牛津艺术史：西方当代雕塑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 安德鲁·考西 著，易英 译

图书标签:

• 艺术史
• 西方艺术
• 当代艺术
• 雕塑
• 牛津艺术史
• 艺术
• 艺术史
• 雕塑艺术
• 现代艺术
• 艺术参考书

出版社： 上海人民出版社

ISBN：9787208122772

版次：1

商品编码：11507626

品牌：世纪文景

包装：平装

丛书名： 牛津艺术史

开本：16开

出版时间：2014-09-01

用纸：胶版纸

页数：328

字数：238000

正文语种：中文

附件数量：1

编辑推荐

　　

★ 全景呈现“二战”后西方雕塑的前卫与流变，记录艺术与现实的交锋碰撞

★ 著名美术史家、中央美术学院教授易英倾力译作，134幅当代雕塑名作插图精彩呈现

★ 西方当代受欢迎的“牛津艺术史”系列佳作之一

★ 穿透作品“似是而非”的外表，带你看懂前卫十足、充满独特想象的当代雕塑

内容简介

　　《牛津艺术史：西方当代雕塑》以1945年为起始点，全面介绍了“二战”之后西方当代雕塑的主要流派与代表作品，深度解析雕塑在表现形式与使用材料上的突破。
　　战后新世界的开启促使雕塑家们迅速告别传统，转而追求更加自由和辛辣的艺术表达，作品甚至前卫到“不像雕塑”。贾科梅蒂将一直以来位于雕塑底部的基座融入创作，让空间感更加开放；安迪·沃霍尔把随处可见的日常消费品作为使用材料，推动了名噪一时的“波普艺术”；约瑟夫·博伊斯用真正的脂肪堆砌出著名的作品《油脂椅》，以此探索分裂世界中人的本质……
　　本书生动呈现了不同雕塑作品在艺术上的前瞻性表达，忠实记录了西方当代雕塑与20世纪社会发展的积极互动，带领读者穿透众多作品“似是而非”的外表，直抵这一艺术极具爆发力的精神内核。

作者简介

　　安德鲁·考西（Andrew Causey），曼彻斯特大学现代艺术史教授，研究领域为20世纪艺术。长期为泰特美术馆、海沃德画廊遴选展品，并担任大不列颠艺术委员会当代雕塑部分采购负责人。

　　译者
　　易英，著名美术史学者、艺术批评家，中央美术学院教授、博士生导师。

内页插图

精彩书评

　　除了安德鲁·考西，没有人能够绘制出一张如此全面的战后雕塑版图。
　　——史蒂芬·巴恩（Stephan Bann） 肯特大学教授

　　本书刺激而极具说服力，既有全面透彻的分析，又有对个案的深入评论。
　　——伊丽莎白·考玲（Elizabeth Cowling） 爱丁堡大学

　　当代雕塑在战后逐渐成为一种主流艺术形式，出现了很多沿不同方向创作的雕塑家及作品，作者对此做了非常清晰的梳理。
　　——安东尼·卡罗爵士（Sir Antony Caro） 雕塑家

　　非常棒！内容翔实，不掉书袋，可读性极高。
　　——英国《卫报》

目录

导言

第一章　1945年以后的欧洲雕塑
大众化的现代雕塑
公共雕塑：战争记忆
亨利·摩尔与纪念性功能
雕塑的中间地带
贾科梅蒂与战后的巴黎
非具象传统
加博与结构主义
雕塑、建筑与纪念碑
非物质化

第二章 “新雕塑”
克莱门特·格林伯格与赫伯特·里德
美国的“新雕塑”
“恐怖几何形”
无名政治受难者
现代主义的“外表”

第三章　雕塑与日常
神话与现实
新现实主义
约翰斯与劳申伯格
波普艺术

第四章　现代主义与极少主
格林伯格的现代主义
英国的新生代
极少主义

第五章 “反形式”
雕塑的材料
“空无的视觉扫描”
怪异抽象
博伊斯与德国
贫穷艺术
作为雕塑的身体

第六章　自然媒材
从极少主义到风景
历史的回归
史密森与熵
大地艺术与欧洲
自然与工艺
雕塑与建筑

第七章　公共空间
雕塑的场地
反映人的存在
都市干预
作为公共机构的博物馆
反博物馆
作为博物馆的工作室
作为政治武器的雕塑
公共空间的挑战
纪念碑的回归？
反纪念碑
关于历史的争论

