杨燕迪音乐文丛何谓懂音乐（增订版） pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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杨燕迪著，解华佳，李昂，徐妍编

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出版社：广西师范大学出版社

ISBN：9787559803726

版次：2

商品编码：12326075

包装：精装

丛书名：杨燕迪音乐文丛

开本：32开

出版时间：2018-03-01

用纸：雅致纸

页数：424

字数：200000

正文语种：中文

具体描述

编辑推荐

作者摒弃“内行”与“外行”之成见，从漫议音乐表演、音乐创作等现象，触及音乐的审美乃至艺术理论问题。就如同书中开篇所说，“仅仅感受音乐而不思索音乐会失去音乐的真髓，仅仅思索音乐而不感受音乐便丢掉了音乐的灵魂”。

内容简介

《杨燕迪音乐文丛》（增订版）是杨燕迪教授多年来在各个报刊杂志中发表的音乐评论文章集锦，包括《歌剧的误会》《遗憾的聆听》及《何谓懂音乐》三本。其中，《何谓懂音乐》一辑，所收的文论基本上均与所谓“学理”有关，但行文的方式不是学术性的“论述”，而是随笔式的“漫议”——如杨燕迪教授对音乐审美、音乐理解、音乐创作、音乐表演、音乐价值判断等问题的议论，以及对相关艺术问题甚至音乐学学科问题的思考。本来，这都是些相当“古板”甚至“深奥”的话题，但杨燕迪教授想试试能否用相对轻松的笔调来触及——因为在他的想象中，这些文字的读者是普通爱乐人的思考，以及与思考紧密相关的读书，其实是带有快感的，但在很多时候思考和读书被搞得很无趣。本辑中所收录的文章及相关书评和书序可被看作是杨燕迪教授的某种个人努力——希望在思考和读书过程中保持乐趣。此次增订版又收录了自2014年以来作者撰写的新篇章，内容更加丰富饱满。

作者简介

杨燕迪，我国著名音乐学家、音乐批评家、音乐翻译家，上海音乐学院副院长，研究与教学领域涉及音乐学方法论、西方音乐史、音乐美学、音乐学术翻译、歌剧研究、音乐分析与批评、音乐文化与社会研究等。发表译著近300万字，另主编多部论著，主要包括《音乐的人文诠释》、《乐声悠扬》、《西方文明中的音乐》、《作为戏剧的歌剧》、《音乐美学观念史引论》、《音乐史学原理》等等。曾获得国务院、教育部、文化部、上海市的多种奖励与荣誉称号。

