西方美术史：从17世纪到当代 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邵亦杨 著

图书标签:

• 美术史
• 西方美术
• 艺术史
• 17世纪
• 18世纪
• 19世纪
• 20世纪
• 当代艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301236161

版次：1

商品编码：12080353

包装：平装

丛书名： 博雅大学堂·艺术

开本：16开

出版时间：2014-03-01

用纸：胶版纸

页数：312

字数：253000

编辑推荐

　　《西方美术史：从17世纪到当代》是一本系统讲述从17世纪到当代艺术的教材，对各个时期艺术的时代背景、代表艺术家、重要艺术流派及其代表作进行了细致的鉴赏和分析，对于我们了解各个时期的艺术风格和著名作品颇有助益，是一本帮助学生了解西方美术史的入门教材。

此商品有两种封面，随机发货。

内容简介

　　《西方美术史：从17世纪到当代》系统讲述了17世纪以降至今的欧美各国的艺术，对各个时期、国家的代表性艺术家进行了详细的分析，清晰地梳理出世界美术史发展的主要脉络和各个时期重要的艺术流派、美术家和重要作品，配有大量的相关美术作品，图文互证。

作者简介

　　邵亦杨，中央美术学院副教授，人文学院外国美术史教研室主任，悉尼大学美术史硕士、博士，国家社会科学基金艺术学重点项目"西方现代视觉文化与艺术研究"负责人，2011年教育部新世纪优秀人才支持计划获得者，主要从事西方美术史、西方现当代艺术研究和教学，有多部著作出版。

目录

17—18世纪欧洲艺术
第十五章 17世纪巴洛克时期的欧洲艺术
第十六章 18世纪罗可可时期的欧洲艺术
19世纪欧洲艺术
第十七章 新古典主义
第十八章 浪漫主义
第十九章 现实主义
第二十章 从印象主义到后印象主义
20世纪以来的西方现当代艺术
第二十一章 1945年之前的西方现代艺术
第二十二章 1945年之后的西方现当代艺术

