产品特色
编辑推荐
本系列丛书由英国知名钢琴教育家、作曲家帕姆·韦奇伍德教授创作完成,初版于1997年,畅销多年。书中收录的曲目难度层层递进,兼备趣味性和技巧性,并包含摇滚、爵士、流行音乐等不同风格,打破了仅为严肃音乐风格作品的局限,为钢琴教学注入了清新的气息。
所有曲目均配有示范演奏,钢琴教育家但昭义为每首曲目都做了详备的教学指导、技术训练和音乐素养讲解,将其教学理念和心得融汇其中。在示范音频和教学指导的帮助下,这套书既便于教师做钢琴教学研究,又便于学生在课外自学练习。
内容简介
钢琴进阶类曲集。英国帕姆·韦奇伍德教授创作,不仅在英国本土受到良好的评价,而且在美国也有一定的销售量。其初版于1997年,后被多次印刷。虽是曲目合集,但具备不同难度层次的进阶,可以作为教材之外的补充弹奏曲集,兼备趣味性和技巧性。原书作者是英国知名钢琴教育家,自幼接受良好的音乐素养培训,其创作的曲目简易好听,风格多样,又不乏技术训练。这套曲集中包含有大量不同风格的摇滚、爵士、流行音乐作品,尤为注重对节奏的训练。在引进过程中我们录制了所有曲目的示范演奏,并邀请了国内钢琴教育界的“金牌教练”但昭义老师做了编订工作。除了教学、训练、音乐三个板块的提示,但老师的编注也将其教学理念和心得融汇其中,因此这对于那些对基础钢琴教学法感兴趣的老师来说,也是一套不错的研究教材。这套书既便于教师指导研究,又便于家长和学生在课外自学练习。
作者简介
帕姆 韦奇伍德(Pam Wedgwood),英国著名音乐教育家、作曲家。自幼学习竖笛、钢琴、圆号、大提琴等乐器,参加过皇家芭蕾巡演乐团、皇家歌剧院、BBC音乐会乐团等的演出,20世纪70年代末开始从事音乐教学工作,为多种乐器创作了大量作品。
但昭义,中国著名钢琴教育家,任教于深圳艺术学校,同时获聘四川音乐学院钢琴艺术研究院院长。他培养了许多出色的钢琴演奏人才,学生李云迪、陈萨、张昊辰等相继在国际、国内多项知名钢琴比赛中获奖。其注重钢琴演奏与教学理论研究相结合,拥有丰富的乐谱编定经验。
内页插图
目录
编订者序
1.半分钟圆舞曲 1
2.“野人”比尔·希卡嗝 2
3.突发事件 4
4.地下墓穴 6
5.甜美的玛丽安 8
6.不四方的舞 10
7.一局又一盘,比赛终得胜! 11
8.罂粟花 13
9.巴洛克前奏曲 14
10.蓝鞋先生·16
11.二声部·17
12.人声鼎沸 19
13.老马奈德 20
14.我知道我想要什么 22
前言/序言
在这里,我热情地向中国的钢琴教师和广大琴童、音乐爱好者推荐这套大家不太熟悉,甚至可能不太习惯的钢琴曲集——《钢琴级级高》。
风行全球的钢琴考级活动,促使一大批孩子学习钢琴,这对于提高全民族的音乐素养来说是一件好事。但当前仍有部分琴童家长及教师,将钢琴的学习视为一种功利化的时尚,以级别高低作为钢琴弹奏好坏的单一标准,忽略了钢琴弹奏本身可以带给孩子们的丰富的音乐养分。有些变了味的考级使钢琴艺术失掉了原有的魅力,令人欣慰的是,后浪出版公司引进出版的帕姆·韦奇伍德(Pam Wedgwood)创作的《钢琴级级高》(Up-Grade),给我们带来了一套有如春风般清新的钢琴乐曲集。作曲家丰富多样的趣味小品——包括爵士、摇滚、民歌和流行音乐等,将给我们的钢琴教学带来新的活力和感受。
音乐家、音乐教育家、作曲家韦奇伍德教授有着独特而丰富的音乐学习经历。她早年学习过竖笛、圆号、次中音号、次中音大号、大提琴和钢琴,进入音乐学院后,她又专攻作曲,所有这些都极大地丰富了她对音乐的理解和掌握。从伦敦圣三一音乐学院(Trinity College of Music)a毕业后,她曾以圆号演奏为业,参与过英国皇家芭蕾巡演乐团、英国皇家歌剧院、BBC音乐会管弦乐团的演出。20世纪 70年代末,她作为自由职业器乐教师开始为学生创作(教材类)作品。帕姆的音乐学历、乐器演出经历、钢琴教学经历和多种器乐的创作经历——这些宝贵的实践和经验让她充分地了解了音乐教育的真谛。她不去迎合音乐考级时尚,而是专门为各个年龄段的孩子们创作让他们感觉新鲜有趣、生动好听的新乐曲。她希望孩子们不“总是(弹)那些令人厌烦的考级曲”认为他们“需要放松一下”。她说:“不论您是在为填补两个级别之间的距离而寻找具有促进作用的材料,还是只是想放松一下,我都希望你们能喜欢这套《钢琴级级高》!”