好的，这是一本不包含《杨燕迪音乐文丛何谓懂音乐（增订版）》内容的图书简介，旨在详细描述另一本关于音乐研究的著作。 --- 《声音的结构与意义：二十世纪西方音乐思潮探析》内容简介本书深入剖析了二十世纪西方音乐思潮的复杂演变，旨在为读者提供一个理解当代音乐语言与文化语境的精密框架。它并非一部简单的音乐史梳理，而是一次对音乐本体、创作方法论以及社会功能进行哲学式探讨的学术旅程。全书以严谨的分析和丰富的案例为支撑，重点聚焦于序列主义、偶然音乐、极简主义以及后现代音乐实践中蕴含的结构性逻辑与意义生成机制。第一部分：现代性的破碎与重构——从勋伯格到序列主义的逻辑深化本书的开篇部分，着力于考察二十世纪初音乐如何对传统调性体系进行颠覆性的反思与超越。我们首先回顾了第二维也纳乐派的理论基础，特别是“十二音技法”的构建原则，将其视为对瓦格纳以来欧洲宏大叙事音乐哲学的回应。然而，重点并不停留于技法的介绍，而是深入探讨了该技法背后所蕴含的“内在必然性”的哲学诉求——即音乐结构应如何达到一种自我封闭的、非历史性的完美状态。随后，叙事转向了战后序列主义的激进发展。作者详细剖析了韦伯恩的结构主义思想如何被布列兹、施托克豪森等人继承并推向极致。在此阶段，音乐的“结构”不再仅仅是音高、节奏的组织，而是扩展到对所有音乐元素（力度、音色、时值）的精确控制。我们通过对《结构I》和《室内乐钢琴曲》等关键作品的细致解读，揭示了这种全面序列化尝试在追求绝对客观性中，所面临的内在悖论：即当所有可能性都被预先设定后，作品的“偶然性”与听者的“体验”如何重新获得立足之地。第二部分：偶然性、开放性与听觉的解放本书的第二部分将叙事焦点转向了对传统作曲家中心主义的反叛，聚焦于约翰·凯奇的哲学实践及其对偶然音乐（Chance Music）的开创性贡献。凯奇的工作被视为对西方音乐中心主义——即“作曲家即绝对权威”这一观念的彻底解构。作者不仅分析了《易经》在《想像的风景》等作品中的运用，更探讨了这种“去意图化”的创作方式如何迫使听者重新审视“作品的边界”以及“声音的本质”。紧接着，我们探讨了这一思潮在欧洲的延伸，特别是对“开放作品”概念的探索。通过对贝尔里奥兹（Luigi Nono）和利盖蒂（György Ligeti）等人的分析，本书阐明了如何通过模糊的记谱、移动的音乐场域以及无限的演奏版本，将决定权部分转移给演奏者乃至听众，从而实现音乐意义的多元化生成。第三部分：极简主义的回归与重复的形而上学进入本书的下半部分，我们将目光转向了对前卫艺术的过度智识化的反思，即极简主义的兴起。与前卫音乐的复杂性形成鲜明对比的是，极简主义（Minimalism）以其重复、渐变和过程驱动的特性，重新将听觉体验置于中心位置。本书详尽考察了拉蒙特·扬（La Monte Young）的持续音（Tones）实践，分析了其如何将时间本身转化为主要的音乐材料，并探讨了其与东方哲学（尤其是印度拉格音乐和禅宗）的深刻关联。随后，我们对赖利（Terry Riley）和史蒂夫·赖克（Steve Reich）的“异相过程”（Phasing）技巧进行了系统的分解。这一部分的重点在于揭示，看似简单的重复结构背后，实则隐藏着对时间感知、微小差异积累以及听觉专注力的精密训练。这些重复不是停滞，而是一种动态的、自我演化的过程。第四部分：后现代的对话与跨媒介的探索最后一部分，本书探讨了二十世纪末至今的后现代音乐语境。随着电子音乐技术和媒介的普及，作曲家开始摆脱纯器乐的束缚，进入声音景观、录音拼贴和跨媒介的创作领域。我们重点分析了索菲亚·古拜杜丽娜等作曲家如何在历史的重压下，试图“重新神圣化”音乐，构建基于精神性和民间根源的表达。同时，书中也审视了电子音乐（Musique Concrète, Elektronische Musik）如何从辅助工具转变为核心创作手段，以及声音的“再语境化”如何挑战了我们对“真实声音”与“人工声音”的传统二元对立。结语：聆听的伦理学本书的收尾部分，并非试图提供一个“标准答案”，而是强调在经历了如此多结构革命和观念颠覆之后，我们应该如何进行一种更为负责任的“聆听”。真正的理解，来自于对音乐内部逻辑的尊重，以及对不同时代、不同文化背景下声音表达的开放态度。本书适合所有对二十世纪音乐思潮有深入探究兴趣的专业人士、音乐学院学生，以及希望超越传统音乐史框架、理解当代声音艺术复杂性的文化爱好者阅读。它提供的，是一套严谨的分析工具，以应对二十世纪音乐留给我们的、丰富而又充满挑战性的听觉遗产。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

最近读了一本关于音乐史的书，名字大概是《西方古典音乐发展脉络》（暂定名）。一直以来，我对历史类的书籍都抱着一种敬而远之的态度，总觉得它们充斥着枯燥的年份、事件和人物传记，很难引起我的兴趣。然而，这本书却打破了我的固有印象。作者并没有简单地罗列历史信息，而是将音乐的发展与当时的社会、文化、哲学思潮紧密地结合起来。你会发现，巴洛克时期的庄重宏伟，不仅仅是音乐风格的体现，更是那个时代宗教与权力交织的缩影；古典主义时期的清晰明朗，反映了启蒙运动对理性与秩序的追求；浪漫主义时期的情感奔放，则映射了个人主义的觉醒和对自由的渴望。最让我着迷的是，作者能够细致地分析不同时期代表性作曲家的作品，并解释这些作品是如何体现当时时代精神的。比如，在谈论莫扎特时，我不再仅仅看到一个音乐天才的形象，更能理解他作品中那种优雅、平衡背后所蕴含的古典主义精神。这本书让我意识到，音乐从来不是孤立存在的，它是人类情感、思想和历史的载体。读完这本书，我对许多耳熟能详的乐曲有了全新的认识，也对音乐的历史长河有了更深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

