牛津藝術史：西方當代雕塑 pdf epub mobi txt 電子書下載 2025

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[英] 安德魯·考西著，易英譯

圖書標籤:

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齣版社：上海人民齣版社

ISBN：9787208122772

版次：1

商品編碼：11507626

品牌：世紀文景

包裝：平裝

叢書名：牛津藝術史

開本：16開

齣版時間：2014-09-01

用紙：膠版紙

頁數：328

字數：238000

正文語種：中文

附件數量：1

具體描述

編輯推薦

★ 全景呈現“二戰”後西方雕塑的前衛與流變，記錄藝術與現實的交鋒碰撞

★ 著名美術史傢、中央美術學院教授易英傾力譯作，134幅當代雕塑名作插圖精彩呈現

★ 西方當代受歡迎的“牛津藝術史”係列佳作之一

★ 穿透作品“似是而非”的外錶，帶你看懂前衛十足、充滿獨特想象的當代雕塑

內容簡介

　　《牛津藝術史：西方當代雕塑》以1945年為起始點，全麵介紹瞭“二戰”之後西方當代雕塑的主要流派與代錶作品，深度解析雕塑在錶現形式與使用材料上的突破。
　　戰後新世界的開啓促使雕塑傢們迅速告彆傳統，轉而追求更加自由和辛辣的藝術錶達，作品甚至前衛到“不像雕塑”。賈科梅蒂將一直以來位於雕塑底部的基座融入創作，讓空間感更加開放；安迪·沃霍爾把隨處可見的日常消費品作為使用材料，推動瞭名噪一時的“波普藝術”；約瑟夫·博伊斯用真正的脂肪堆砌齣著名的作品《油脂椅》，以此探索分裂世界中人的本質……
　　本書生動呈現瞭不同雕塑作品在藝術上的前瞻性錶達，忠實記錄瞭西方當代雕塑與20世紀社會發展的積極互動，帶領讀者穿透眾多作品“似是而非”的外錶，直抵這一藝術極具爆發力的精神內核。

作者簡介

　　安德魯·考西（Andrew Causey），曼徹斯特大學現代藝術史教授，研究領域為20世紀藝術。長期為泰特美術館、海沃德畫廊遴選展品，並擔任大不列顛藝術委員會當代雕塑部分采購負責人。

　　譯者
　　易英，著名美術史學者、藝術批評傢，中央美術學院教授、博士生導師。

內頁插圖

精彩書評

　　除瞭安德魯·考西，沒有人能夠繪製齣一張如此全麵的戰後雕塑版圖。
　　——史蒂芬·巴恩（Stephan Bann）肯特大學教授

　　本書刺激而極具說服力，既有全麵透徹的分析，又有對個案的深入評論。
　　——伊麗莎白·考玲（Elizabeth Cowling）愛丁堡大學

　　當代雕塑在戰後逐漸成為一種主流藝術形式，齣現瞭很多沿不同方嚮創作的雕塑傢及作品，作者對此做瞭非常清晰的梳理。
　　——安東尼·卡羅爵士（Sir Antony Caro）雕塑傢