西方美术史：古典辉煌与现代回响 本书并非对西方艺术史既定的分期进行线性梳理，而是以一种非传统的视角，聚焦于那些塑造了我们今日审美观念，并持续激发后世艺术家灵感的关键时期、流派与思潮。我们将绕过某些枯燥的年代划分，直接深入那些最具生命力、最具变革性的艺术语境，探寻它们如何从古典的基石上生长，又如何在现代浪潮中绽放出迥异的光彩。 第一乐章：黄金时代的遗响与巴洛克的激情 我们将从17世纪的欧洲说起，这并非仅仅是路易十四的凡尔赛宫所代表的绝对主义的辉煌，更是巴洛克艺术那充满戏剧性、动感与情感张力的视觉盛宴。卡拉瓦乔的“光影魔术”如何颠覆了传统，将现实的粗粝与神圣的虔诚融为一体？伦勃朗对人性深邃的洞察，又如何在《夜巡》这样宏大的集体肖像中得以展现？我们也将审视彼得·保罗·鲁本斯笔下那充满生命力的色彩与动态，以及他如何将古典的宏大叙事与巴洛克式的激情完美结合。 然而，17世纪的艺术并非只有巴洛克的激昂。我们也会关注北方静谧的风景画，例如雅各布·范·鲁伊斯达尔的壮丽山河，以及荷兰黄金时代那些充满生活气息的室内画，如维米尔笔下光影流转的温柔时光。这些作品如何反映了当时的社会变迁，以及个人情感的微妙流露，将是我们的探讨重点。 第二乐章：洛可可的精致与新古典主义的复兴 随着18世纪的到来，欧洲艺术的重心在某种程度上转向了更为精致、优雅甚至有些轻佻的洛可可风格。华托笔下的“舟船欢会”所营造的梦幻氛围，布歇与弗拉戈纳尔笔下那些充满情趣与感官愉悦的画面，它们如何回应了宫廷贵族的生活情趣？我们也将深入探讨洛可可艺术背后的社会文化语境，分析其与启蒙思想的微妙关系。 紧随其后，一股对古典罗马与希腊艺术的“复兴”浪潮席卷欧洲。雅克-路易·大卫的《荷拉斯兄弟之誓》所宣扬的共和精神与道德力量，如何成为法国大革命前夕的艺术宣言？安格尔对古典形式的极致追求，以及他笔下线条的精确与宁静，又如何与同时代浪漫主义的激情形成鲜明对比？我们将探究新古典主义为何能在动荡的时代背景下，重新寻找秩序与理性，以及它对后世艺术的深远影响。 第三乐章：浪漫主义的自由之歌与现实主义的呐喊 19世纪上半叶，浪漫主义艺术如同奔腾的野马，冲破了古典主义的束缚。德拉克洛瓦笔下充满激情与异域情调的色彩，如《自由引导人民》，如何成为那个时代革命精神的象征？戈雅对人类苦难与战争残酷的深刻揭示，又如何展现了艺术家对社会现实的批判性反思？从风景画的巨匠透纳对光与色彩的迷幻探索，到音乐家贝多芬的交响乐所传达的英雄主义与个人情感的奔放，我们将看到浪漫主义如何将艺术家的情感、想象力与对自由的渴望推向极致。 与浪漫主义的浪漫情怀并行，一股对现实生活毫不回避的“现实主义”思潮逐渐兴起。古斯塔夫·库尔贝直接将农民、工人等普通人的生活搬上画布，挑战了传统的艺术主题和审美观念。米勒笔下的《拾穗者》所展现的辛勤劳作与朴实尊严，又如何引发了人们对社会公平的思考？我们将分析现实主义艺术家如何用画笔记录时代，揭示社会问题，并赋予普通人以艺术的地位。 第四乐章：印象派的光影革命与后印象派的探索 19世纪下半叶，艺术史迎来了划时代的变革——印象派的诞生。莫奈如何捕捉光线在不同时间、不同天气下的瞬息万变，将自然界的“印象”直接呈现在画布上？雷诺阿笔下明快、温暖的女性肖像与社交场景，又如何展现了巴黎市民的优雅生活？德加对芭蕾舞演员与赛马场景的捕捉，则以其独特的视角和对瞬间动态的敏锐感知，开创了新的艺术表现方式。我们将深入研究印象派如何突破画室的限制，走向户外，以及他们对色彩、笔触和光线的全新理解，如何彻底改变了人们观看世界的方式。 紧随其后，一群艺术家在印象派的基础上，进行了更为个人化、更为深入的探索，他们便是后印象派。梵高炽热而扭曲的笔触，如《星夜》，如何将内心的情感与宇宙的神秘融为一体？高更鲜艳的色彩与象征意义，如塔希提岛的画作，如何表达了他对文明的反思与对原始纯真的向往？塞尚对形体结构与空间关系的理性分析，如《圣维克多山》，又如何为日后的立体主义埋下了伏笔？我们将分析后印象派艺术家们如何从各自独特的角度，将印象派的视觉革命引向更深的哲学与情感层面。 第五乐章：20世纪的多元光谱与当代的回响 进入20世纪，西方艺术的面貌变得前所未有的复杂和多元。野兽派马蒂斯那纯粹而大胆的色彩运用，如何以“野兽”般的激情颠覆了传统的审美？立体主义毕加索和布拉克对物体的解构与重组，如《亚维农的少女》，又如何彻底改变了我们对空间与观看的认知？表现主义艺术家如蒙克，如何将内心深处的焦虑与恐惧转化为具有强烈冲击力的视觉形象？ 达达主义和超现实主义的出现，更是对艺术的传统定义发起了挑战。杜尚的“现成品”艺术，以及超现实主义艺术家如达利对梦境与潜意识的探索，它们如何质疑了艺术的本质，并为当代艺术的实验性奠定了基础？我们将探讨抽象艺术的兴起，从康定斯基的纯粹精神表达，到蒙德里安的几何抽象，以及波洛克“行动绘画”的随机性与能量。 而到了当代，艺术的边界被无限拓宽。从极简主义的回归物质本身，到概念艺术对观念的强调，再到各种跨媒介、跨学科的艺术实践，我们所处的时代，艺术不再局限于画布或雕塑。各种新的媒介，如摄影、装置、行为艺术、数字艺术层出不穷，艺术家们以前所未有的自由度，回应着全球化、科技发展、社会变革等复杂议题。 本书的重点在于，我们并非简单罗列这些艺术史上的“主义”或“大师”，而是要深入剖析它们产生的土壤，探究它们所处的时代精神，以及它们之间相互碰撞、相互影响的复杂关系。我们将关注那些被遮蔽的声音，那些非主流的艺术实践，以及艺术史叙事背后可能存在的权力关系。最终，我们希望读者能够跳出固有的艺术史框架，以一种更开放、更批判的眼光，去理解西方艺术的脉络，感受其跨越时空的生命力，并从中获得对我们当下生活与思考的启示。这趟旅程，将是一次关于视觉、思想与情感的深度探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的是，作者对于艺术史发展的内在逻辑的梳理。他不仅仅是按照时间顺序罗列作品，而是能够清晰地揭示出不同时期、不同流派之间的关联、继承与颠覆。比如，在讲述从新古典主义到浪漫主义的转变时，作者会详细分析大卫的作品如何强调理性、秩序和宏大叙事，而德拉克洛瓦的作品则如何释放情感、色彩和个人英雄主义。他会对比两位艺术家在同一题材上的不同处理方式，让我们直观地感受到时代精神的变化。我特别欣赏作者在分析印象派对传统绘画的“革命”时，他不仅仅停留在“写实”的对立面，而是深入探讨了印象派艺术家们如何关注“瞬间”的光影变化，如何捕捉主观的视觉体验，以及这种关注如何预示了现代艺术的到来。作者还会引用同时代评论家的观点，来展现当时社会对这些新艺术形式的反应，这种多维度的视角，让艺术史的叙述更加立体和真实。他对于20世纪初包豪斯设计理念的介绍，也让我看到了艺术与设计、技术如何融合，以及这种融合如何塑造了我们今天的日常生活。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己像是经历了一场穿越时空的艺术之旅，尤其是作者在描述19世纪末到20世纪初的印象派和后印象派时，那份激动人心的笔触，仿佛让我亲身站在了莫奈的画架旁，感受着光影在画布上跳跃的生命力。作者对塞尚的分析尤其深刻，他没有把塞尚简单地归类为“后印象派”，而是强调了他如何以一种前所未有的方式去解构形体，为后来的立体主义埋下了伏笔。我记得作者用了整整一个章节来讨论“现代性”这个概念在艺术中的体现，以及艺术家们如何回应工业革命、城市化和摄影技术的挑战。从马奈大胆的笔触和对现实题材的关注，到德加对芭蕾舞女的细腻捕捉，再到梵高炽热的情感表达和独特的色彩运用，作者都用极其生动的语言，将这些艺术家的创作理念和实践呈现出来。他会引用艺术家的书信、同时代的评论，甚至是对他们生活环境的描述，来帮助读者更全面地理解作品。让我印象深刻的是，作者在谈到野兽派时，并没有仅仅停留在“色彩大胆”的层面，而是深入剖析了马蒂斯如何通过简化形体和运用纯粹的色彩来表达情绪和营造装饰性，这种分析让我对“野兽”这个称谓有了更深层次的理解。整本书的行文流畅，虽然内容深厚，但读起来并不会感到枯燥乏味，反而充满了探索的乐趣。作者仿佛是一位经验丰富的向导，不仅指引我看山川湖海，更让我看到隐藏在风景背后的地质构造和生命演化。

