正版 外国音乐表演用语词典(第二版)第2版 人民音乐出版社 音乐术语词典音乐表情术语字典 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 人民音乐出版社
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店铺： 文书坊

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103005795

商品编码：21680256742

音乐学习的另一片天地：经典西方音乐理论与实践入门指南 探索音乐世界的广阔疆域，从理解其核心结构与历史脉络开始。本书旨在为所有对西方音乐抱有浓厚兴趣的学习者、演奏者和鉴赏者提供一套全面、深入且易于理解的基础理论框架与实践指导。我们深知，语言和术语的掌握固然重要，但理解音乐的内在逻辑、历史演变及其在不同文化背景下的表现形式，才是通往真正音乐理解的基石。 本书并非一部术语汇编，而是一部着眼于宏观架构、微观分析与历史语境的综合性教材。它侧重于构建学习者对西方音乐体系的整体认知，帮助读者跨越初级阶段的障碍，建立起坚实的理论基础。 --- 第一部分：西方音乐的基石——音高、节奏与和声的结构解析 本部分深入探讨构成一切西方音乐的基本元素，力求用清晰的逻辑和丰富的实例来阐释抽象的概念。 第一章：音高的组织与调性系统 我们首先将从音高的物理属性出发，追溯到人耳如何感知和组织这些声音。 音高的感知与历史演变： 探讨毕达哥拉斯音律到十二平均律的漫长演进过程，解释不同音律体系对音乐色彩的影响。 五线谱系统的构建： 详细讲解五线谱、谱号（高音谱号、低音谱号、中音谱号的实际运用）的识读方法，以及记号在特定乐器和声部中的应用。 调性的核心概念： 深入解析大调与小调的音阶结构、音程关系。重点阐释调性中心（Tonic）的概念及其在音乐结构中的核心地位。 第二章：节奏的语法与时间概念 节奏是音乐的“骨架”。本章致力于揭示节奏的组织规律和表现技巧。 拍号与小节划分： 区分单拍号、复拍号和变化拍号，分析它们如何影响音乐的律动感和驱动力。 时值与休止符的精确计算： 讲解附点、连音线、三连音等常见节奏复杂形式的准确处理方式，强调演奏中的“内在节拍感”。 复节奏与切分音的分析： 探讨多重节奏交织（如复合节奏）在不同音乐时期的应用，尤其是在巴洛克音乐和爵士乐中的处理差异。 第三章：和声的逻辑——功能与色彩 和声是西方音乐的灵魂之一。本部分将带领读者从基础的三和弦开始，逐步理解复杂的和声进行。 三和弦的构建与转位： 详述大、小、增、减三和弦的构成，以及它们在不同位置上（根音位、第一转位、第二转位）对音乐织体带来的重量感和倾向性。 功能和声学基础： 核心聚焦于主、属、下属和弦（T-S-D）的功能性，这是理解古典音乐结构的关键。详细分析如何通过这些基本功能构建终止式。 导音的魔力与七和弦的色彩： 深入探讨导音（Leading Tone）在解决不协和音程中的作用。引入七和弦（属七和弦、减七和弦）的色彩变化及其在增加和声张力方面的应用。 --- 第二部分：音乐的篇章与形式的剖析 理解了音符、节奏与和声的语言后，我们必须学习如何将这些元素组织成宏大的结构。 第四章：小型音乐结构分析 乐句与乐段的构建： 讲解“提问-回答”（Antecedent-Consequent）的乐句模式，以及如何通过二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A）来构建完整的小型乐章。 变奏曲式的原理： 分析主题（Theme）确立后，通过旋律、节奏、和声或织体变化来发展主题的逻辑链条。 第五章：大型曲式结构导论 本章着重于古典主义和浪漫主义时期音乐形式的典范： 奏鸣曲式（Sonata Form）： 这是理解交响乐、协奏曲和奏鸣曲的核心。详细拆解呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）的结构、功能与调性关系。重点分析对比主题（Thematic Contrast）在呈示部中的作用。 回旋曲式与复合三部曲式： 比较A-B-A-C-A（回旋曲）与多乐章套曲结构（如组曲、舞曲），阐述它们在音乐叙事中的不同侧重。 --- 第三部分：风格的变迁与音乐史的语境 音乐语言并非一成不变，它的发展与社会、哲学和技术进步紧密相关。 第六章：从复调到主调——风格的转折点 中世纪与文艺复兴的复调艺术： 概述固定旋律（Cantus Firmus）的运用，以及奥兰多·迪·拉索和帕莱斯特里那等大师如何将人声对位推向顶峰。 巴洛克时期的织体革命： 重点分析巴赫对赋格曲（Fugue）的集大成，理解对位法（Counterpoint）的规则和表现力，以及通奏低音（Basso Continuo）在确立主调体系中的决定性作用。 第七章：古典主义的清晰与浪漫主义的情感 古典主义的平衡与清晰： 探讨海顿和莫扎特如何通过明确的结构、均衡的对置和精炼的旋律，将奏鸣曲式推向完美。 浪漫主义的个人表达： 分析李斯特、肖邦等作曲家如何挑战传统调性界限，通过更自由的节奏、更丰富的和声色彩和标题音乐（Program Music）来表达深层个人情感。 --- 第四部分：实践中的应用与音乐的聆听之道 理论最终要服务于实践和欣赏。本部分提供了将理论知识转化为实际能力的方法。 第八章：旋律的创作与分析技巧 动机发展与主题展开： 讲解如何通过音型分解、节奏变形、移位等手法，将一个简单的音乐动机（Motive）扩展成一段完整且富于逻辑的旋律。 视唱练耳的理论支撑： 将和声功能与音程关系相结合，提供一个科学的视唱练习框架，帮助学习者“听到”和“看到”音乐的内在联系。 第九章：有效的音乐鉴赏方法 本书结尾部分指导读者如何带着“知识的眼睛”去聆听音乐，避免仅仅停留在感性的层面。 结构导向型聆听： 学会追踪呈示部的调性变化，识别展开部中的主题碎片化处理，从而预测再现部的回归点。 织体分析： 区分主调（Homophony）、对位（Polyphony）和单音音乐（Monophony）在不同乐章中的应用，理解作曲家是如何通过改变声部间的关系来控制听觉的关注焦点。 本书为您构建的是一套从微观到宏观、从历史到当下的音乐认知体系。它将成为您深入理解任何西方音乐作品——无论是赋格、奏鸣曲还是交响诗——时，手中最可靠的理论指南。

