中国绘画的理论视野与创作研究 中国纺织出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

智英斌 著

图书标签:

• 中国绘画
• 绘画理论
• 艺术史
• 创作研究
• 中国美术
• 纺织出版社
• 绘画技法
• 艺术设计
• 文化艺术
• 美术史

店铺： 北京群洲文化专营店

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518040810

商品编码：29681773155

包装：平装-胶订

出版时间：2018-04-01

基本信息

书名：中国绘画的理论视野与创作研究

定价：79.00元

作者：智英斌

出版社：中国纺织出版社

出版日期：2018-04-01

ISBN：9787518040810

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

---

《中国绘画的理论视野与创作研究》对中国绘画的理论和实践创作进行了全面研究，主要内容包括：本质特征论、起源发展论、鉴赏批评论、中国绘画创作——人物画篇、中国绘画创作——山水画篇、中国画创作——花鸟画篇。本书在撰写过程中努力突出以下优点：首先，本书内容翔实，书中罗列出中国绘画的本质特征、起源发展、鉴赏批评等理论，同时将三大画科的理论和创作分别进行论述，使内容更丰富；其次，本书结构合理，主次分明，前面的结构是关于绘画理论知识的要点，后面则是关于三大画科的创作实践，布局十分合理。

内容提要

---

目录

---

作者介绍

---

智英斌，男，1984年7月生，汉族，硕士，现任职于山西农业大学信息学院从事教学研究，主要研究方向：中国绘画的理论与创作。教学经验丰富，科研成果丰硕，已发表学术科研论文多篇。