第八章　物品与人物塑像
精神与物质
“物品与雕塑”
博伊斯以后的德国
商品雕塑
人物塑像

注释
插图目录
参考文献
大事记
译名对照表

精彩书摘

　　第三章　雕塑与日常
　　神话与现实
　　战后具象雕塑的基础是战争创伤与人的困境，但到1950年代末，这些题材似乎不再热门。1959年纽约现代艺术博物馆的“人的新形象”展与同年举办的第二届卡塞尔文献展仍固定于战后的框架中，但它们已标志着一个时代的结束。年轻的英国雕塑家菲利普·金（Phillip King，1934— ）从卡塞尔回来，他把文献展描述为“似乎被非常扭曲和变形的战后情感所控制……（以及）可怕得如同擦刮自己的伤口—— 一种每个人都显现出神经质的国际化风格”。[1] 金的评论涉及英国“恐怖几何形”雕塑家热尔梅娜·里希埃的作品，也是格林伯格所谓的美国“新雕塑家”之一。他指出，对于年轻的艺术家来说，战争事实上是一种童年的记忆，在经济恢复和社会冲突趋于缓和的时代，他们还没有找到他们作品的语言。
　　战后雕塑仍然是传统的，无论怎样抽象和变形，这种雕塑都还是集中在人物形象上。自文艺复兴以来，雕塑的历史——比绘画更甚——就是适用于人物的历史，其他的种类，如风景与静物就从未能进入雕塑领域。虽然立体主义和非具象艺术开始改变这种状况，但第二次世界大战后的雕塑家的兴趣仍在“重大”主题——人的境遇——或非具象形式，一种以理想化为目标的“高级”题材。在这方面，雕塑仍然是唯一的高级艺术形式，除了少数例外。
　　1960年移居美国的英国批评家劳伦斯?阿洛维首创了“波普艺术”（Pop Art）一词，他认为波普艺术题材的大为流行，显示了艺术门类之间僵硬界限的解体。阿洛维在1958年指出， “绘画”与“雕塑”的严格分类是前工业社会秩序的产物，它恰当地体现了从启蒙运动至今的视觉艺术等级。但是，大众艺术是工业社会的主要成就，随着与工业主义相适应的社会变化，大众艺术实验与流动的价值反映了比静止、僵化和自我标榜的高级文化价值更好的文化。传统上将视觉艺术分为绘画与雕塑的行为，如今已经成了一种限制，因为这两个词具有高级艺术的内涵，而商业却将这些分类中的产品商品化，之后再以购买及拥有的概念对它们作出重新分类。[2] 阿洛维在1958年对于波普艺术和高级艺术搬用日常用品的程度并不理解（如他后来所说），这是自立体主义和达达主义以来未曾见过的规模，它标志着中产阶级趣味的扩大，而非社会整体文化的成就。波普艺术，相反于它所采用的材料，与真正的大众并无关系。
　　1960 年以后，人物形象在波普艺术装置中幸存下来。消失的是作为跨越历史的“人”，是被各种灾难或战争伤害却英雄式地幸存下来的人。在这层意义上，“人”是被“做成”这样的，是被动的，是遭受苦难的和被牺牲的。然而在新的作品中，人是现实世界里的人，即使不是积极的［图50，图52］。1960年以后，不仅波普艺术，很多抽象实物雕塑，都是与“何为关于现代生活的现代事物”相联系的。 “重大”主题被现代事物所替代。罗兰·巴特（Roland Barthes）在1957年出版的文集《神话学》（Mythologies）中指出，神话是一种语言，“我们必须将历史的局限、使用的条件指派给这种形式，将社会性重新引入神话。”[3] 神话的力量使意义跨越历史而不变，但这种力量此时正面临挑战，神话变得更像是一个时期内意识形态的反映。这不是说神话会终止它的存在，而是说玛丽莲·梦露也可以成为一个神话。
　　巴特也会从无生命物体中提取出当代象征，并认识到标准化生产在当代世界中的力量。巴特把新雪铁龙DS汽车看做是这个时代超常的不可思议的事物（“今天的汽车几乎完全等同于哥特式建筑……一个时代的超级创造”）。巴特斯的“女神”（déesse）与速度、男性气概或侵犯性无关，而是关于反射的表面、玻璃和闪亮的金属（“仪表板看起来更像现代厨房里的案板，而不是工厂的控制室”）。[4] 展示厅体验引起了巴特的注意，置身其中，表面就是一切，甚至汽车也可以没有引擎。