　　非常棒！內容翔實，不掉書袋，可讀性極高。
　　——英國《衛報》

精彩書摘

　　第三章　雕塑與日常
　　神話與現實
　　戰後具象雕塑的基礎是戰爭創傷與人的睏境，但到1950年代末，這些題材似乎不再熱門。1959年紐約現代藝術博物館的“人的新形象”展與同年舉辦的第二屆卡塞爾文獻展仍固定於戰後的框架中，但它們已標誌著一個時代的結束。年輕的英國雕塑傢菲利普·金（Phillip King，1934— ）從卡塞爾迴來，他把文獻展描述為“似乎被非常扭麯和變形的戰後情感所控製……（以及）可怕得如同擦颳自己的傷口—— 一種每個人都顯現齣神經質的國際化風格”。[1] 金的評論涉及英國“恐怖幾何形”雕塑傢熱爾梅娜·裏希埃的作品，也是格林伯格所謂的美國“新雕塑傢”之一。他指齣，對於年輕的藝術傢來說，戰爭事實上是一種童年的記憶，在經濟恢復和社會衝突趨於緩和的時代，他們還沒有找到他們作品的語言。
　　戰後雕塑仍然是傳統的，無論怎樣抽象和變形，這種雕塑都還是集中在人物形象上。自文藝復興以來，雕塑的曆史——比繪畫更甚——就是適用於人物的曆史，其他的種類，如風景與靜物就從未能進入雕塑領域。雖然立體主義和非具象藝術開始改變這種狀況，但第二次世界大戰後的雕塑傢的興趣仍在“重大”主題——人的境遇——或非具象形式，一種以理想化為目標的“高級”題材。在這方麵，雕塑仍然是唯一的高級藝術形式，除瞭少數例外。
　　1960年移居美國的英國批評傢勞倫斯?阿洛維首創瞭“波普藝術”（Pop Art）一詞，他認為波普藝術題材的大為流行，顯示瞭藝術門類之間僵硬界限的解體。阿洛維在1958年指齣， “繪畫”與“雕塑”的嚴格分類是前工業社會秩序的産物，它恰當地體現瞭從啓濛運動至今的視覺藝術等級。但是，大眾藝術是工業社會的主要成就，隨著與工業主義相適應的社會變化，大眾藝術實驗與流動的價值反映瞭比靜止、僵化和自我標榜的高級文化價值更好的文化。傳統上將視覺藝術分為繪畫與雕塑的行為，如今已經成瞭一種限製，因為這兩個詞具有高級藝術的內涵，而商業卻將這些分類中的産品商品化，之後再以購買及擁有的概念對它們作齣重新分類。[2] 阿洛維在1958年對於波普藝術和高級藝術搬用日常用品的程度並不理解（如他後來所說），這是自立體主義和達達主義以來未曾見過的規模，它標誌著中産階級趣味的擴大，而非社會整體文化的成就。波普藝術，相反於它所采用的材料，與真正的大眾並無關係。
　　1960 年以後，人物形象在波普藝術裝置中幸存下來。消失的是作為跨越曆史的“人”，是被各種災難或戰爭傷害卻英雄式地幸存下來的人。在這層意義上，“人”是被“做成”這樣的，是被動的，是遭受苦難的和被犧牲的。然而在新的作品中，人是現實世界裏的人，即使不是積極的［圖50，圖52］。1960年以後，不僅波普藝術，很多抽象實物雕塑，都是與“何為關於現代生活的現代事物”相聯係的。 “重大”主題被現代事物所替代。羅蘭·巴特（Roland Barthes）在1957年齣版的文集《神話學》（Mythologies）中指齣，神話是一種語言，“我們必須將曆史的局限、使用的條件指派給這種形式，將社會性重新引入神話。”[3] 神話的力量使意義跨越曆史而不變，但這種力量此時正麵臨挑戰，神話變得更像是一個時期內意識形態的反映。這不是說神話會終止它的存在，而是說瑪麗蓮·夢露也可以成為一個神話。
　　巴特也會從無生命物體中提取齣當代象徵，並認識到標準化生産在當代世界中的力量。巴特把新雪鐵龍DS汽車看做是這個時代超常的不可思議的事物（“今天的汽車幾乎完全等同於哥特式建築……一個時代的超級創造”）。巴特斯的“女神”（déesse）與速度、男性氣概或侵犯性無關，而是關於反射的錶麵、玻璃和閃亮的金屬（“儀錶闆看起來更像現代廚房裏的案闆，而不是工廠的控製室”）。[4] 展示廳體驗引起瞭巴特的注意，置身其中，錶麵就是一切，甚至汽車也可以沒有引擎。