为了让中国广大教师和琴童更为迅速地了解和有效使用这套风格曲集,在引进出版过程中,我受邀对这套书中的曲目进行了编注。这样一方面可以让钢琴教师将这套曲集更有效地融合在日常教学中,另一方面也为琴童及其家长提供了一定的指导。根据曲目的不同特点,我对其进行了技术、音乐以及教学层面的分析,并将我个人的钢琴教学理念贯穿其中,给广大师生提供一个学习参考,以期为这套书的出版贡献个人微薄之力。技巧、音乐性、教学,理应是整个钢琴学习过程中值得关注的三个方面,需要说明的是,并非每首曲子都有相应的技巧音乐教学指导,有些曲目只需多加练习,体会其中的意味即可。无论如何,在我看来钢琴练习最重要的宗旨是:在音乐与技术的学习中享受弹琴的过程!
翻开这套题材广泛、变化丰富、风格迥异、充满童趣的钢琴曲谱,你会发现其独特的品位和特点。它不是考级曲,也不是钢琴启蒙入门基础教学用的系统教程;它有它的逻辑性,也有它属于钢琴技巧的、节奏的、音乐的训练意图;它有一到八册的进阶,但难度的提升并不在“字(谱)”面上,而在音乐意趣、风格及其内涵或节奏运用的丰富变化之中。对于中国钢琴基础教学中较为薄弱的节奏训练,这套教材也在趣味的音乐中给予了很好的练习。韦奇伍德教授编写本套教材,就是要让你玩,让你放松,让你获得提升的同时更加喜爱音乐。一句话,就是我们常常说的“寓教于乐”!弹完这套书,你会发现自己对钢琴的情感和对音乐的喜爱都发生了变化!
钢琴进阶之旅:通往精湛技艺的桥梁 一部专注于提升中级钢琴学习者演奏技巧与音乐理解力的深度教程 本书并非市面上常见的入门教材,亦非专注于特定考级体系的辅助读物。它是一部精心打磨的、面向已具备基础钢琴演奏能力,渴望在技术层面和音乐表达上实现“升级”的演奏者所设计的进阶指南。我们的核心理念是:真正的进步来自于对现有技巧的优化重塑,以及对音乐语汇的深度挖掘。 第一部分:技术基石的再审视与深化(The Refinement of Foundation) 许多学习者在达到一定水平后,会遭遇技术瓶颈——指尖的独立性、音色的控制、以及复杂节奏的精确性,似乎停滞不前。本书的开篇部分,便着眼于对这些基础技术进行一次彻底的“升级”与精炼。 1. 触键的科学与艺术:从“按下”到“塑造” 我们不再满足于“弹响”琴键,而是深入探讨触键深度、力度扩散轨迹与音色颗粒度之间的微妙关系。 重量转移的精确性: 详细分析了从手臂重量到手指末端的能量传递路径。通过一系列针对性的练习,学员将学会如何像使用雕刻刀一样,精确控制每一个音符的起音(Attack)与持续(Sustain),而非仅仅依靠指力。 “沉下去”与“浮上来”的辩证统一: 针对复调织体(如巴赫赋格或巴洛克奏鸣曲)中对位声部的独立性要求,我们设计了专门的“声部分离练习”。这要求学习者在保持整体连贯性的同时,能让某一个声部瞬间“浮现”出来,清晰可辨,这对于培养多声部听觉至关重要。 非均匀音型的高效处理: 很多古典或浪漫主义作品中充斥着快速的、指法不规则的音型(如跨越换指、连续三度或六度)。本书提供了一套结合人体工学原理的练习方法,旨在通过放松和惯性来“跑过”这些难点,而非生硬地“挤”出来。 2. 节奏的维度:从“准确”到“律动”(Rhythm and Groove) 节奏感不仅仅是准确地踩在节拍器上。本书强调如何为节奏注入生命力,实现不同风格下的律动感。 微观时间的控制: 针对浪漫主义作品中常见的微妙“弹性速度”(Rubato)技巧,我们探讨了如何做到“有分寸的”延迟与提前。这并非随意的拖沓,而是基于乐句呼吸的结构性处理。