中国艺术史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

MichaelSullivan 著

图书标签:

• 中国艺术史
• 艺术史
• 中国艺术
• 美术史
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 陶瓷
• 书法
• 艺术理论

店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海人民出版社

ISBN：9787208120518

商品编码：1187750663

出版时间：2014-04-01

作  者:(英国)Michael Sullivan；徐坚 定  价:79 出 版 社:上海人民出版社 出版日期:2014年04月01日 页  数:350 装  帧:平装 ISBN:9787208120518 ●英文版第五版序
●**章 历史文明的曙光
●第二章 早期青铜时代：商和西周
●第三章 东周和战国时代艺术
●第四章 秦汉艺术
●第五章 三国六朝艺术
●第六章 隋唐艺术
●第七章 五代与两宋艺术
●第八章 元代艺术
●第九章 明代艺术
●第十章 清代艺术
●第十一章 20世纪*国艺术
●注释
●参考书目与延伸阅读
●图版说明

内容简介

苏立文院士关于*国艺术史的集大成之作。通过梳理远古、先秦、秦汉等历朝历代直至20世纪的*国艺术，将*国艺术的不同门类--建筑、雕刻、绘画、陶瓷等在不同时代的表现形式及特点清晰、细致、全面地展现在读者面前。 (英国)Michael Sullivan；徐坚 迈克尔·苏立文（Michael Sullivan，1916—2013） 牛津大学圣凯瑟琳学院荣誉退休院士，曾在剑桥大学、斯坦福大学等多所高校和研究机构从事教学及研究。荣获过美国国家人文基金会、古根海姆基金会、洛克菲勒基金会等多所机构颁发的多项荣誉和研究基金。1940年代来到中国，并开始接触中国艺术，结识了庞薰琹、吴作人、丁聪、郁风、关山月、刘开渠等中国现代艺术家，此后一直与几代中国艺术家和诸多艺术机构来往密切。毕生专注于中国艺术的研究和传播，是很早向西方引介中国现代艺术的西方学者之一，并成为这一领域的靠前。著有《中国艺术史》《20世纪中国艺术与艺术家》《东西方艺术的交会》等等

