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赵农 著

图书标签:

• 中国艺术
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• 艺术史
• 设计史
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• 历史
• 艺术
• 设计
• 中国文化
• 艺术设计

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040150407

版次：1

商品编码：11061697

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-04-01

用纸：胶版纸

页数：374

字数：500000

正文语种：中文

内容简介

中国艺术设计史建立在对设计文化历史与现状的双重认识中，构成了艺术设计学的文化基础，由此使艺术设计史论的教学和研究从边缘发生到中心，综合演变成为一门重要的学科。为适应艺术设计专业教学的需要，《中国艺术设计史》分为十章，按照历史时间的沿革，对石器、玉器、陶器、骨器、建筑、园林、纺织、服饰、工具、农具、兵器、车辆、食器、文字、货币、家具、乐器等方面的内容进行了充分的论述，试图对中国历史中器物的源流理意进行全面的梳理，构建独立的中国艺术设计史的学科体例，并以期获得教学环节的适用，推进当代中国艺术设计教育事业的蓬勃发展。
《中国艺术设计史》采取图文并茂的编排方式，使读者在文字阅读之余，能够通过丰富生动的图例增加深刻印象，获得对中国艺术设计史的深度理解，以适应国内艺术设计理论专业教材的需要，满足艺术设计专业的各类学生学习。
《中国艺术设计史》也可供热爱艺术设计事业的人们阅读参考。

作者简介

赵农，1962年7月出生于西安，1987年7月毕业于中央工艺美术学院史论系，获文学学士学位。现为西安美术学院美术史论系教授，硕士研究生导师。中国工艺美术学会理论委员会常务委员，陕西省非物质文化保护工作专家委员会委员。专著《设计概论》获得2001年陕西省高等教育教学成果一等奖，并获得2002年全国普通高等学校优秀教材二等奖。专著《设计概论》（修订版）列入普通高等教育“十五”国家级规划教材。专著《中国艺术设计史》获得2004年第十三届北方优秀图书金牛奖一等奖，并获得2005年陕西高校人文社科优秀成果奖一等奖。还出版《园冶图说》等多种著述。多篇论文获得省级教学、科研奖励。

内页插图

目录

导论
第一章 文明的曙光——石器时期的设计
第一节 绪论
第二节 上古传说的设计
第三节 石器与玉器
第四节 陶器和彩陶
第五节 骨器与箭器
第六节 建筑与村落
第七节 纺织与饰品
第八节 结论

第二章 沉痛的狞厉——夏商西周时期的设计
第一节 绪论
第二节 工具和农具
第三节 城市与建筑
第四节 兵器和车辆
第五节 纺织和服饰
第六节 食器和礼器
第七节 文字和货币
第七节 结论

第三章 霸业的冲撞——春秋战国时期的设计
第一节 绪论
第二节 车辆和兵器
第三节 农具和工具
第四节 城市和建筑
第五节 服饰与货币
第六节 家具与乐器
第七节 先秦设计文献
第八节 结论

第四章 统一的气量——秦汉时期的设计
第一节 绪论
第二节 文字和货币
第三节 车辆和道路
第四节 兵器和农具
第五节 建筑和灯具
第六节 服饰和铜镜
第七节 造纸与灯具
第八节 结论

第五章 丧乱的文明——三国两晋南北朝时期的设计
第一节 绪论
第二节 交通与工具
第三节 造纸与工具
第四节 制瓷与服饰
第五节 建筑与园林
第六节 家具与乐器
第七节 石窟与雕刻
第八节 结论

第六章 繁盛的浮华——隋唐时期的设计
第一节 绪论
第二节 城市与建筑
第三节 印刷与书籍
第四节 农具与家具
第五节 纺织与服饰
第六节 雕刻与陶瓷
第七节 金银器与铜镜
第八节 设计行业管理
第九节 结论

第七章 文弱的精湛——五代两宋时期的设计
第一节 绪论
第二节 造纸与印刷
第三节 广告与货币
第四节 兵器与农具
第五节 建筑与筑桥
第六节 制瓷与家具
第七节 服饰与杂品
第八节 结论

第八章 游牧的强悍——辽金西夏元时期的设计
第一节 绪论
第二节 文字与印刷
第三节 兵器与车船
第四节 建筑与桥梁
第五节 服饰和纺织
第六节 制瓷和杂器
第七节 农具和货币
第八节 结论

第九章 专制的文化——明清时期的设计
第一节 绪论
第二节 城市与建筑
第三节 商业与民居
第四节 文具与书籍
第五节 园林与瓷器
第六节 服饰与交通
第七节 设计文献
第八节 结论

第十章 艰难的变革——现代时期的设计
第一节 绪论
第二节 城市与建筑
第三节 器皿与家具
第四节 服饰与纺织
第五节 书籍与包装
第六节 货币与交通
第七节 艺术设计教育
第八节 结论
总结
附录
主要参考文献
后记

