人體藝用速寫 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

高桑真惠 著

图书标签:

• 速写
• 人体
• 绘画
• 艺术
• 人体结构
• 绘画技法
• 素描
• 人体艺术
• 绘画教学
• 艺术参考

出版社： 楓書坊

ISBN：9789865775520

商品编码：16070735

出版时间：2014-04-07

内容简介

將美術解剖學活用素描、動畫與漫畫的入門教科書

【增進速寫技巧的七大重點】
·Point 1 作畫前先仔細想像人物線條
·Point 2 觀察並熟記人體構造
·Point 3 觀察人體構造，並熟悉其原理
·Point 4 畫出豐富多變的線條
·Point 5 提升審美觀、發展性（避免墨守成規）、創造性與自信
·Point 6 所有線條都具有其意義（內涵）
·Point 7 熟記人體結構

所謂的「速寫」，是一種能在短時間內迅速畫出多張草圖的繪畫技法，透過觀察模特兒的動作，不強調輪廓交界線、而改以更有機的肌肉線條，畫出最有立體感的人體素描作品。

本書作者具有二十多年豐富的學經歷，以及教授過無數動漫畫科班學生的經驗，尤其擅長在短期內培育學生成為獨當一面的動畫師或相關工作者，並協助學生成功進入相關產業。因此，您可一步步循序漸進，從最基本的觀察模特兒開始，學習人體構造與原理、解剖學概論、人體的重心、角色的立體感，以及構圖方式、速寫線條的變化等階段，直到繪製出栩栩如生的人物為止，都可依照本書精闢且獨到的見解進行練習。
　
書中附上大量正確與錯誤的範例作品，讓您在學習時也能檢討自己的作品，達到事半功倍的效果。只要是以成為動畫師、插畫家或漫畫家為目標，無論是毫無繪畫經驗的初學者，或是已經學畫多年、卻找不到理想的學習典範提升畫技的進階者，都可藉由本書掌握正確畫法與觀念，在短期內快速提升自己的畫功！