好的，这是一本关于欧洲文艺复兴时期艺术的图书简介，完全不涉及中国艺术史的内容，力求详实且自然： --- 凝视彼岸：文艺复兴的灵光与理性之光（1400-1600） 本书聚焦于人类文明史上一个关键的转折点——欧洲文艺复兴（Renaissance）时期，从15世纪初的佛罗伦萨萌芽，到16世纪末的“风格主义”余晖，系统梳理了这一伟大时代在绘画、雕塑和建筑三大领域中涌现的革命性思想、技术突破及其背后的社会文化驱动力。 文艺复兴，字面意义是“再生”，它标志着欧洲从长达千年的中世纪（Medieval Period）的宗教主导和形而上学思维中解放出来，重新拥抱古希腊罗马的古典遗产，并将焦点从神性世界转向了人（Humanity）。本书旨在深入剖析，艺术家们是如何在这一过程中，重塑了我们观看世界和描绘现实的方式。 第一部分：黎明前的准备与佛罗伦萨的诞生（Quattrocento的先声） 本卷首先考察了14世纪末期，受彼特拉克人文主义思想熏陶下，艺术界对自然观察的初步回归。随后，我们将聚焦于15世纪的佛罗伦萨，这个由美第奇家族慷慨赞助的文化熔炉，如何成为这场艺术革命的摇篮。 马萨乔（Masaccio）的透视革命： 我们将详细解析马萨乔在圣母百花大教堂附近的布兰卡契礼拜堂（Brancacci Chapel）壁画中实现的几何学上的精确性。他如何应用布鲁内莱斯基（Brunelleschi）确立的线性透视法（Linear Perspective），首次在二维平面上创造出可信的、可量化的三维空间？这不仅仅是技术的进步，更是世界观的转变——宇宙开始被理性所理解和丈量。 雕塑的复苏与人体赞歌： 多那太罗（Donatello）是焦点。通过分析其青铜《大卫》的原创性——这是自古典时代以来首件独立的男性裸体雕塑——本书探讨了文艺复兴如何赋予了人体以尊严与英雄气概。他的作品如何融合了古典的理想化与写实的观察，标志着中世纪对肉体禁欲观念的突破。 建筑的回归与理性秩序： 布鲁内莱斯基的圣母百花大教堂穹顶工程，不仅是工程学的奇迹，更是人文主义精神的象征。本书将细致研究他如何借鉴古罗马的结构知识，结合新的测量工具，完成了这一不可能的任务。建筑不再仅仅是上帝的荣耀之所，更是人类智慧的纪念碑，强调对称、比例与清晰的几何结构。 第二部分：盛期文艺复兴的辉煌与理想化（Cinquecento的顶点） 进入16世纪，艺术的中心从佛罗伦萨逐渐转移至罗马，在教皇尤利乌斯二世等强力赞助人的推动下，文艺复兴达到了其理想主义的巅峰。这一时期的艺术不再满足于对客观世界的模仿，而是追求一种超越现实的完美与和谐。 “三杰”的对垒与融合： 列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）： 我们将深入分析“永恒的巨人”达·芬奇的科学与艺术的统一。重点剖析《蒙娜丽莎》中“晕染法”（Sfumato）的运用，探讨这种模糊的、充满空气感的笔触如何捕捉到人类内在复杂的情感状态，超越了简单的肖像描绘。同时，对《最后的晚餐》的空间组织和人物心理刻画进行详尽解读，展示其对戏剧性叙事的掌握。 米开朗基罗（Michelangelo Buonarroti）： 本书将米开朗基罗视为“神圣的艺术家”，其作品充满了原始的力量和对人类潜力（尤其是男性形体）的激情。对西斯廷教堂天顶画，特别是“创造亚当”的分析，将着重探讨其对古典英雄体型的借鉴，以及他如何通过强烈的动势（Terribilità）表达人类与神性之间的张力。 拉斐尔（Raphael Sanzio）： 拉斐尔是“和谐与完美”的代名词。我们将剖析他在梵蒂冈教皇宫殿中的“圣礼之辩”与“雅典学院”的构图策略。后者被视为文艺复兴理想的最高体现，它以古典建筑为背景，巧妙地将柏拉图、亚里士多德等古代哲学家并置，象征着古典智慧与基督教信仰的完美调和。 第三部分：地域差异与风格的演变（威尼斯画派的色彩革命） 文艺复兴并非铁板一块。本书的第三部分将探讨意大利其他重要艺术中心的独特贡献，特别是威尼斯画派对色彩和光线的革命性运用，这为后世巴洛克艺术铺平了道路。 光与色的魔术： 威尼斯艺术家如乔尔乔内（Giorgione）、提香（Titian）和丁托列托（Tintoretto）不再将线条和素描（Disegno）置于色彩（Colorito）之上。提香的晚期作品中，笔触变得松动、色彩浓郁，皮肤和布料仿佛被光线本身所塑造。我们将对比佛罗伦萨的严谨素描与威尼斯的即时色彩感受，理解这种地域美学差异的根源——与湿润、光线强烈的气候环境和商业社会对感官愉悦的接受度息息相关。 第四部分：风格主义的焦虑与转折（Mannerism的内在动荡） 16世纪中叶，随着宗教改革带来的冲击和罗马的洗劫，盛期文艺复兴的和谐感开始瓦解。本书将探讨“风格主义”（Mannerism）作为对古典完美的反动和过渡阶段的重要性。 风格主义的艺术家，如帕尔米贾尼诺（Parmigianino）和布龙齐诺（Bronzino），故意拉长形体、使用不和谐的色彩和扭曲的空间感。这反映了艺术家不再满足于描绘理想世界，而是开始探索内在的、焦虑的、高度个人化的情感状态。这种“人为”的风格，预示着下一轮艺术革命——巴洛克的戏剧性——的临近。 