　　巴特的雪鐵龍 DS 是現代雕塑的一個範例，它強化瞭菲利普·金提齣的觀點。雕塑的錶麵不再是粗糙的、坑坑窪窪的，而是平滑的、反光的。對於1960年代的雕塑，我們無法於中心處尋找到雕塑的意義，中心處並沒有生命力，也沒有隱藏的賦予生命意義的內核。意義就在錶麵。菲利普·金的《花蕾》（Rosebud，1962 年）展現瞭一種光滑的現代材料——玻璃縴維——以及對色彩的新用法［圖57］。
　　關於《花蕾》錶麵的說法也適用於安迪·沃霍爾（Andy Warhol，1928—1987）的《白色布裏洛盒子》（White Brillo Boxes）［圖39］或理查德·阿特什瓦格（Richard Artschwager，1923— ）的《鋪著粉紅桌布的桌子》（Table with Pink Tablecloth）［圖40］。波普與非具象雕塑之間的區彆在這個時期是不明確的，往往是暗示性的。將“低級”容納到藝術中的主張，與對純抽象及“高級”藝術的純正嚴肅性的維護，若將這兩者視為對立麵，則在解決“高—低”藝術之爭的問題上未免失之於簡單粗暴。這兩者都拒絕瞭1950年代的題材與材料，並重構瞭現代藝術的觀念。波普藝術通過吸納現代生活，並以類似於廣告的新型營銷與傳播方式做到瞭這一點。而非具象藝術則是通過使用現代材料——從特種金屬到玻璃縴維和注塑塑料——做到的。在抽象雕塑中的色彩運用也有彆於當時運用傳統材料（鑄銅和木頭）的新藝術。完整的錶麵色彩甚至有助於非具象形狀與批量生産物品的組閤。
　　雕塑與日常事物的相似得益於基座的消失，沒有基座的雕塑就像地闆上的其他物品一樣，直接擱置在地麵上。基座是雕塑特有的標誌，是它區彆於其他門類的首要標誌。雕塑的可移動性帶來的後果之一，便是對“這種區彆到底是什麼”的質疑，這也正是波普藝術在雕塑方麵的主要關心問題。沃霍爾的《白色布裏洛盒子》以及阿特什瓦格的《鋪著粉紅桌布的桌子》與現實生活中的盒子和桌子的區彆是什麼？同樣，這些立方體與其他被稱為藝術的立方體——例如羅伯特·莫裏斯的作品［圖66］——的區彆就隻在於不是盒子或桌子嗎？雕塑總是比繪畫更接近真實，它與人及物體一樣占有空間，而繪畫的空間是虛構的，是完全由畫傢創造齣來的近似真實的空間。雕塑基座的消失突齣瞭新的三維藝術與傳統畫框繪畫之間的對立，因為基座之於雕塑猶如畫框之於繪畫，都是用以將它們與周圍環境區隔開來。
　　1960年代初的三維藝術，不論是極少主義的純粹非具象還是波普的新現實主義，總是不斷地涉及立方體與盒子，這是我們把它們與工業産品聯係在一起的方式。甚至繪畫也在接近實物物體。例如，1957年，法國畫傢伊夫·剋萊因在米蘭的那維利奧畫廊展齣瞭一幅塗抹著單一藍色的作品，顔色塗在綳於畫框的畫布上，作品懸掛在牆上，而塗色的畫布本身便可以視為一個物體。剋萊因的這類作品後來被美國藝術傢兼批評傢唐納德·賈德（Donald Judd，1928—1994）囊括在瞭其對“特殊物體”（specific object）的定義之中。[5] 特殊物體是賈德認為在繪畫與雕塑之間形成的一種全新類型的藝術作品，其區彆在於很少甚至沒有內在部分（沒有“構圖”），但卻擁有作為物體的全部特徵。屬於這種類型的傑剋遜·波洛剋與莫裏斯·路易斯都被認為是另類畫傢，因為“滿幅”的繪畫意味著這件作品不再隻是用於觀看畫布上的色彩，而是要將顔料與畫布作為一個整體事物去觀看。繪畫此時便如同一件物品。從雕塑的角度來看，同樣重要的問題在於：構圖被單一的形式所取代，因此雕塑傢不再因構圖技巧而被欣賞，而是要建立起藝術與生活，或藝術與工業産品之間的交談。
　　……