通过对比不同历史时期的演奏范例,学员将学会如何平衡“速度的流动”与“内在的稳定结构”。 复杂复节奏的视觉化: 针对三对四、四对三等交叉节奏的听觉识别与演奏准确性,我们引入了图形化和身体感知的辅助方法,帮助学习者将抽象的数字转化为可被肌肉记忆的运动模式。 第二部分:曲目风格的跨越与理解(Stylistic Horizons) 技术是手段,音乐理解是目的。本书的第二部分着重于拓宽学习者的风格视野,从巴洛克到近现代,每种风格都有其独特的演奏逻辑和审美标准。 1. 巴洛克时代的清晰性与逻辑(Clarity and Logic) 印中(Ornamentation)的再定义: 深入分析了颤音、回音、碎音等装饰音在不同作曲家(如巴赫、斯卡拉蒂)作品中的作用与演奏规范。重点教授如何使其听起来自然流畅,而非僵硬地“完成任务”。 力度与织体的关系: 巴洛克音乐的力度变化往往是结构性的,而非情感爆发式的。我们解析了如何通过声部强弱对比来体现乐思的逻辑推进,而非仅仅依靠踏板和指尖力度。 2. 古典主义的平衡与形态(Balance and Form) 奏鸣曲式的结构呼吸: 引导学习者在演奏海顿、莫扎特的奏鸣曲时,不仅要关注华丽的技巧,更要理解呈示部、展开部和再现部的结构划分。重点在于如何通过速度、清晰度和动态的细微变化来“描绘”曲式结构。 清晰的线条感: 如何在快速的跑动中依然保持旋律线的清晰可见,避免“一团和气”的音响效果。 3. 浪漫主义的色彩与情感张力(Color and Emotional Tension) 踏板的“画笔”: 详细讲解浪漫主义时期(如肖邦、舒曼)复杂踏板使用的艺术。如何利用踏板的混合、延长来创造色彩和氛围,同时避免音响的浑浊。这部分包含大量的对位听力训练,确保踏板的使用是“有意识的色彩渲染”,而非“无差别的延长”。 歌唱性的极致追求: 如何将钢琴的“歌唱性”(Cantabile)提升到接近美声演唱的水平。这涉及对手指揉弦的想象力训练,以及对长乐句中呼吸点的把握。 第三部分:音乐的深度解读与表现力拓展(Interpretation and Expression) 此阶段的提升,关键在于学习者如何将技术内化为表达自我的工具。 1. 乐句的解构与重组 本书提供了一套系统的方法来分析复杂的乐句,不仅仅是看谱面上的表情记号,而是追溯到作曲家的创作背景、当时的音乐审美,乃至钢琴制造技术的限制。 “为什么是这个速度?”: 引导学员对曲谱上的速度标记进行批判性思考,理解速度标记背后的结构支撑点。 动态弧线的构建: 学习如何绘制一条具有说服力的动态弧线(Crescendo/Diminuendo),确保力度变化是渐进且有目的性的,而不是随意的强弱交替。 2. 听觉的重塑:从演奏者到听众 这是最关键的一步。我们要求学习者跳出“我正在弹奏”的自我中心模式,转而以一个专业听众的角度来审视自己的演奏。 自我录音的系统分析: 提供了一套详细的清单,指导学习者如何客观地分析自己的录音,重点识别技术盲点与音乐表达上的不一致之处。 与他人作品的对话: 鼓励学习者广泛聆听不同大师对同一部作品的演绎,辨析其中的差异,从而形成自己独特而成熟的演奏观点。 总结: 本书是为那些已经掌握了钢琴的“字母表”的学习者准备的“文学课”。它不提供简单的指法图示,而是要求学习者运用现有的技术,去面对更复杂的音乐世界。通过对触键的精细化控制、对风格的深刻理解、以及对音乐结构的透彻把握,本书旨在将演奏者的技艺与音乐思想提升到一个全新的、更具专业深度的层次。它是一张通往更成熟、更有洞察力的钢琴家之路的通行证。