　　巴特的雪铁龙 DS 是现代雕塑的一个范例，它强化了菲利普·金提出的观点。雕塑的表面不再是粗糙的、坑坑洼洼的，而是平滑的、反光的。对于1960年代的雕塑，我们无法于中心处寻找到雕塑的意义，中心处并没有生命力，也没有隐藏的赋予生命意义的内核。意义就在表面。菲利普·金的《花蕾》（Rosebud，1962 年）展现了一种光滑的现代材料——玻璃纤维——以及对色彩的新用法［图57］。
　　关于《花蕾》表面的说法也适用于安迪·沃霍尔（Andy Warhol，1928—1987）的《白色布里洛盒子》 （White Brillo Boxes）［图39］或理查德·阿特什瓦格（Richard Artschwager，1923— ）的《铺着粉红桌布的桌子》（Table with Pink Tablecloth）［图40］。波普与非具象雕塑之间的区别在这个时期是不明确的，往往是暗示性的。将“低级”容纳到艺术中的主张，与对纯抽象及“高级”艺术的纯正严肃性的维护，若将这两者视为对立面，则在解决“高—低”艺术之争的问题上未免失之于简单粗暴。这两者都拒绝了1950年代的题材与材料，并重构了现代艺术的观念。波普艺术通过吸纳现代生活，并以类似于广告的新型营销与传播方式做到了这一点。而非具象艺术则是通过使用现代材料——从特种金属到玻璃纤维和注塑塑料——做到的。在抽象雕塑中的色彩运用也有别于当时运用传统材料（铸铜和木头）的新艺术。完整的表面色彩甚至有助于非具象形状与批量生产物品的组合。
　　雕塑与日常事物的相似得益于基座的消失，没有基座的雕塑就像地板上的其他物品一样，直接搁置在地面上。基座是雕塑特有的标志，是它区别于其他门类的首要标志。雕塑的可移动性带来的后果之一，便是对“这种区别到底是什么”的质疑，这也正是波普艺术在雕塑方面的主要关心问题。沃霍尔的《白色布里洛盒子》以及阿特什瓦格的《铺着粉红桌布的桌子》与现实生活中的盒子和桌子的区别是什么？同样，这些立方体与其他被称为艺术的立方体——例如罗伯特·莫里斯的作品［图66］——的区别就只在于不是盒子或桌子吗？雕塑总是比绘画更接近真实，它与人及物体一样占有空间，而绘画的空间是虚构的，是完全由画家创造出来的近似真实的空间。雕塑基座的消失突出了新的三维艺术与传统画框绘画之间的对立，因为基座之于雕塑犹如画框之于绘画，都是用以将它们与周围环境区隔开来。
　　1960年代初的三维艺术，不论是极少主义的纯粹非具象还是波普的新现实主义，总是不断地涉及立方体与盒子，这是我们把它们与工业产品联系在一起的方式。甚至绘画也在接近实物物体。例如，1957年，法国画家伊夫·克莱因在米兰的那维利奥画廊展出了一幅涂抹着单一蓝色的作品，颜色涂在绷于画框的画布上，作品悬挂在墙上，而涂色的画布本身便可以视为一个物体。克莱因的这类作品后来被美国艺术家兼批评家唐纳德·贾德（Donald Judd，1928—1994）囊括在了其对“特殊物体”（specific object）的定义之中。[5] 特殊物体是贾德认为在绘画与雕塑之间形成的一种全新类型的艺术作品，其区别在于很少甚至没有内在部分（没有“构图”），但却拥有作为物体的全部特征。属于这种类型的杰克逊·波洛克与莫里斯·路易斯都被认为是另类画家，因为“满幅”的绘画意味着这件作品不再只是用于观看画布上的色彩，而是要将颜料与画布作为一个整体事物去观看。绘画此时便如同一件物品。从雕塑的角度来看，同样重要的问题在于：构图被单一的形式所取代，因此雕塑家不再因构图技巧而被欣赏，而是要建立起艺术与生活，或艺术与工业产品之间的交谈。