评分☆☆☆☆☆

让我感到惊喜的是，这本书的叙事风格非常灵活，并不拘泥于传统的学院派论述。作者时而像一位饱学的教授，旁征博 dikutip；时而又像一位热情的朋友，用生动的比喻和故事来阐述复杂的艺术理论。在讲述17世纪的荷兰黄金时代时，他详细描绘了那个时代绘画的繁荣景象，从伦勃朗的肖像画中捕捉人性的光辉，到维米尔的家居场景中流淌出的宁静诗意，再到哈尔斯的生动笔触，作者的文字如同电影画面般在我脑海中展开。他不会回避那些争议性的艺术家或作品，而是会提供多角度的分析，引导读者自己去判断。比如，在介绍18世纪的英格丽·温盖特时，作者详细阐述了她如何通过她那充满讽刺意味的肖像画来揭示社会阶层的虚伪和人性的弱点，这种对细节的挖掘和对艺术家创作意图的推测，都显得非常引人入胜。他甚至会穿插一些关于艺术品拍卖、画廊经营等现实层面的描述，让我们感受到艺术不仅仅存在于博物馆和画册中，也与我们的生活息息相关。阅读这本书，就像是走进了一个巨大的艺术宝库，每一个展柜都陈列着一段历史，每一个展品都讲述着一个故事。