《雕塑时光的轮廓：西方古典雕塑的审美密码与技法解析》 图书简介 一、 绪论：凝固的瞬间与永恒的对话 本书旨在带领读者深入探寻西方古典雕塑艺术的宏伟殿堂。雕塑，作为人类文明早期最直接、最物质化的艺术表达形式，不仅是历史的见证，更是对人体、自然乃至神祇的终极想象与重塑。不同于平面艺术的局限，雕塑以其三维的实体性，要求观者进行全方位的感知与理解。本书将从材料的演变、风格的流变以及哲学思想的渗透三个维度，构建起一个理解西方古典雕塑的系统框架。我们将探讨古希腊“理想人”的完美比例如何被赋予生命，罗马帝国如何利用雕塑进行政治宣传与历史叙事，以及文艺复兴时期艺术家如何重新发现并超越古典的辉煌。理解古典雕塑，就是理解西方审美精神的基石是如何被奠定的。 二、 物质的诗篇：从石材到青铜的物质性与表现力 雕塑的艺术性首先体现在其所选用的材料上。材料不仅决定了作品的耐久性与触感，更深刻地影响了艺术家对形态的处理方式和最终呈现的情感基调。 1. 石材的庄严与生命的张力： 大理石无疑是古典雕塑的代名词。本书将详细解析不同产地大理石的物理特性（如卡拉拉大理石的细腻、帕罗斯大理石的半透明质感）。我们将重点研究古希腊雕塑家如何通过精湛的打磨技术，使冰冷的石头呈现出肌肤般的温润感——这种“化坚石为柔肤”的技艺，是古典雕塑的标志性成就。例如，菲狄亚斯和普拉克西特列斯在处理衣褶的轻薄感与肌肉的坚实感时，所采用的穿凿与磨光的精微差别。 2. 青铜的动态与铸造的奇迹： 青铜作为一种更具延展性和可塑性的材料，使得展现复杂动态和瞬间爆发力的作品成为可能。我们将深入探讨失蜡法（Cire Perdue）的复杂工艺流程，从最初的蜡模制作到最终的浇铸与后期修饰。重点分析米隆的《掷铁饼者》和波留克列特斯的《荷盾的持矛者》等作品，它们如何通过青铜的特性，成功捕捉了运动的“暂停”时刻，展现了古典时期对运动力学与人体美学的深刻理解。 3. 其他辅助材料的运用： 还会触及象牙、黄金、陶土（如早期陶塑与后来的赤陶）在不同时期和不同功能雕塑中的应用，分析这些材料如何服务于特定的宗教仪式或世俗装饰需求。 三、 风格的演进：从古风到希腊化时期的美学转型 西方古典雕塑并非一成不变的审美范式，而是一个充满活力和变革的历程。本书将依循时间脉络，剖析其关键的风格转型。 1. 古风时期（Archaic Period）：僵硬的序曲： 这一时期的作品（如“库罗斯”与“科瑞”立像）带有明显的埃及与近东艺术影响，特点是身体正面性、程式化的微笑（“Archaic Smile”）以及对解剖结构的简化处理。我们将分析这种相对僵硬的造型如何为后来的自然主义探索奠定基础。 2. 古典盛期（Classical Period）：理想主义的巅峰： 这是西方雕塑艺术的黄金时代。重点解析“理想化”的核心概念——即艺术家并非简单模仿自然，而是通过对众多优秀个体的观察，提炼出超越个体缺陷的“完美人”形象。我们将深入研读“对立平衡”（Contrapposto）的原理，分析其如何打破了古风的呆板，赋予人物以内在的生命力和动态的平衡感。对波留克列特斯“规范”（Canon）的探讨将是本章的核心。 3. 希腊化时期（Hellenistic Period）：情感的爆发与戏剧性： 随着亚历山大帝的东征，希腊艺术的影响力扩散至更广阔的地域，雕塑风格也随之转向了强烈的个人情感表达和叙事性。本书将聚焦于对痛苦、狂喜、衰老等非理想化主题的探索，分析如《萨莫色雷斯的胜利女神》和《拉奥孔群像》等作品中，如何运用扭曲的躯体、剧烈的动态和精细的面部表情，营造出前所未有的戏剧张力。 四、 人体叙事：神话、英雄与肖像的建构 雕塑的题材选择，是解读一个时代文化心理的窗口。古典雕塑主要围绕神祇、英雄叙事和政治肖像展开。 1. 神性的拟人化： 希腊神祇的创作，是将抽象的神性概念转化为可感的、具有完美肉体的人形。我们将分析宙斯、雅典娜、阿佛洛狄忒等形象的典型特征及其演变，探讨艺术家是如何在“神圣感”与“人性化”之间找到微妙的平衡点。 2. 英雄史诗的视觉化： 雕塑是记录重要战役、庆典和神话故事的主要媒介。例如，帕特农神庙的雕饰群如何通过复杂的叙事布局，讲述雅典的建城神话与波斯战争的胜利。 3. 罗马肖像学的政治功能： 罗马雕塑继承了希腊的技艺，但在功能上更加务实和政治化。重点解析“真实主义”（Verism）在共和国晚期肖像中的应用，它如何通过夸张的皱纹和面部特征，强调统治者的经验、威严与德行（Virtus）。而帝国时期的“奥古斯都式”肖像如何服务于集权美化，构建永恒的统治形象。 五、 从古典到文艺复兴：断裂与重生的桥梁 本书的后半部分，将目光投向中世纪的沉寂之后，文艺复兴的雕塑家们如何“复兴”古典传统。 1. 中世纪的视觉转换： 简要概述中世纪基督教艺术对人体和世俗主题的压抑，以及对雕塑形式的简化，为理解文艺复兴的“回归”提供参照。 2. 文艺复兴的“再发现”： 重点分析多那太罗、米开朗基罗等巨匠如何重新学习和掌握了古典的解剖学知识和形式语言。例如，米开朗基罗如何通过其未完成作品（如《垂死的奴隶》）展现出古典形式中蕴含的挣扎与内在动力，并将古典的理想主义与基督教的信仰精神熔铸一炉。 结语：永恒的造型语言 本书的最终目的，是让读者不仅能“看懂”这些古老的石头和金属，更能理解它们所承载的关于人类理想、身体美学和永恒精神的思考。古典雕塑的造型语言，是穿越时空至今依然活跃在艺术创作中的底层逻辑。 --- （注：本书内容专注于西方古典雕塑的艺术史、材料技法、风格演变及哲学内涵，不涉及人体写生、素描技巧、解剖结构图示或速写方法等“人体艺用速写”相关主题。）