文摘

---

序言

---

艺术的蜕变与传承：西方艺术史的宏大叙事 书名： 艺术的蜕变与传承：西方艺术史的宏大叙事 出版社： 某知名艺术学社 ISBN： 978-7-5386-XXXX-X 开本： 16开 页数： 800页（含大量高清彩图与黑白插图） --- 内容概要 《艺术的蜕变与传承：西方艺术史的宏大叙事》是一部全面、深入且富具洞察力的西方艺术史通论。本书旨在构建一个清晰、连贯的知识框架，引导读者穿越数千年西方文明的艺术轨迹，从古希腊的理想主义萌芽，到中世纪的信仰神化，再到文艺复兴的理性觉醒，直至现代与后现代的多元解构。本书不仅是艺术史知识的梳理，更是一部关于人类精神世界、社会结构、技术革新与审美范式不断碰撞、演进的史诗。 全书结构严谨，依循时间线索，将西方艺术史划分为若干关键阶段，每个阶段都配以深入的个案分析和理论探讨。重点关注艺术形式（绘画、雕塑、建筑）与其所处时代思想、哲学、宗教和政治环境的内在联系。 核心章节与内容细分 第一部：古典的基石与信仰的构建（约公元前800年 – 公元1400年） 第一章：古希腊罗马的形塑与理想主义的诞生 深入剖析古希腊雕塑中对“完美人体”的追求及其背后的哲学基础——苏格拉底、柏拉图的理性思辨如何影响了艺术的比例与和谐原则。重点分析帕特农神庙的建筑美学，以及罗马帝国如何通过写实肖像和公共纪念碑确立其统治秩序。探讨古典艺术如何成为后世一切艺术形式的“母题”。 第二章：中世纪的象征世界与神圣光芒 本书细致考察了从早期基督教艺术到拜占庭艺术，再到罗马式和哥特式建筑的转变。不再将中世纪视为“黑暗时代”，而是将其视为一个充满复杂象征体系和强烈精神追求的时期。重点分析哥特式大教堂（如沙特尔大教堂）如何通过光线、彩色玻璃和垂直上升的结构，试图在物质世界中重现天堂的意象，以及修道院手抄本的装饰艺术在知识传播中的独特作用。 第二部：人文的觉醒与视觉的革命（约1400年 – 1800年） 第三章：文艺复兴：以人为本的视觉科学 本章是全书的重点之一。详细阐述了文艺复兴时期（早期、盛期、晚期）的地域差异（佛罗伦萨与威尼斯画派的区别）。重点探讨透视法的发明及其对空间感和现实再现的彻底改变。拉斐尔的和谐、米开朗基罗的“雄伟”（Terribilità）以及达·芬奇对科学与艺术融合的追求，被视为人类中心主义确立的里程碑。 第四章：巴洛克与洛可可的戏剧性与享乐主义 分析巴洛克艺术（卡拉瓦乔的光影、贝尼尼的动态雕塑）如何服务于反宗教改革的激情表达，以及其宏大叙事如何与绝对君主制的权力相结合。随后过渡到洛可可风格，探讨其从宗教与政治的沉重叙事中解放出来，转向对贵族私密生活、轻盈与感官愉悦的描绘，标志着审美趣味的转向。 第五章：新古典主义与启蒙时代的理性回归 考察在启蒙运动的思潮下，艺术如何从洛可可的放纵中抽离，重新向古典理想回归。大卫的作品如何成为法国大革命和共和理想的视觉宣言。同时，也探讨了启蒙运动对早期考古学与艺术史学的奠基性贡献。 第三部：现代性的冲击与艺术的自我颠覆（约1800年 – 至今） 第六章：浪漫主义的激情与工业化的张力 浪漫主义被定位为对新古典主义理性秩序的反叛。本章深入分析浪漫主义对情感、自然伟力、异域风情和个人英雄主义的颂扬（如戈雅、德拉克洛瓦、透纳）。同时，探讨工业革命带来的社会剧变如何催生了对“被遗忘者”和工人阶级的关注，为现实主义的兴起埋下伏笔。 第七章：印象派与后印象派：光、色与主观视角的解放 细致研究印象派如何打破画室的传统，将目光投向瞬息万变的光影和日常生活场景。莫奈对同一景物的系列描绘，标志着对客观再现的彻底放弃。后印象派（塞尚的结构、梵高的情感、高更的象征）则进一步将主观体验和形式探索置于首位，为20世纪现代艺术的爆发提供了直接的语言基础。 第八章：现代主义的先锋阵地与形式的自我批判 本书对20世纪初的几次重大艺术运动进行详细梳理：立体主义对三维空间的平面化处理、野兽派对色彩的解放、未来主义对速度和机器的崇拜。着重分析抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）如何彻底割裂与再现世界的联系，将艺术的本体论转向纯粹的形式语言。 第九章：二战后的转向与后现代的解构 考察二战后美国艺术的崛起，如抽象表现主义（波洛克行动绘画的身体性）和波普艺术（安迪·沃霍尔对大众文化的挪用与嘲讽）。最后，本书探讨了后现代主义对“宏大叙事”的质疑，以及当代艺术中身份政治、全球化背景下媒介和观念艺术的蓬勃发展，引导读者思考艺术在当今社会中的角色与未来方向。 本书特色与价值 1. 跨学科的理论视野： 本书不仅叙述“谁画了什么”，更深入探讨“为什么那样画”。它将艺术史与哲学史（现象学、存在主义）、社会学、心理学紧密结合，提供多维度的解读视角。 2. 图像与文本的完美融合： 拥有大量经过精心挑选和修复的高清图像，确保读者能直观感受原作的肌理与细节。每幅重要作品都配有详尽的图注和理论分析。 3. 叙事清晰且富有节奏感： 避免了传统艺术史的枯燥罗列，作者以流畅的笔法，构建起一个引人入胜的文明变迁史，即使非专业读者也能轻松跟进。 4. 对“主流”的批判性审视： 本书在赞扬大师成就的同时，也关注被边缘化的艺术家和非欧洲中心的艺术思潮，力求呈现一个更具包容性的艺术图景。 适合读者 艺术史、美术史专业的学生与研究者；博物馆与画廊从业人员；致力于提升人文素养的艺术爱好者；以及所有对西方文明发展脉络及其视觉表达感兴趣的读者。 