评分☆☆☆☆☆

在我阅读的过程中，我发现这本书并非那种高高在上、令人生畏的学术著作。作者的语言充满活力，而且善于将抽象的艺术理论具象化。例如，在讨论19世纪末的象征主义时，作者并没有仅仅停留在“象征”这个词汇本身，而是通过对莫罗、雷东等艺术家的作品进行细致的解读，让我们看到了他们如何用神秘、梦幻的意象来表达内心深处的精神世界。他会将莫罗画中的神话人物与当时的社会思潮联系起来，让我们感受到一种隐秘的、超越现实的艺术追求。同样，在讲述20世纪的超现实主义时，作者通过对达利、马格利特等人的作品分析，让我们看到了他们如何利用梦境、潜意识来挑战理性的边界，创造出令人惊叹的视觉奇观。他会引用弗洛伊德的心理学理论，来解释超现实主义艺术家们的创作动机，这种跨学科的视野，让艺术的解读更加深入和丰富。这本书让我觉得，艺术史的学习原来可以如此有趣，原来可以如此贴近我们的内心。

评分☆☆☆☆☆

每一次翻开这本书，都像是打开了一扇新的窗户。作者的笔触时而如同一位严谨的学者，对每一个艺术流派的起源、发展和特征进行精准的分析；时而又像是一位富有诗意的讲述者，用生动的语言描绘出艺术家创作时的灵感闪光和情感波澜。在谈到17世纪的风景画时，他详细描述了荷兰黄金时代艺术家们如何捕捉自然的光影变化，以及这种对自然的细致描摹如何体现了当时社会人文精神的转变。他会引用关于克劳德·洛兰的描述，让我们感受到他笔下那种理想化、和谐的田园风光，以及这种风格对后世风景画的深远影响。在转向18世纪的启蒙运动和新古典主义时，作者清晰地阐述了雅克-路易·大卫如何将古典的理性、秩序和道德主题融入到他的作品中，而他的作品如何成为那个时代政治和社会变革的缩影。他会将大卫的《马拉之死》与同时代的其他作品进行对比，让我们看到艺术在承载历史使命时的力量。整本书的行文结构严谨而又富于变化，让我在阅读中始终保持着高度的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是，作者在处理20世纪尤其是战后艺术时，那种清晰的脉络梳理和深刻的洞见。他并没有被五花八门的后现代艺术形式所淹没，而是能够抓住不同流派的核心精神和发展轨迹。例如，在讨论抽象表现主义时，作者清晰地划分了“行动绘画”和“色彩场绘画”，并通过对波洛克、罗斯科等艺术家的作品分析，让我们看到了这两种不同方式的抽象表达所传达出的强烈情感和哲学思考。他会引用艺术家本人的话语，来印证他们的创作理念，这种“原声”的呈现，让艺术家的形象更加鲜活。同样，作者在介绍波普艺术时，并没有仅仅停留在其对流行文化的挪用，而是深入探讨了安迪·沃霍尔等艺术家如何通过批量生产、复制等方式，来反思大众消费社会对艺术的冲击，以及艺术与生活的界限是如何被模糊的。这本书让我看到了，艺术史的发展不仅仅是风格的演变，更是艺术家们对时代、对社会、对人生的深刻回应。

评分☆☆☆☆☆

这本书最吸引我的地方在于，它不仅仅是一本“大而全”的艺术史概览，更像是作者与读者之间的一次深度对话。他会抛出问题，引导读者思考，而不是简单地给予答案。比如，在探讨20世纪初的各种现代艺术运动时，作者并没有将它们视为孤立的现象，而是试图找出它们之间的联系和张力。他对毕加索和布拉克如何共同开创立体主义的分析，就充满了探索的意味。作者会详细描述立体主义如何从不同角度解构物体，以及这种解构如何反映了现代社会中碎片化、多维度的现实。我记得有一段作者在谈论杜尚的“现成品”艺术时，他并没有简单地批评其“反艺术”的行为，而是深入探讨了杜尚对“艺术”本身的定义提出的挑战，以及这种挑战对后来概念艺术的影响。他会引用杜尚的语录，并将其置于当时的社会文化背景下进行解读，让我看到了一个艺术家如何通过观念的力量来颠覆传统的艺术观念。这本书让我深刻地意识到，艺术的价值并非仅仅在于其技法的高超或题材的宏大，更在于其是否能够引发思考，是否能够触及时代的脉搏。作者在描述20世纪后期及当代艺术时，那种更加开放和多元的视角，让我看到了艺术边界的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