评分☆☆☆☆☆

我是一个业余的插画爱好者，最大的困扰就是“下笔犹豫”，总担心画错，结果就是草稿画了一堆，却始终无法完成一幅满意的作品。我之前尝试过很多速写入门教材，它们大多侧重于步骤分解，比如“先画圆，再加方块，最后连接线条”，虽然逻辑清晰，但画出来的人物总是千篇一律，缺乏个性和生气。《人体艺术速写》给我的感觉完全不同，它更像是一本“解放双手”的指南。作者在书中反复强调“动态优先于静态”，鼓励读者首先抓住动作的核心线，而不是纠结于每一个细节的精确性。我尝试着模仿书中的“线稿练习”，它们看起来快速、粗犷，但那种一气呵成的张力，让我感到一种前所未有的创作自由。这本书教会了我如何快速“放弃”那些不必要的细节，把精力集中在最能表达人物精气神的部分。我开始敢于下重笔，敢于让线条“出错”，因为我知道，真正的美感往往诞生在那些看似“失控”的笔触之中。这本书极大地增强了我的绘画自信心，让我真正体会到了“速写”的精髓——那就是在转瞬即逝的灵感中，留下永恒的印记。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《人体艺术速写》的瞬间，我的心跳都漏了一拍，那种触感和纸张的厚度，让我立刻感觉自己抓住了某种艺术的精髓。我一直对人体结构充满好奇，也尝试过临摹，但总感觉少了那么一点“灵气”，线条僵硬，肌肉走向模糊不清。这本书的封面设计就非常大胆，那种写意和写实的完美融合，预示着这本书绝不是那种枯燥的解剖学教科书。我迫不及待地翻开内页，首先映入眼帘的是那些充满力量感和生命力的线条。作者的笔触极其自由奔放，却又在精准的比例中找到了平衡。他似乎能看透骨骼的支撑，肌肉的起伏，并将这些复杂的结构，用最简洁、最富有表现力的线条勾勒出来。我特别喜欢其中关于动态捕捉的章节，那些快速的速写，抓住了人体在运动中最精彩的瞬间，比如奔跑时的肌肉拉伸，或是跳跃时的身体张力，那种“动”被凝固在纸上的感觉，太震撼了。这本书的价值远不止于技法指导，它更像是一本艺术家的心路历程记录，让我深刻理解到，真正的“速写”并非随便涂鸦，而是对对象深入观察和快速提炼的智慧体现。我感觉我的艺术视野一下子被拓宽了，不再仅仅关注“画得像”，而是开始追求“画得出神”。

评分☆☆☆☆☆

我是一个资深的素描爱好者，对学院派的训练体系非常熟悉，所以刚接触《人体艺术速写》时，内心其实是带着一丝审视态度的，毕竟市面上很多速写书都流于表面，只是堆砌了大量人体图库而已。然而，这本书迅速打消了我的疑虑。它巧妙地将古典的人体美学与现代的审美视角结合了起来。我尤其欣赏作者对“情绪”和“氛围”的捕捉，他画的不仅仅是“人”，更是“状态”。比如，书中有一组关于老年人身体的速写，那些松弛的皮肤、微微弯曲的脊柱，没有丝毫的怜悯或刻意美化，而是充满了对生命历程的尊重和深刻的洞察力。这让我意识到，人体速写不应只关注年轻健美的体态，更应该捕捉生命各个阶段的纹理和故事。这本书的深度在于，它教你如何通过肢体语言来叙事。当你学会了如何用几根有力的线条暗示出人物的疲惫、骄傲或迷茫时，你的速写才算真正活了过来。它提供的不仅仅是技术支持，更是一种看待世界的哲学态度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我这人对手绘的热情总是三分钟热度，很多艺术书籍买回来，翻了几页就束之高阁，积满了灰尘。但《人体艺术速写》这本书，却像是有某种魔力，让我愿意一页一页地啃下去。它最吸引我的地方在于，它没有采用那种“教你画什么”的填鸭式教育，而是更偏向于“启发你如何看”。比如，书中有一部分专门讲解了光影在人体结构上的表现，作者没有罗列一堆光影规则，而是通过大量的对比实例，展示了不同角度的光源如何塑造出人体的体积感和情感表达。我尝试着跟着书里的提示，用最简单的几何体来理解复杂的人体结构，比如把躯干想象成一个桶，四肢想象成圆柱，这种“化繁为简”的方法论，一下子打通了我对透视和形体的认知障碍。这本书的排版也极为考究，留白恰到好处，让读者的眼睛得以休息，也让那些精美的线稿得以充分展示。读完后，我最大的感受是，艺术创作的本质是发现美、理解结构，然后用自己的语言去重新诠释，而不是简单地复制粘贴。这本书，就是一本教你如何构建自己艺术语言的“引路灯”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名设计专业的学生，我平时对人体结构的需求更多是功能性和应用性的，比如服装设计中的人体结构支撑，或者产品设计中与人体的交互界面。我对纯粹的美术性速写一直兴趣平平，觉得太“虚”了。《人体艺术速写》却意外地满足了我的这种“实用主义”需求。书中有一部分内容，着重讲解了人体在不同坐姿和支撑状态下的重心转移和受力点分析。这对我来说简直是宝藏！作者没有停留于表面结构，而是深入到了力学层面去解析人体是如何保持平衡的。通过阅读这些章节，我发现自己对画面的“稳定感”有了全新的认识。以前画人物感觉头重脚轻，现在我能从骨骼和关节的相互作用中找到那个“着力点”。这本书的严谨性体现在它对解剖学基础的尊重，但其表达方式又是如此灵活，完全可以脱离死记硬背的肌肉名称，直接转化为视觉语言。它提供了一种高效的学习路径，让你能快速将理论知识转化为实际创作中的有效元素，非常适合需要快速理解和应用人体结构的专业人士。