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跨越时空的对话：文艺复兴大师与现代主义先驱的艺术之旅 一部深入剖析自十四世纪至二十世纪初欧洲艺术核心流变与思想转折的史诗级著作 本书旨在为读者构建一座连接古典辉煌与现代觉醒的艺术桥梁，聚焦于西方艺术史上最富创造力与变革性的时期——从文艺复兴的曙光到现代主义思潮初露端倪的漫长历程。我们摒弃对雕塑的单一聚焦，转而以广阔的视角审视绘画、建筑以及早期设计思想的演进，揭示艺术语言如何随着社会结构、哲学思辨和技术进步而不断重塑自身。 第一部：光影的复兴——人文主义的勃发（14世纪至15世纪） 本部分伊始，我们将探讨中世纪向文艺复兴过渡时期的复杂肌理。这不是一个突如其来的断裂，而是一个思想在继承中寻求突破的过程。重点分析了乔托（Giotto）在空间感和人物情感表达上的革命性贡献，他如何将神圣叙事拉回了人类可感知的维度。 随后，叙事将深入佛罗伦萨的心脏地带。我们将细致考察早期文艺复兴艺术家的成就，他们如何系统地研究古典遗存，并将“人”置于宇宙的中心。马萨乔（Masaccio）的透视法探索，不仅仅是技术上的突破，更是对理性、秩序和人类潜能的哲学宣言。我们不仅讨论其壁画的视觉效果，更深挖其背后对柏拉图主义和新柏拉图哲学的吸收。 在这一阶段，建筑艺术扮演了至关重要的角色。布鲁内莱斯基（Brunelleschi）对万神殿的重新发现与应用，以及他主持的佛罗伦萨大教堂穹顶的建造，被视为一次工程学与美学理念的完美联姻。本章将详细剖析拱券结构、比例关系以及和谐原则在文艺复兴建筑中的回归，探讨这些形式如何反映了对古罗马秩序的向往。此外，早期制图学的发展如何影响了绘画中“有限空间”的构建，是本部分不可或缺的研究内容。 第二部：巅峰与扩散——古典主义的成熟与情感的张力（16世纪） 文艺复兴盛期（High Renaissance）被视为西方艺术理性和完美的顶峰。本部分将集中剖析“三巨头”——达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔——各自独特的贡献与相互影响。 达·芬奇不仅仅是一位画家，他代表了“文艺复兴人”的理想。我们将从其解剖学研究、光影晕染法（Sfumato）的细微处理，探讨其对自然世界观察的深度，以及这些观察如何转化为画面中难以言喻的心理深度。 米开朗基罗的艺术，尤其是西斯廷教堂天顶画，则标志着从和谐向更具英雄主义、甚至有些不安的“造型力量”的转变。本章将对比分析他早期作品中对人体比例的理想化处理与后期作品中蕴含的悲剧性力量，探究其深受尼奥柏拉图主义影响的精神追求。 同期，威尼斯画派的崛起为艺术注入了新的维度。提香（Titian）对色彩（Colorito）的极致运用，挑战了佛罗伦萨的“素描至上”（Disegno）传统。我们将考察威尼斯独特的地理环境、光照条件以及贸易带来的异域文化影响，如何催生出更加感性、更富于氛围的绘画风格。 第三部：风格的叛逆——矫饰主义与巴洛克的激情（16世纪中叶至17世纪） 16世纪中叶，文艺复兴的完美主义面临挑战，艺术进入了“矫饰主义”（Mannerism）时期。这一时期的作品，如帕尔米贾尼诺（Parmigianino）和丁托列托（Tintoretto）的作品，通过拉伸的形体、不稳定的构图和怪诞的色彩，表达了对既有古典和谐的焦虑和疏离感。本书将详细阐述矫饰主义如何作为对盛期理想幻灭的一种反应，为后来的巴洛克艺术的戏剧性爆发埋下了伏笔。 巴洛克（Baroque）艺术的兴起，与反宗教改革的时代背景紧密相连。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对比法”（Tenebrism）并非简单的光效，而是将神圣事件置于世俗的、充满戏剧冲突的现实场景中，以此直接冲击观者的情感。 在北方，彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）的作品则展现了巴洛克艺术的另一种面貌：宏大叙事、丰腴的生命力与动态的节奏感。