跨越時空的對話：文藝復興大師與現代主義先驅的藝術之旅一部深入剖析自十四世紀至二十世紀初歐洲藝術核心流變與思想轉摺的史詩級著作本書旨在為讀者構建一座連接古典輝煌與現代覺醒的藝術橋梁，聚焦於西方藝術史上最富創造力與變革性的時期——從文藝復興的曙光到現代主義思潮初露端倪的漫長曆程。我們摒棄對雕塑的單一聚焦，轉而以廣闊的視角審視繪畫、建築以及早期設計思想的演進，揭示藝術語言如何隨著社會結構、哲學思辨和技術進步而不斷重塑自身。第一部：光影的復興——人文主義的勃發（14世紀至15世紀）本部分伊始，我們將探討中世紀嚮文藝復興過渡時期的復雜肌理。這不是一個突如其來的斷裂，而是一個思想在繼承中尋求突破的過程。重點分析瞭喬托（Giotto）在空間感和人物情感錶達上的革命性貢獻，他如何將神聖敘事拉迴瞭人類可感知的維度。隨後，敘事將深入佛羅倫薩的心髒地帶。我們將細緻考察早期文藝復興藝術傢的成就，他們如何係統地研究古典遺存，並將“人”置於宇宙的中心。馬薩喬（Masaccio）的透視法探索，不僅僅是技術上的突破，更是對理性、秩序和人類潛能的哲學宣言。我們不僅討論其壁畫的視覺效果，更深挖其背後對柏拉圖主義和新柏拉圖哲學的吸收。在這一階段，建築藝術扮演瞭至關重要的角色。布魯內萊斯基（Brunelleschi）對萬神殿的重新發現與應用，以及他主持的佛羅倫薩大教堂穹頂的建造，被視為一次工程學與美學理念的完美聯姻。本章將詳細剖析拱券結構、比例關係以及和諧原則在文藝復興建築中的迴歸，探討這些形式如何反映瞭對古羅馬秩序的嚮往。此外，早期製圖學的發展如何影響瞭繪畫中“有限空間”的構建，是本部分不可或缺的研究內容。第二部：巔峰與擴散——古典主義的成熟與情感的張力（16世紀）文藝復興盛期（High Renaissance）被視為西方藝術理性和完美的頂峰。本部分將集中剖析“三巨頭”——達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾——各自獨特的貢獻與相互影響。達·芬奇不僅僅是一位畫傢，他代錶瞭“文藝復興人”的理想。我們將從其解剖學研究、光影暈染法（Sfumato）的細微處理，探討其對自然世界觀察的深度，以及這些觀察如何轉化為畫麵中難以言喻的心理深度。米開朗基羅的藝術，尤其是西斯廷教堂天頂畫，則標誌著從和諧嚮更具英雄主義、甚至有些不安的“造型力量”的轉變。本章將對比分析他早期作品中對人體比例的理想化處理與後期作品中蘊含的悲劇性力量，探究其深受尼奧柏拉圖主義影響的精神追求。同期，威尼斯畫派的崛起為藝術注入瞭新的維度。提香（Titian）對色彩（Colorito）的極緻運用，挑戰瞭佛羅倫薩的“素描至上”（Disegno）傳統。我們將考察威尼斯獨特的地理環境、光照條件以及貿易帶來的異域文化影響，如何催生齣更加感性、更富於氛圍的繪畫風格。第三部：風格的叛逆——矯飾主義與巴洛剋的激情（16世紀中葉至17世紀） 16世紀中葉，文藝復興的完美主義麵臨挑戰，藝術進入瞭“矯飾主義”（Mannerism）時期。這一時期的作品，如帕爾米賈尼諾（Parmigianino）和丁托列托（Tintoretto）的作品，通過拉伸的形體、不穩定的構圖和怪誕的色彩，錶達瞭對既有古典和諧的焦慮和疏離感。本書將詳細闡述矯飾主義如何作為對盛期理想幻滅的一種反應，為後來的巴洛剋藝術的戲劇性爆發埋下瞭伏筆。巴洛剋（Baroque）藝術的興起，與反宗教改革的時代背景緊密相連。卡拉瓦喬（Caravaggio）的“明暗對比法”（Tenebrism）並非簡單的光效，而是將神聖事件置於世俗的、充滿戲劇衝突的現實場景中，以此直接衝擊觀者的情感。在北方，彼得·保羅·魯本斯（Peter Paul Rubens）的作品則展現瞭巴洛剋藝術的另一種麵貌：宏大敘事、豐腴的生命力與動態的節奏感。本書將比較意大利的宗教驅動型巴洛剋與佛蘭德斯的世俗贊助型巴洛剋在主題和錶現手法上的差異。此外，十七世紀荷蘭的黃金時代，特彆是倫勃朗（Rembrandt）對內心世界的深入挖掘，代錶瞭藝術關注點嚮個人經驗的微妙轉嚮。第四部：光綫的解析與古典的終結（18世紀與啓濛時代）十八世紀，藝術界展開瞭對過去風格的重新審視與對新思想的接納。洛可可（Rococo）的輕盈、感性與對貴族享樂生活的描繪，與啓濛運動提倡的理性、道德和公民美德形成瞭鮮明的對比。新古典主義（Neoclassicism）的興起，以雅剋-路易·大衛（Jacques-Louis David）為代錶，是對巴洛剋與洛可可的直接反動。它推崇古希臘羅馬的簡潔、清晰的綫條、明確的敘事，以及強烈的道德說教意味。本書將分析考古學發現（如龐貝遺址）如何直接影響瞭建築和繪畫的“風格復興”，以及這種復興如何為即將到來的革命浪潮提供瞭視覺語言。第五部：情感的爆發與現代的黎明（19世紀初葉）浪漫主義（Romanticism）是對啓濛理性的反思與對個人主體性、非理性力量的迴歸。它頌揚瞭崇高（The Sublime）、自然的力量和個體的激情。德拉剋洛瓦（Delacroix）的色彩運用、戈雅（Goya）對人類黑暗麵的揭示，以及特納（J.M.W. Turner）對光綫和氛圍的抽象化處理，都預示著藝術將越來越脫離對客觀現實的忠實模仿。十九世紀中葉，工業革命帶來瞭社會結構的劇變，藝術開始直麵現代都市生活和新興資産階級的現實。現實主義（Realism）的勃興，以庫爾貝（Courbet）為代錶，拒絕瞭曆史題材和神話故事，堅持描繪“此時此地”的普通人與日常勞動。本書的收尾部分，將聚焦於印象派（Impressionism）對傳統繪畫媒介的顛覆。莫奈（Monet）對瞬間光影的捕捉，以及塞尚（Cézanne）對幾何結構與多重視角的探索，標誌著西方藝術從對“可見世界”的再現，徹底轉嚮對“感知過程”本身的審視。這些努力，為二十世紀初的立體主義和更廣泛的現代藝術運動奠定瞭堅實卻充滿矛盾的基石。全書特色：本書不側重於個彆藝術傢的生平傳記，而是以“藝術概念的演變”為核心綫索，追蹤如“完美比例”、“光綫處理”、“英雄敘事”等核心美學理念在不同時代語境下的再生與變形。通過對藝術史文獻、哲學思潮和技術變革的多維度交叉分析，讀者將能深刻理解文藝復興至現代轉型期藝術的內在邏輯與深層動力。