我常常在想，艺术史的学习到底是为了什么？是为了记住那些人名和画作吗？我在这本书里找到了答案。作者通过对17世纪到20世纪末西方艺术史的梳理，不仅仅是展示了各个时期、各个流派的代表作品，更重要的是，他展现了一种思维方式，一种看待世界、认识自我的方式。比如，在讲述到19世纪的现实主义时，作者花了很大篇幅去探讨古斯塔夫·库尔贝是如何挑战传统学院派的审美，以及他作品中那种朴实而又充满力量的批判精神。他会将库尔贝的《石工》与同时代描绘贵族或神话题材的作品进行对比，让我们看到艺术的边界是如何被拓展的。同样，在讨论18世纪的洛可可风格时，作者并没有仅仅停留在其轻佻、华丽的表面，而是深入分析了其背后的贵族生活方式、社会情感以及艺术家如华托、布歇、弗拉戈纳尔等人的创作意图。他会通过对画面细节的描述，比如人物的表情、服饰的材质、场景的布置，来还原那个时代的生活气息和精神风貌。我特别喜欢作者在分析康定斯基的抽象艺术时，他不仅仅将其视为对现实的“否定”，而是将其看作是一种全新的语言，一种能够直接触及精神世界的语言。作者引用康定斯基的理论，并结合具体的画作，让我开始理解色彩、线条和形状如何能够独立于描绘对象而产生意义。这本书让我明白，艺术史不是死的知识，而是活的生命，它在不断地变化，也在不断地回响。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就足够吸引人了，深邃的蓝色背景上，用烫金的字体印着书名“西方美术史：从17世纪到当代”。光是看到这个封面，我就感觉它不像市面上那些充斥着平淡插图和枯燥文字的艺术史读物。翻开第一页，我就被作者严谨而又充满激情的文字所打动。作者并没有一开始就抛出一大堆晦涩的概念，而是像一位经验丰富的导游，带领我缓缓地走进17世纪的巴洛克盛宴。从卡拉瓦乔那戏剧性的光影，到伦勃朗深沉的肖像，再到鲁本斯奔放的色彩，作者细致地描绘了那个时代艺术家们如何在宗教、王权和新生的资产阶级之间游走，用画笔诉说着人性的复杂与辉煌。我尤其喜欢作者对每一位艺术家作品的解读，他不是简单地陈述画面的内容，而是深入挖掘其背后的历史背景、社会思潮，甚至是艺术家个人的情感经历。比如，在谈到维米尔时，作者花了相当大的篇幅去分析他作品中那抹神秘的蓝色，以及他如何用极为细腻的笔触捕捉日常生活中的宁静与诗意，仿佛我真的能透过画面的窗户，看到阿姆斯特丹那个时代的阳光洒在窗台上的光斑。这种细致入微的解读，让我对那些我曾经只是“看过”的画作，有了全新的“理解”。整本书的结构安排也非常合理，从巴洛克到新古典主义，从浪漫主义到现实主义，再到印象派、后印象派，直到20世纪的各种现代艺术流派，作者循序渐进地引导我了解艺术风格的演变和艺术家们之间的对话与碰撞。每一次阅读，都像是在与历史对话，与伟大的灵魂交流。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令我折服之处在于，作者能够将宏大的艺术史叙事与对个体艺术家创作精神的深刻挖掘融为一体。他并不满足于对作品的表面描绘，而是深入到艺术家的内心世界，去探寻他们创作的源泉和动因。例如，在讲述19世纪的浪漫主义时，作者并没有仅仅罗列作品的激昂情感，而是深入分析了戈雅晚期作品中那种对战争、对人性的黑暗面的深刻反思，他会引用戈雅的“黑画”来展现艺术家在面对历史创伤时的复杂情感。同样，在介绍20世纪的抽象艺术时，作者会花费大量篇幅去分析康定斯基如何从音乐中寻找灵感，如何试图用色彩和线条来表达一种纯粹的精神体验，这种对艺术家内心世界的探索，让抽象艺术不再显得遥不可及。作者还善于将不同艺术家、不同流派的作品进行巧妙的对比和联系，从而勾勒出艺术史发展的宏观图景。比如，他会对比莫奈的印象派光影与梵高的后印象派情感表达，让我们看到艺术在捕捉瞬间与表达永恒之间的不同追求。这本书让我觉得，艺术史的学习，最终是对人类精神世界的一次探索。