本书将比较意大利的宗教驱动型巴洛克与佛兰德斯的世俗赞助型巴洛克在主题和表现手法上的差异。此外，十七世纪荷兰的黄金时代，特别是伦勃朗（Rembrandt）对内心世界的深入挖掘，代表了艺术关注点向个人经验的微妙转向。 第四部：光线的解析与古典的终结（18世纪与启蒙时代） 十八世纪，艺术界展开了对过去风格的重新审视与对新思想的接纳。洛可可（Rococo）的轻盈、感性与对贵族享乐生活的描绘，与启蒙运动提倡的理性、道德和公民美德形成了鲜明的对比。 新古典主义（Neoclassicism）的兴起，以雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）为代表，是对巴洛克与洛可可的直接反动。它推崇古希腊罗马的简洁、清晰的线条、明确的叙事，以及强烈的道德说教意味。本书将分析考古学发现（如庞贝遗址）如何直接影响了建筑和绘画的“风格复兴”，以及这种复兴如何为即将到来的革命浪潮提供了视觉语言。 第五部：情感的爆发与现代的黎明（19世纪初叶） 浪漫主义（Romanticism）是对启蒙理性的反思与对个人主体性、非理性力量的回归。它颂扬了崇高（The Sublime）、自然的力量和个体的激情。德拉克洛瓦（Delacroix）的色彩运用、戈雅（Goya）对人类黑暗面的揭示，以及特纳（J.M.W. Turner）对光线和氛围的抽象化处理，都预示着艺术将越来越脱离对客观现实的忠实模仿。 十九世纪中叶，工业革命带来了社会结构的剧变，艺术开始直面现代都市生活和新兴资产阶级的现实。现实主义（Realism）的勃兴，以库尔贝（Courbet）为代表，拒绝了历史题材和神话故事，坚持描绘“此时此地”的普通人与日常劳动。 本书的收尾部分，将聚焦于印象派（Impressionism）对传统绘画媒介的颠覆。莫奈（Monet）对瞬间光影的捕捉，以及塞尚（Cézanne）对几何结构与多重视角的探索，标志着西方艺术从对“可见世界”的再现，彻底转向对“感知过程”本身的审视。这些努力，为二十世纪初的立体主义和更广泛的现代艺术运动奠定了坚实却充满矛盾的基石。 全书特色： 本书不侧重于个别艺术家的生平传记，而是以“艺术概念的演变”为核心线索，追踪如“完美比例”、“光线处理”、“英雄叙事”等核心美学理念在不同时代语境下的再生与变形。通过对艺术史文献、哲学思潮和技术变革的多维度交叉分析，读者将能深刻理解文艺复兴至现代转型期艺术的内在逻辑与深层动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种厚重而又不失典雅的气质，光是捧在手里就能感受到出版方的用心。内页的纸张质感极佳，印刷色彩的还原度非常到位，即便是那些复杂的雕塑肌理和光影变化，都能在纸面上得到细腻的呈现。我特别欣赏它在版式布局上的处理，每一件作品的配图都占据了相当大的篇幅，留白得当，使得观者可以将注意力完全集中在艺术品本身，而不是被文字的喧嚣所打扰。清晰的图注和必要的背景信息都恰到好处地安排在不干扰主体视觉的角落，这种克制的设计语言，恰恰体现了对艺术的尊重。翻阅时，仿佛每一次指尖的触碰都是对历史和创意的轻抚，那种沉浸式的阅读体验，远超一般艺术图录的范畴。尤其是对早期现代主义那些抽象形体的重现，那种立体感和空间感，即便只是平面的图像，也让人能大致勾勒出原作在三维空间中的震撼力。这无疑是一本值得收藏和细细品味的视觉盛宴，每一个细节都透露着专业性和对艺术史的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书在地域覆盖的广度上，给我带来了极大的惊喜。我原以为这类主题的书籍会过于偏重欧美中心，但翻开目录后发现，它对亚洲、拉丁美洲，甚至是非洲当代雕塑实践的关注，达到了一个前所未有的深度。这种全球性的视野，使得我们对“当代”这个概念的理解不再局限于特定的文化圈层，而是看到了一个真正多元、相互对话的创作生态。