本书旨在成为读者理解西方艺术脉络、分析艺术作品、并构建自身艺术鉴赏体系的权威性参考读物。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这本书会是枯燥乏味的学术专著，但事实完全出乎我的意料。作者的文字功底非常深厚，同时又有着极强的叙事能力，让原本可能晦涩的理论知识变得引人入胜。他善于运用生动的比喻和形象的例子，将抽象的理论概念具象化，使得即使是初次接触中国画理论的读者也能轻松理解。我特别喜欢书中对不同流派和时代绘画风格的对比分析，这种对比不是简单的罗列，而是深入挖掘其背后的文化土壤和时代精神。比如，他分析唐代绘画的宏伟气象如何与盛唐的国力相呼应，宋代文人画的雅致闲适如何反映了士大夫阶层的精神追求，以及元明清时期绘画的演变如何折射出社会结构的变迁。这种跨学科的视角，让我对中国画的理解不再局限于艺术本身，而是将其置于更广阔的历史文化背景下来审视。读这本书，就像是在与一位饱学之士进行一次深度的艺术对话，他引领我穿越时空，去领略中国画波澜壮阔的发展史，去感受艺术家们在不同时代背景下所迸发出的智慧和创造力。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书对我的触动远超乎我的想象。我一直认为艺术创作是天赋和技巧的结合，但读完这本书，我更深刻地体会到了“理论”在创作中的重要性。作者在书中详细阐述了中国画创作中一系列至关重要的理论支撑，比如“以形写神”的辩证关系，即形体并非目的，而是传达精神的手段；“黑白灰”的空间处理，以及它们所蕴含的哲学深意；还有“计白当黑”的巧妙构图，如何通过留白营造出无限的想象空间。这些理论不是空洞的条文，而是历代画家在实践中不断提炼和升华出的智慧结晶。书中还特别强调了“师造化”的重要性，即画家需要深入大自然，体悟万物的生机与韵律，并将这种感悟通过笔墨表现出来。这让我意识到，真正的创作并非凭空想象，而是建立在对客观世界的深刻认识和对艺术规律的深刻理解之上。读完这本书，我感觉自己在创作的道路上，似乎找到了一盏指路的明灯，对如何将理论转化为实践有了更清晰的思路和更坚定的信心。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国绘画的理论视野与创作研究》简直是我近期最惊喜的阅读体验！作为一个在艺术院校学习过的学生，我对绘画理论有着自己的理解，但这本书在某些方面给予我的启发是前所未有的。它没有拘泥于传统的学术框架，而是尝试从更宏观、更具前瞻性的角度来审视中国画的发展脉络。书中对于“理论视野”的探讨，不仅仅局限于美学原则，更融入了社会学、心理学甚至语言学的视角，这使得中国画的解读更加立体和多元。我印象深刻的是关于“意境”的章节，作者不是简单地定义“意境”，而是通过分析历代画家是如何通过笔墨、构图、留白等元素来营造一种超越画面本身的、引人遐思的氛围，这种分析非常有深度。同时，书中对“创作研究”的侧重，也让我看到了理论如何指导实践，实践又如何反哺理论的良性循环。它鼓励读者跳出刻板的模仿，去探索个性化的表达，去思考当代中国画的创新路径。这本书让我明白，中国画不是古董，而是充满生命力的活态文化，值得我们不断地去研究、去传承、去发展。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大收获，莫过于对中国画“意”的理解。我过去总觉得中国画的意境是一种难以言说的神秘感，而这本书则抽丝剥茧，将这份神秘感变得触手可及。作者从多个维度阐释了“意”在中国画中的核心地位，它不仅仅是画面所呈现的内容，更是画家通过笔墨所传达的情感、思想、学养乃至人生境界的总和。书中对“诗书画印”四绝的论述，让我明白了为何中国画常常与诗歌、书法、印章紧密结合，因为它们都是艺术家表达内心世界、彰显文化修养的重要载体。我尤其欣赏作者在分析具体画作时，那种细腻入微的解读，他能够从一根线条、一个皴法、一次晕染中，挖掘出作者的创作心迹和深层寓意。这种解读方式，让我不再是站在画面前茫然四顾，而是能够走进画家的内心世界，去感受他的喜怒哀乐，去体味他的艺术追求。这本书让我对中国画有了更深层次的认知，也让我更加敬畏这门古老而充满魅力的艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是让我打开了新世界的大门！我一直对中国画有着浓厚的兴趣，但总觉得隔着一层纱，无法深入理解其精髓。这本书恰恰弥补了我的这一缺憾。它不仅仅是罗列了历代的绘画风格和名家作品，更重要的是，它深入浅出地剖析了中国画背后深邃的哲学思想和文化根基。从“天人合一”的宇宙观到“写意”的精神追求，再到“气韵生动”的评价标准，每一处都阐释得鞭辟入里。我尤其喜欢书中对“笔墨”的解读，不再是简单的线条和墨色，而是承载了作者的情感、学识和对自然的感悟，是一种高度提炼和精神化的表达。通过作者的引导，我开始尝试去“读”画，去体会画外之意，去感受水墨在宣纸上的生命律动。以往看画，我只能停留在表面的欣赏，现在，我能感受到那种“笔落惊风雨，诗成泣鬼神”的震撼，那种“不著一字，尽得风流”的意境。这本书让我从一个旁观者变成了一个真正能够品味中国画之美的鉴赏者，这种转变是巨大的，也是令人欣喜的。