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这次购买的《正版 外国音乐表演用语词典(第二版)》真是让我惊喜万分。一直以来，我对外国古典音乐情有独钟，尤其喜欢那些拥有悠久历史和深厚底蕴的作品。然而，在欣赏和研究的过程中，经常会遇到一些让人困惑的术语。例如，在听一场音乐会时，指挥在强调某个段落时使用了“agitato”这样的词，我虽然知道大概是“激动的”，但究竟应该如何通过演奏来体现这种“激动”，以及不同乐器在表现“agitato”时会有什么区别，我一直没有一个清晰的概念。这本书的详细阐述，特别是它对不同术语在不同历史时期和不同音乐风格下的微妙差异的解读，让我豁然开朗。它不仅仅是枯燥的词汇解释，更像是打开了一扇通往音乐内心世界的窗户，让我能够更准确地捕捉到作曲家想要传达的情感和意图。我非常看重这本书的严谨性和学术性，这对于我这样一个追求深度体验的听众来说，是无价的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，第一次翻开这本书的时候，我就被它的内容所吸引了。我是一个音乐爱好者，虽然不是专业的演奏者，但对音乐有着极大的热情。经常在听音乐或者看乐谱的时候，会遇到一些不认识的外国音乐术语，尤其是那些关于情绪和表现力方面的词语，感觉非常神秘。比如，乐谱上写着“cantabile”，我大概知道是“歌唱般的”，但具体该如何弹奏才能达到那种“歌唱般的”效果，就很难把握了。这本书给了我非常详尽的解答，它不仅解释了术语的字面意思，还深入探讨了这些术语背后所蕴含的情感和演奏技巧。它会告诉你，当乐谱上写着“con brio”时，演奏者应该如何处理节奏的起伏和力度的变化，才能真正表现出“充满活力”的意味。这本书就像一个贴心的音乐向导，让我对音乐的理解不再停留在表面，而是能够更深入地体会到音乐的灵魂。我特别喜欢它对一些复杂术语的拆解和解释，非常有条理，而且容易理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了新世界的大门！作为一名业余的乐器爱好者，平时在练习一些西方古典乐曲时，经常会被那些陌生的意大利语、法语、德语术语搞得一头雾水。比如，乐谱上出现的“cantabile”、“con fuoco”、“andante”之类的词，我可能只知道大概的意思，但背后的细微差别和演奏者需要如何去诠释，就很难把握了。这本书的出现，简直像是在黑暗中点亮了一盏明灯。它不仅仅是简单地罗列术语和解释，而是非常细致地讲解了这些术语在音乐表现中的具体含义和指导作用。我特别喜欢它对一些表情术语的深度挖掘，比如“dolce”不仅仅是“温柔地”，而是包含了怎样的情感色彩，如何通过音色、力度、节奏的变化来体现这种“温柔”。还有一些比较复杂的术语，它会给出不同作曲家在不同时期如何使用这些术语的例子，这对于理解音乐风格的演变和不同时期作曲家的创作理念非常有帮助。我已经迫不及待地想把书里的内容应用到我的练习中了，相信这会极大地提升我对音乐的理解深度和演奏的细腻程度。