好的，这是一本关于当代建筑思潮与城市形态演变的学术著作的详细简介，与您的《中国艺术设计史》内容完全无关： --- 《摩登的裂痕：全球化背景下西方当代建筑的批判性转向（1980-2020）》 作者： [此处可填入一位著名建筑理论家或学者的名字，例如：阿历克斯·范德堡] 出版社： [此处可填入一家知名的学术出版社，例如：牛津大学出版社] 页数/定价： 780页，定价：128.00美元 --- 内容简介 本书是对过去四十年西方建筑理论、实践与城市空间关系进行的一次深入、多维度的批判性重估。 自1980年代以来，全球资本的流动、数字技术的爆炸性发展以及后殖民思潮的兴起，对西方世界的建筑实践构成了前所未有的挑战。传统现代主义的宏大叙事逐渐瓦解，取而代之的是一种复杂、碎片化且充满矛盾的“后现代”与“批判性地域主义”的混合体。《摩登的裂痕》聚焦于这一关键转型期，摒弃了将建筑史视为风格迭代的简单线性叙事，而是将其置于更广阔的社会经济、政治生态和技术焦虑的背景下进行剖析。 本书的核心论点在于：当代建筑不再仅仅是关于“形式”的探索，而是关于“介入的伦理”与“场所的记忆”的重建。作者精心选取了九个关键的案例集群——从解构主义的都市拼贴到参数化设计的数字拓扑，再到新兴的“城市韧性”运动——来揭示建筑师如何在全球化的浪潮中，试图重新锚定那些被抽离的本地性。 第一部分：宏大叙事的终结与批判性地域主义的崛起（1980-1999） 本部分详尽考察了后现代主义在面对全球资本扩张时的理论困境。作者首先分析了“后现代的讽刺”如何转化为对历史符号的肤浅挪用，并指出这种挪用最终未能解决现代主义遗留下的社会责任问题。 随后，本书将重点转向批判性地域主义（Critical Regionalism）的兴起。不同于简单的怀旧复古，作者认为 Kenneth Frampton 等人提出的理论是一种对地方物质性、气候与文化记忆的严肃回应。通过对阿尔瓦罗·西扎在葡萄牙的作品、以及雷姆·库哈斯早期对城市密度与社会动态的深刻观察的比较研究，本书论证了建筑如何试图在国际化的“无时间性”中，重新挖掘出具有时代感的地方叙事。对 1990 年代早期“博物馆建筑竞赛”的深入分析，揭示了文化机构如何成为权力与身份认同角力的前沿阵地。 第二部分：数字渗透与城市形态的解构（2000-2010） 进入新千年，互联网与数字制造技术的成熟彻底改变了建筑的生产方式。本部分致力于探讨“参数化设计”如何从一种纯粹的几何工具，演变为一种影响城市规划哲学的思潮。 书中对扎哈·哈迪德事务所、柯布西耶的工作室（Office Kersten Geers David Van Severen）等代表性实践的分析，揭示了算法在生成复杂曲面形态的同时，也带来了关于“可建造性”、“经济可行性”以及“使用者体验”的全新伦理挑战。一个重要章节专门探讨了数字信息流对传统“场所精神”（Genius Loci）的侵蚀。作者认为，当代建筑的“流动性”往往掩盖了其背后日益加剧的社会隔离现象，即高度定制化的形态往往只服务于极少数的精英阶层。 第三部分：生态焦虑、韧性与“新平庸”的回归（2010-2020） 本书的后半部分转向了对气候变化和城市不平等问题的回应。在“绿色建筑”泛滥的背景下，作者对“可持续性”的概念进行了严格的去神话化处理，质疑了许多高科技绿色建筑在生命周期评估中的实际表现。 研究转向了“城市韧性”（Urban Resilience）和“适应性再利用”（Adaptive Reuse）的思潮。通过对欧洲城市复兴项目以及北美灾后重建的案例分析，本书探讨了建筑师如何从“建造新奇”转向“维护现有系统”。作者敏锐地指出，这十年间出现了一种“新平庸”（The New Banality）的倾向——建筑不再追求戏剧性的视觉冲击，而是更关注材料的耐久性、结构的模块化以及对现有城市肌理的“不干预式”嵌入。然而，作者也提出了尖锐的批评：这种看似谦逊的回归，是否只是资本为了降低风险和提高周转率而采取的一种新策略？ 理论贡献与研究方法 《摩登的裂痕》超越了传统的建筑史叙事，它融合了批判地理学、媒体理论和社会学的方法论。作者不仅考察了建筑师的宣言和项目图纸，更深入分析了建筑审查制度、房地产融资结构、以及社交媒体对建筑声誉的构建过程。本书配有百余幅珍贵的项目平面图、草图及详细的理论对比图表，为建筑学者、规划师、城市理论研究者及对当代文化景观感兴趣的读者，提供了一部兼具学术深度与批判视野的权威著作。 阅读本书，读者将能够理解：当代建筑是如何在技术奇迹、经济压力与伦理诉求的夹缝中，持续定义我们居住和思考世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这类学术性较强的书籍有些畏惧，担心会陷入晦涩难懂的术语泥潭，但这本论述却出乎意料地具有极佳的“可读性”。它的语言风格就像一位经验丰富的导游在带领游客参观一座宏伟的博物馆，既能指出重点文物（核心理论），又能轻松地将我们带到下一展厅（章节过渡），全程没有生硬的冷场。我印象最深的是它对媒介材料革新如何影响艺术表达的论述。书中并没有简单地赞美技术进步，而是辩证地分析了新材料的引入如何挑战了既有的审美规范，并催生了全新的创作范式。这种对“工具性”与“观念性”之间复杂张力的探讨，极大地拓宽了我对艺术创作边界的理解。对于那些希望在理论深度和阅读体验之间找到平衡点的读者来说，这本书提供了一个非常优秀的范本——它既是严谨的学术参考，也是引人入胜的文化漫游指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处在于它对“地域性”与“全球性”二元结构的深刻反思。它拒绝了那种将某一特定地域的艺术发展视为孤立演进的传统叙事，而是巧妙地穿插了不同文明间艺术元素的跨文化传播与融合案例。我特别喜欢其中关于某个时期国际交流对本土风格产生的微妙影响的章节，作者并未简单地将其归类为“被影响”，而是细致地描摹了本土艺术家如何吸收、消化并最终“本土化”这些外来语汇，形成自己独特的表达。这种处理方式显得非常成熟和辩证，避免了简单化的褒贬。读完后，我感觉对理解艺术史上的“同源异流”现象有了更精妙的工具。它提醒我们，艺术的演进从来都不是在真空里发生的，每一个创新背后都可能有着复杂的、跨越地理界限的对话痕迹。