结语：跨越时空的遗产 本书最后总结了文艺复兴对西方艺术史不可磨灭的影响：它确立了艺术家作为创造性天才的地位，发明了影响后世数个世纪的视觉技术，并成功地将古典美学原则融入了新兴的基督教文化框架之中。通过对建筑、雕塑和绘画的细致解读，读者将能够全面理解，文艺复兴是如何在极短的时间内，将欧洲艺术带入了一个崭新的、以人为本的、理性与情感并存的时代。 本书的插图精选了数百件高清文物图片，辅以详尽的图注和背景资料，为研究者和爱好者提供了一部全面而深刻的视觉指南。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本探讨近现代设计史的书，是冲着它对“国家形象建构”这一主题的切入点。它完全跳脱了传统的艺术家个人传记叙事，而是将焦点集中在民国时期，知识分子群体如何通过字体设计、海报宣传乃至公共设施的标识系统，试图塑造一个全新的、现代化的国民形象。书中对“新文化运动”时期字体排印学的演变着墨颇多，那些从宋体、黑体到活体印刷机引进的每一个细节，都清晰地反映了社会思潮的转变——从传统士人审美的“雅”到面向大众传播的“准”。特别是在分析抗战时期宣传美术时，作者引用了大量档案照片和未曾发表的设计稿，那些强烈的视觉符号和简洁有力的口号，即使在今天看来，依然具有震撼人心的力量。这本书成功地证明了“设计”绝不仅仅是美化外表，它是在特定历史环境下，国家意志和民众心理交锋的最前沿阵地。阅读过程中，我不断地在思考，我们现在所习以为常的视觉规范，其根源究竟可以追溯到哪个时代的哪一次集体审美决策。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特之处在于它采用了“地方志”式的微观视角，来审视一个宏大的文化现象——江南园林艺术的精髓。它抛弃了对苏州园林的泛泛而谈，而是深入到几个具体的私家园林中，通过对叠山理水、花木配置乃至亭台楼阁命名背后的文人典故进行“考古式”的发掘。例如，书中对某一处漏窗的“借景”手法的分析，竟然追溯到了唐代诗人的一句边塞诗，这种跨越时空的联想，极大地丰富了园林空间的叙事性。作者的语言风格非常典雅，充满了江南特有的那种含蓄、精致的美感，读起来让人心神宁静，仿佛真的置身于烟雨迷蒙的廊下。对于那些热爱园林文学和空间美学的人来说，这本书无疑是一座宝库。唯一的缺憾或许是，它对南方园林的偏爱稍显突出，对北方皇家园林的对比分析略显单薄，未能提供一个更完整的南北差异图景，但瑕不掩瑜，它在微观深挖上所达到的深度，已经远远超出了我的预期。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏，像极了一部精心剪辑的纪录片，流畅却充满张力。它没有采取时间线式的编年体，而是以“材料的哲学”作为主线，探讨了玉器、青铜器和瓷器这三大核心载体在不同历史时期的文化意义变迁。对玉器的论述尤其精彩，从良渚文化中对“礼器”的崇拜，到汉代对“君子比德于玉”的道德附会，再到明清时期玉雕工艺的世俗化和玩物化，作者通过对玉石“温润”特质的持续探讨，串联起了中国几千年的精神脉络。这种以物观史的视角，让抽象的文化概念变得触手可及。相比之下，对青铜器纹饰的分析虽然详尽，但或许过于偏重符号学的解读，使得那些厚重、狞厉的饕餮纹饰，在文字的解析下，似乎少了一丝原初的神秘感。总的来说，它是一部能引导你重新审视你家客厅里摆设的工艺品的“思想之书”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度和广度，让习惯了通俗读物的我，在阅读初期着实感到了一丝“智力上的挑战”，但随后的收获却是巨大的。它并非一本轻松的“艺术鉴赏入门”，而更像是一部严肃的美学史论。作者似乎对西方现代艺术理论有着深刻的理解，并将一些现代批评视角巧妙地融入对传统雕塑和建筑的研究中。我印象最深的是关于宋代建筑“间架结构”的讨论，书中用了一种类似结构主义的分析方法，解构了斗拱系统的功能性和象征性，这与我以往理解的“木结构力学”完全是两个维度。这种跨学科的对话，让原本冰冷的石头和木头重新焕发了思想的光芒。唯一美中不足，或许是行文中引用的古籍文献过于密集，对于没有扎实古文基础的读者来说，时不时需要停下来查阅注释，这打断了阅读的流畅性，但考虑到其学术严谨性，这种“慢阅读”的体验或许也是一种必要的“沉浸”。

评分☆☆☆☆☆

这部关于古代绘画的专著，简直是为我这种对敦煌壁画和宋代山水画痴迷的业余爱好者量身定做的“夜读伴侣”。作者的叙事功力着实了得，他没有把那些晦涩难懂的朝代更迭和技法名词堆砌在读者面前，而是像一位经验丰富的导游，带着我们缓步走进每一幅作品的“生命现场”。比如，书中对唐代吴道子“吴带当风”的解读，绝非简单的风格描述，而是结合了当时的社会风气、宗教信仰，乃至文人士大夫的审美趣味，层层剥开其艺术内核。尤其是对工笔重彩的细腻分析，那些矿物颜料的来源、晕染的层次感，甚至是绢帛底料的选择，都有翔实的考证支撑，读起来仿佛能闻到颜料散发的微弱气味。更让我惊喜的是，作者对于不同地域画派的比较分析，如北宗的雄健与南宗的清逸，绝非简单的二元对立，而是展示了它们之间相互影响、彼此渗透的复杂关系，这极大地拓宽了我对中国画“流派”概念的理解。这本书的配图质量也无可挑剔，高清的局部放大图，让那些历经千年的笔触细节得以重现，每一次翻阅都是一次对匠心精神的致敬。