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作为一名资深的音乐发烧友，我一直致力于在音乐的世界里不断探索和沉浸。接触过各种流派的音乐，从巴洛克时期的严谨到浪漫主义时期的奔放，再到现代音乐的实验性，我深知理解音乐术语的重要性。许多时候，乐谱上那些简短的指示，却蕴含着作曲家对音乐最深切的期望和情感表达。我曾多次遇到过对一些音乐表情术语的模糊理解，导致在聆听时无法完全体会到作品的精髓，甚至在自己尝试演奏时也显得捉襟见肘。这本书的到来，如同一位经验丰富的老者，为我一一揭开了这些神秘的面纱。它不仅解释了术语的字面意思，更重要的是，它深入剖析了这些术语在音乐语境下所承载的丰富情感和演奏指导。比如，对“espressivo”的解读，它会引导你思考如何通过音色、节奏和力度上的细微变化来传递出“富有表现力”的意境，而不仅仅是简单地“有感情地”演奏。这本书让我对如何更深层次地理解和欣赏音乐有了全新的认识。

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这本《正版 外国音乐表演用语词典(第二版)》给我带来的最直接感受就是专业和权威。作为一名音乐理论专业的学生，我们在学习过程中接触到大量的外国音乐文献，其中涉及到的各种表演术语是理解和分析音乐作品的关键。过去，我们主要依赖于零散的资料和老师的讲解，遇到一些不常用的或者语境特殊的术语时，查找起来会比较费时费力。这本书的出版，无疑为我们提供了一个系统、全面的资源库。它的编纂非常严谨，术语的收录既广泛又准确，并且对每个术语的解释都力求精确，同时还辅以大量的例证，这对于我们深入理解术语的内涵以及在实际音乐作品中的应用提供了极大的便利。我尤其欣赏它对不同语言术语的梳理，清晰地标明了其源语言和大致的发音，以及最核心的音乐含义。这本书不仅仅是一本工具书，更是我们进行学术研究的有力支撑。