评分☆☆☆☆☆

作为一名注重视觉体验的读者，我对这本书的插图编排和版式设计印象深刻。它深知艺术书籍的“纸质存在感”的重要性。插图的选择极具匠心，并非只是简单地罗列代表作，而是根据章节的论述重点，精确匹配了能够佐证作者观点的视觉材料。更难能可贵的是，许多高清彩图的色彩还原度令人惊叹，甚至能让人从图像中感受到原作的肌理和光影变化，这对于研究那些高度依赖色彩和物质性的艺术形式至关重要。此外，排版设计也深谙留白之道，让原本密集的理论文字有了呼吸的空间，有效减轻了阅读疲劳。这种对实体书籍美学的重视，体现了出版方对内容严肃性的尊重，也让整个阅读过程成为了一种视觉和智力的双重享受。

评分☆☆☆☆☆

这本关于艺术史的著作，给我带来的最大震撼在于其宏大的叙事结构和对细节的精准把握。作者仿佛是一位技艺精湛的织工，用细腻的笔触勾勒出不同历史时期艺术思潮的变迁轨迹。我尤其欣赏它在处理早期史料时的那种严谨与克制，没有过度的主观臆断，而是让史料本身说话。例如，书中对某个特定时期壁画色彩运用特点的分析，不仅陈述了其风格的演变，还深入探讨了背后可能涉及的社会心理因素和技术限制。阅读过程中，我常常需要停下来，去查阅一些附录中的图版说明，那里的文字虽简短，却蕴含着深厚的学养。它不像某些通史那样，仅仅是罗列事实，而是试图构建一个有机的、相互关联的知识体系。这种构建使得即使是初次接触相关领域的读者，也能清晰地感受到艺术脉络的流动性，而不是被孤立的、碎片化的信息淹没。那种将艺术实践与时代精神紧密结合的叙事方式，让人对那个时代的文化生态有了更全面、更立体的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大启示是，艺术史的解读应当是开放的、不断自我修正的过程，而非一套僵硬的教条。作者在全书的收尾部分，对当前艺术研究领域的一些热点和争议进行了回顾与展望，这种“向前看”的态度非常鼓舞人心。它没有将历史定格在“已完成”的状态，而是留下了许多值得后续研究者深入探索的“空白地带”。例如，它对于新兴数字技术可能如何重塑我们对传统艺术遗产的认知提出了富有启发性的思考。这种将历史研究与前沿思潮对接的做法，让这本书不仅仅是回顾过去，更像是为理解当代艺术现象提供了必要的历史参照系。它激发了我作为读者产生进一步探究的动力，促使我走出书本的范围，去审视当下正在发生的艺术实践。