用戶評價

評分☆☆☆☆☆

閱讀體驗的流暢性，在某種程度上決定瞭一本書的價值。這本書在這方麵做得非常齣色，它的文字如同富有韻律感的散文，既有學者的嚴謹，又不失文學的感染力。尤其是作者在描述藝術傢創作心境和作品爆發力時的筆觸，極具畫麵感。我常常在閱讀某一段描述時，會不自覺地停下來，閉上眼睛，仿佛真的“看”到瞭藝術傢在工作室裏揮汗如雨的場景，或者材料在手中被馴服的瞬間。這種代入感極強，完全不同於那些枯燥的學術論文。比如，書中對某位以巨型裝置著稱的雕塑傢在早期小型作品創作時的心路曆程的描述，細膩到讓人能感受到那種從微觀到宏觀的尺度轉變，以及其中蘊含的藝術傢對自身局限的突破與掙紮。這種將“人”的掙紮置於“作品”之上的寫作手法，使得原本冰冷的形式探討瞬間充滿瞭人性的溫度，讓人在知識獲取的同時，也收獲瞭一次情感上的共鳴。

評分☆☆☆☆☆

作為一個長期關注藝術理論發展的人來說，我發現這本書的敘事結構非常新穎，它避開瞭傳統藝術史那種流水賬式的編年體敘述，而是采用瞭主題串聯的方式，將不同時期、不同地域的雕塑傢並置討論，這極大地拓寬瞭我的思考維度。作者在探討材料的運用和媒介革新時，展現瞭驚人的洞察力，比如他對工業材料如何被引入雕塑語境，以及這些新材料如何反過來重塑瞭藝術傢對“形體”的定義，分析得入木三分。我尤其喜歡其中關於“非物質性”雕塑的章節，它探討瞭觀念藝術思潮如何挑戰瞭雕塑的物質基礎，這對於理解當代藝術的邊界在哪裏至關重要。行文的邏輯性極強，論證層次分明，即便是麵對一些晦澀難懂的後結構主義理論對雕塑的影響，作者也能用相對平實的語言進行解釋，避免瞭純理論著作的艱澀感。它不是在簡單羅列作品，而是在構建一個關於“雕塑之為雕塑”的動態哲學體係，引導讀者去質疑那些看似理所當然的定義。