例如，书中对特定非西方文化背景下，传统手工艺与现代雕塑观念融合的案例分析，令人耳目一新，那些作品在形式上可能简洁，但其背后的文化张力和历史重量却是巨大的。我感觉作者在收集这些案例时，付出了巨大的田野调查和跨文化研究的精力，这绝非仅靠图书馆资料就能完成的。它成功地打破了文化隔离，让那些原本分散在全球各地的声音汇聚一堂，共同探讨诸如身份认同、全球化冲击等当代议题，极大地丰富了我对当代艺术版图的认知。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期关注艺术理论发展的人来说，我发现这本书的叙事结构非常新颖，它避开了传统艺术史那种流水账式的编年体叙述，而是采用了主题串联的方式，将不同时期、不同地域的雕塑家并置讨论，这极大地拓宽了我的思考维度。作者在探讨材料的运用和媒介革新时，展现了惊人的洞察力，比如他对工业材料如何被引入雕塑语境，以及这些新材料如何反过来重塑了艺术家对“形体”的定义，分析得入木三分。我尤其喜欢其中关于“非物质性”雕塑的章节，它探讨了观念艺术思潮如何挑战了雕塑的物质基础，这对于理解当代艺术的边界在哪里至关重要。行文的逻辑性极强，论证层次分明，即便是面对一些晦涩难懂的后结构主义理论对雕塑的影响，作者也能用相对平实的语言进行解释，避免了纯理论著作的艰涩感。它不是在简单罗列作品，而是在构建一个关于“雕塑之为雕塑”的动态哲学体系，引导读者去质疑那些看似理所当然的定义。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验的流畅性，在某种程度上决定了一本书的价值。这本书在这方面做得非常出色，它的文字如同富有韵律感的散文，既有学者的严谨，又不失文学的感染力。尤其是作者在描述艺术家创作心境和作品爆发力时的笔触，极具画面感。我常常在阅读某一段描述时，会不自觉地停下来，闭上眼睛，仿佛真的“看”到了艺术家在工作室里挥汗如雨的场景，或者材料在手中被驯服的瞬间。这种代入感极强，完全不同于那些枯燥的学术论文。比如，书中对某位以巨型装置著称的雕塑家在早期小型作品创作时的心路历程的描述，细腻到让人能感受到那种从微观到宏观的尺度转变，以及其中蕴含的艺术家对自身局限的突破与挣扎。这种将“人”的挣扎置于“作品”之上的写作手法，使得原本冰冷的形式探讨瞬间充满了人性的温度，让人在知识获取的同时，也收获了一次情感上的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的参考资料和索引部分做得极为详尽和专业，这对于任何希望进一步深入研究的读者来说，都是无价之宝。不仅仅是列出了主要参考书目，它还细致地标注了大量原始访谈记录、展览图录以及重要评论文章的出处，这种对细节的执着，体现了作者极高的学术标准。更让我欣赏的是，它还提供了一份详尽的艺术家生平和重要展览时间轴，虽然这部分内容看似是辅助性的，但它极大地便利了读者在阅读正文时，可以随时对照查阅艺术家的职业生涯轨迹，避免了在理解作品语境时产生的知识断层。对于一个想要撰写相关论文或者进行深度研究的爱好者而言，这本书提供的线索和指向性链接，几乎相当于搭建了一个初步的研究框架。它不仅仅是一本供人阅读的书，更像是一个精心策划的、可以引向更广阔学术领域的“知识导航仪”。

评分☆☆☆☆☆

必须文艺范儿 既然装逼就装到底

评分☆☆☆☆☆

牛津的《西方当代雕塑》值得一看。

评分☆☆☆☆☆

买了一整套，效果棒棒哒！

评分☆☆☆☆☆

好////////////////

评分☆☆☆☆☆

书很棒，比较专业，需要仔细读

评分☆☆☆☆☆

已经开始读了，内容很丰富，视野很独特，喜欢

评分☆☆☆☆☆

品位较高，设计较好，使用方便。

评分☆☆☆☆☆

还不错的书。挺厚的。

评分☆☆☆☆☆

挺好的