这是一本关于音乐表演的书，暂定名《舞台上的奏鸣曲》（暂定名）。我一直对音乐家们在舞台上的表现感到好奇，他们是如何在短短的时间内，将一段复杂的乐谱化为动人的旋律？这本书给我提供了一个非常独特的视角。它并没有深入探讨高深的演奏技巧，而是更多地聚焦于音乐家在演奏过程中的“心理状态”和“现场互动”。作者通过大量的采访和案例分析，揭示了音乐家们在面对观众、面对乐器、面对作品时的思考和情感。比如，书中会讲述一位钢琴家如何在演奏高难度乐段时，通过深呼吸来调整节奏和情绪；一位指挥家如何通过眼神和手势，与乐队成员建立起无声的默契；一位歌手如何在演唱高音时，将全身的力量与情感融为一体。我读到许多关于“临场反应”和“音乐的即兴性”的描述，这让我更加理解，每一次音乐会都是独一无二的。它不仅仅是技术层面的展示，更是艺术家与作品、艺术家与观众之间一次深刻的交流。读完这本书，我对音乐家的职业有了更深的敬意，也对现场音乐表演所蕴含的生命力有了更真切的感受。

评分☆☆☆☆☆

一本音乐入门的书，简直是救星！我一直觉得自己是个“音乐小白”，听到别人谈论音乐时，那些诸如“和声”、“对位”、“曲式”之类的词汇，听起来像天书一样。每次去听音乐会，虽然能感受到热闹和氛围，但总觉得少了点什么，无法真正进入到音乐的内心世界。这本《乐理入门指南》（暂定名）的出现，彻底改变了我的看法。它用一种非常平实、易懂的语言，一点一点地剖析音乐的构造。我之前以为乐理就是枯燥的符号和规则，结果发现，它其实是音乐的骨骼和灵魂。作者通过大量的例子，把抽象的概念变得形象化，比如讲解音程时，会让你想象距离的长短；讲解和弦时，会让你感受声音的色彩和情绪。读完之后，我开始尝试去听一些古典音乐，以前觉得杂乱无章的乐句，现在能捕捉到它们之间的联系，甚至能隐约感受到作曲家想要表达的情感。这种从“听个响”到“听出门道”的飞跃，真的太令人兴奋了。这本书不只是教你“是什么”，更重要的是教你“为什么”，让你明白为什么有些音会让你感到和谐，为什么有些转调会让你情绪起伏。我还会继续深入阅读，希望能让音乐真正成为我生活的一部分，而不是一种遥远的装饰。

评分☆☆☆☆☆

我最近接触到一本关于音乐鉴赏的读物，暂定名《品味音乐的艺术》（暂定名）。我一直觉得，欣赏音乐是一件很主观的事情，每个人都有自己的喜好，也很难说谁对谁错。然而，这本书却提供了一个更加系统和有深度的方法来进入音乐的世界。它不是教你死记硬背音乐理论，也不是让你去分析什么曲式结构，而是引导你去关注音乐的“听觉体验”。作者用非常生动的语言，描绘了声音的质感、色彩、空间感，以及音乐是如何通过这些元素来塑造情绪和意境的。读这本书的过程，就像是在一个高明的向导带领下，漫步于音乐的花园。你会学习如何去捕捉音乐中的“呼吸”，如何去分辨不同乐器的“声音表情”，如何去感受旋律的起伏和和声的色彩变化。以前我听音乐，可能只是跟着旋律走，现在我开始尝试去“听”那些更细微的东西：比如一件乐器是如何演奏出委婉的叹息，一段旋律是如何由模糊变得清晰，又如何在一瞬间营造出一种令人心悸的紧张感。这本书让我明白，音乐的魅力远不止于表面的好听，它有着丰富的层次和无限的可能性，等待着我们去发掘和品味。

评分☆☆☆☆☆

我最近翻阅了一本关于音乐创作的普及读物，暂定名《音符的魔术》（暂定名）。我一直觉得，创作是一件非常神秘的事情，特别是音乐创作，那些美妙的旋律和和声，仿佛是天外飞来的灵感。这本书却用一种非常务实、循序渐进的方式，向我展示了创作的“幕后故事”。它并没有涉及复杂的作曲技法，而是从一些基础的音乐元素入手，比如如何利用节奏来构建律动，如何通过旋律的走向来表达情绪，如何用简单的和弦来制造不同的色彩。作者会给出一些小练习，引导读者去尝试自己去组合音符，去创作简单的乐句。刚开始的时候，我感到有些无从下手，但随着阅读的深入，我开始逐渐体会到其中的乐趣。我发现，原来创作并不是遥不可及的，它也遵循着一定的规律和方法。比如，书中会讲解如何利用“动机”来发展乐句，如何通过“对比”来增加音乐的趣味性，如何用“重复”来加深听者的印象。虽然我离真正的作曲家还差得很远，但这本书让我对音乐的“生成”过程有了初步的了解，也激发了我对音乐创作的兴趣。我开始尝试着去“玩”音符，去感受它们组合在一起产生的奇妙化学反应。