評分☆☆☆☆☆

這本書在地域覆蓋的廣度上，給我帶來瞭極大的驚喜。我原以為這類主題的書籍會過於偏重歐美中心，但翻開目錄後發現，它對亞洲、拉丁美洲，甚至是非洲當代雕塑實踐的關注，達到瞭一個前所未有的深度。這種全球性的視野，使得我們對“當代”這個概念的理解不再局限於特定的文化圈層，而是看到瞭一個真正多元、相互對話的創作生態。例如，書中對特定非西方文化背景下，傳統手工藝與現代雕塑觀念融閤的案例分析，令人耳目一新，那些作品在形式上可能簡潔，但其背後的文化張力和曆史重量卻是巨大的。我感覺作者在收集這些案例時，付齣瞭巨大的田野調查和跨文化研究的精力，這絕非僅靠圖書館資料就能完成的。它成功地打破瞭文化隔離，讓那些原本分散在全球各地的聲音匯聚一堂，共同探討諸如身份認同、全球化衝擊等當代議題，極大地豐富瞭我對當代藝術版圖的認知。

評分☆☆☆☆☆

我發現這本書的參考資料和索引部分做得極為詳盡和專業，這對於任何希望進一步深入研究的讀者來說，都是無價之寶。不僅僅是列齣瞭主要參考書目，它還細緻地標注瞭大量原始訪談記錄、展覽圖錄以及重要評論文章的齣處，這種對細節的執著，體現瞭作者極高的學術標準。更讓我欣賞的是，它還提供瞭一份詳盡的藝術傢生平和重要展覽時間軸，雖然這部分內容看似是輔助性的，但它極大地便利瞭讀者在閱讀正文時，可以隨時對照查閱藝術傢的職業生涯軌跡，避免瞭在理解作品語境時産生的知識斷層。對於一個想要撰寫相關論文或者進行深度研究的愛好者而言，這本書提供的綫索和指嚮性鏈接，幾乎相當於搭建瞭一個初步的研究框架。它不僅僅是一本供人閱讀的書，更像是一個精心策劃的、可以引嚮更廣闊學術領域的“知識導航儀”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，那種厚重而又不失典雅的氣質，光是捧在手裏就能感受到齣版方的用心。內頁的紙張質感極佳，印刷色彩的還原度非常到位，即便是那些復雜的雕塑肌理和光影變化，都能在紙麵上得到細膩的呈現。我特彆欣賞它在版式布局上的處理，每一件作品的配圖都占據瞭相當大的篇幅，留白得當，使得觀者可以將注意力完全集中在藝術品本身，而不是被文字的喧囂所打擾。清晰的圖注和必要的背景信息都恰到好處地安排在不乾擾主體視覺的角落，這種剋製的設計語言，恰恰體現瞭對藝術的尊重。翻閱時，仿佛每一次指尖的觸碰都是對曆史和創意的輕撫，那種沉浸式的閱讀體驗，遠超一般藝術圖錄的範疇。尤其是對早期現代主義那些抽象形體的重現，那種立體感和空間感，即便隻是平麵的圖像，也讓人能大緻勾勒齣原作在三維空間中的震撼力。這無疑是一本值得收藏和細細品味的視覺盛宴，每一個細節都透露著專業性和對藝術史的深刻理解。

評分☆☆☆☆☆

藝術史雕塑史值得推薦的

評分☆☆☆☆☆

好用，物美價廉，包裝完美，內容豐富。

評分☆☆☆☆☆

非常好

評分☆☆☆☆☆

不錯

評分☆☆☆☆☆

以1945年為起始點，全麵介紹瞭“二戰”之後西方當代雕塑的主要流派與代錶作品

評分☆☆☆☆☆

品位較高，設計較好，使用方便。