和认知的变化，而解锁出新的层次。它成功地将一个宏大的、几乎无法界定的议题——当代艺术的本质——切分成了无数个可以被有效讨论的切面。如果你对当代文化思潮抱有真诚的好奇心，这本书绝对值得你投入时间去细细品味。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的结构编排简直像是一场精心设计的迷宫，让人既迷失又沉醉。它绝不是那种按时间线或者流派分类的传统艺术史著作。相反，它更像是一系列破碎的、但又彼此呼应的碎片收集。作者的叙事节奏时而急速如电光火石，突然跳跃到某个偏远的数字实验室；时而又放慢到如同慢镜头下观察一滴颜料在宣纸上晕染开来的过程。这种跳跃性，恰恰反映了当代艺术创作的无定形状态。我尤其欣赏作者在描述某个具体案例时，那种近乎人类学家的细致入微，他描述了艺术家如何与材料进行“对话”——那种摩擦、抵抗、甚至是妥协的过程，远比最终展示出来的成品要引人入胜。读到关于“非物质性媒介”的那几章时，我的思维被彻底激活了，我开始思考，那些我们无法触碰、无法储存，只能在瞬间体验到的东西，比如算法的生成、比如一段即时的网络互动，它们是否比雕塑更具有“此时此刻”的真实性？这本书没有提供一个简单的结论，而是提供了一套工具箱，让你自己去挖掘和拆解。它对于理解当代语境下的“媒介焦虑”有着极高的价值，读完之后，我会忍不住重新审视我手机里那些被忽略的通知和图标。

评分☆☆☆☆☆

这本《今天，我们用什么做艺术？》的书名，本身就带着一种强烈的、直击人心的叩问感，仿佛是作者在面对一堵不断变化的文化之墙时，不得不停下来，深吸一口气，然后发出的那个最根本的疑问。我是在一个略显疲惫的午后，偶然翻到这本书的，原本没抱太大期望，毕竟“艺术”这个词已经被太多人过度解读和滥用了。然而，一翻开，我就被那种略带疏离感却又异常敏锐的笔触所吸引。作者似乎并不想给出一个标准答案，而是更像一个经验丰富的策展人，带领我们穿梭于各种截然不同的创作现场。他没有大谈特谈什么“大师的遗产”或是“学院派的规训”，而是将焦点聚焦在那些“当下”正在发生的事情上——比如那些被我们习以为常的日常物件如何被重新语境化，那些消失在赛博空间中的数据流如何被捕捉并转化为可感的形态。读着读着，我甚至觉得自己手中的咖啡杯、窗外快速驶过的车辆，都带上了一种新的、审视的意味。这本书的厉害之处在于，它没有试图定义“什么”是艺术，而是巧妙地引导你去思考“为什么”我们此刻需要用这种方式来表达，这比单纯罗列案例要深刻得多，它迫使我们每个人都得重新审视自己的感官和认知边界。那种智识上的碰撞和愉悦感，是近期阅读体验中少有的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，有一种冰冷的美感，像极了北欧的极简主义设计，每一个词汇都像是经过精确计算才放置在那里，没有一丝多余的赘肉。它更像是一份高度浓缩的宣言，而不是一本教科书。作者在探讨新媒介时，那种对技术伦理和审美趣味的深入剖析，让人感到既兴奋又略带警惕。他并没有将技术浪漫化，而是清醒地揭示了技术背后的权力结构和潜在的审美陷阱。比如，当“算法”成为一种新的画笔时，我们如何去评判它的“好坏”？这不再是关于构图或色彩的讨论，而是关于“意图”和“偏见”的深度挖掘。读到这些部分，我感觉自己好像被拉入了一个高智商的辩论现场，作者犀利的观点不断抛出，迫使我不断地自我反驳和修正。这本书的价值在于，它提供了一个极佳的参照框架，来审视那些层出不穷的、试图用“未来感”来包装自己的当代实践。它教会我们如何剥开那些华丽的辞藻，直抵创作核心的那个最原始的驱动力——“为什么是现在？”。