听傅雷讲艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李云雷 著

图书标签:

• 艺术欣赏
• 傅雷
• 文化
• 艺术史
• 西方艺术
• 艺术理论
• 人文
• 经典
• 教育
• 启迪

店铺： 耕读图书专营店

出版社： 安徽人民出版社

ISBN：9787212047498

商品编码：12654270230

包装：平装

出版时间：2012-06-01

基本信息

书名：听傅雷讲艺术:烛照尘昧的圣火，取自阿波罗神车下的光焰；开启智慧的密码，来自缪斯女神吟唱的歌谣。

定价：28.80元

作者：李云雷

出版社：安徽人民出版社

出版日期：2012-06-01

ISBN：9787212047498

字数：215000

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：12k

商品重量：0.400kg

编辑推荐

---

　　在这个纷繁变幻的世界，总有一些事情可以让你感动，或许是人，或许是事，或许是一篇文章，或许是一种感悟……
傅雷先生其人、其事、其文、其感都足以令人动容。走近大师的世界，倾听大师的智语，在艺术中感悟人生，在感悟中升华自我，在升华中实现理想。
　　叔本华曾说：“透过艺术的创作与欣赏，我们将意志所生的欲望世界提升到忘我的精神境界中，这时我们可暂时忘却人世的不幸与痛苦。”
　　那些传递艺术美的大师们无不怀着这样一颗悲悯的心，让世人忘却苦痛的纠缠，而生出勇敢的心。

内容提要

---

　　傅雷先生不仅是我国的翻译家，更是一位成绩斐然的文艺批评家，他在文学、美术、音乐等领域中精深独到的见解，给后学者众多启示。
　　全书对于傅雷先生的各类文艺评论进行梳理，全面展示傅雷先生的艺术思想，美术绘画、文学评论、音乐鉴赏包括翻译理论、艺术教育等，立体的向读者呈现一位大师的智慧。
　　全书更已接近傅雷先生对于艺术史写作方式的风格，向读者展开一部巨幅的艺术画卷，带领读者在艺术的夜空下采撷美丽的星光。
　　本书资料翔实、安排精当，还用小传和纪念文章串起傅雷先生起伏跌宕的一生。

目录

---

作者介绍

---

　　傅雷（1908－1966）字怒安，号怒庵，汉族，上海市南汇县（现南汇区）人，是我国文学翻译家、文艺评论家。一生译著宏富，译文传神。翻译作品主要有罗曼?罗兰的长篇巨著《约翰?克里斯朵夫》，传记《贝多芬传》《米开朗基琪传》《托尔斯泰传》；服尔德的《嘉尔曼》《高龙巴》；丹纳的《艺术哲学》；巴尔扎克的《高老头》《欧也妮?葛朗台》《邦斯舅舅》《贝姨》《夏倍上校》《搅水女人》《于絮尔?弥罗埃》《都尔的本堂神甫》《赛查?皮罗多盛衰记》《幻灭》等名著十五部。他的艺术专著《世界美术名作二十讲》深受读者推崇，《傅雷艺术随笔》《与傅聪谈音乐》成为艺术学习的经典文献，《傅雷家书》更是以其充盈丰满的情感、独到真挚的见解，深受读者的喜爱，问世至今，多次再版。

艺术的殿堂：跨越时空的审美之旅 一、 导言：打开未知的世界 本书并非对单一艺术家的深入剖析，亦非某一特定流派的理论汇编。它是一场关于“美”本身的探索，一次对人类创造力极限的叩问。我们将从宏大的历史视角出发，穿梭于不同的文明图景之中，试图捕捉那些永恒的艺术精神——那些超越了时代、地域和媒介的共通性。我们相信，艺术不应仅仅是少数精英的私享品，而是人类感知世界、表达情感的最深层需求。 二、 建筑的诗篇：空间的对话与重构 我们将首先探访建筑的领域，探讨人类如何将功能性需求提升至精神象征的层面。从古埃及金字塔的永恒几何，到古希腊神庙中对“黄金分割”的极致追求，建筑不再是简单的遮风避雨之所，而是人与神、有限与无限对话的媒介。 我们不会停留在对风格的罗列，而是深入分析建筑背后的哲学意涵。例如，哥特式大教堂中向上耸立的拱券，如何通过光影的捕捉与引导，营造出一种令人敬畏的“天堂感”？这种对垂直性的执着，体现了中世纪信徒对彼岸世界的向往。 转入近现代，我们将审视现代主义建筑的理性主义浪潮。包豪斯强调“形式追随功能”，试图通过简洁的线条和工业化的材料，构建一个更平等、更高效的社会空间。然而，这种过度理性化的倾向也引发了反思。我们会比较密斯·凡德罗的“少即是多”与后现代建筑对历史符号与地域性元素的回归，探讨空间叙事的多样性与复杂性。最终，建筑的精髓在于，它如何塑造我们的行为模式，并承载着社群的集体记忆。 三、 绘画的叙事：光影、色彩与心灵的景观 绘画艺术的历史，就是人类记录与诠释世界的方式的演变史。我们会从文艺复兴时期对透视法和解剖学的精准掌握开始，理解“再现真实”是如何成为一个时代的信仰。达芬奇对光影的细腻处理，不仅是为了视觉上的逼真，更是为了揭示人物内心深处的复杂性。 随后，我们将进入巴洛克时期的戏剧性张力。卡拉瓦乔的明暗对比法（Chiaroscuro）并非仅仅是一种技术，它是一种精神上的二元对立——光明与黑暗、救赎与罪恶在同一画面中的激烈交锋。 当目光转向印象派，我们发现焦点从描绘“对象本身”转向了“感知对象的方式”。莫奈的笔触不再试图固定瞬间，而是捕捉光线和空气的动态变化，这标志着艺术主体性的转移——世界是由观察者的眼睛所建构的。 20世纪的革命将把我们带入抽象的国度。康定斯基相信色彩拥有声音，线条拥有节奏。抽象表现主义，特别是波洛克的行动绘画，则将画布变成了一个记录身体运动和潜意识冲动的战场。在这里，艺术的价值不再依赖于它“像什么”，而在于它“做了什么”以及它如何激发观众的直觉反应。 四、 雕塑的张力：物质与形式的永恒搏击 雕塑艺术是人类最早对三维空间进行干预的尝试。从史前的人体崇拜造像，到古希腊理想化的人体美学，雕塑家们一直在与“物质的局限性”进行抗争。 米开朗基罗的《大卫》之所以震撼人心，不仅在于其精湛的技艺，更在于他如何将坚硬的大理石中“解放”出生命与意志。他所追求的不是雕刻的完成，而是未完成形态中蕴含的无限可能性。 随着时代的发展，雕塑的边界被不断拓宽。罗丹的作品开始着重于肌理和未完成表面的情感传达，他让雕塑不再是静止的纪念碑，而是充满内部能量的生命体。而现代雕塑，如布朗库西对“本质”的提炼，则力求将物体简化到最纯粹的几何形式，试图抓住事物“永恒的本质”，而非表象。我们会探讨材料本身——从青铜的厚重到钢铁的轻盈——如何讲述它们自己的故事。 五、 音乐的结构：无形之中的秩序与情感 音乐是唯一一种完全存在于时间之中的艺术。它没有实体，却拥有最直接触达人类情感深处的力量。我们将探讨西方音乐理论中“和声”的演变，从早期的单音音乐到巴赫复调音乐中复杂而严谨的结构美学。巴赫的作品，其精密的数学结构本身就是对宇宙秩序的一种赞美。 浪漫主义时期的音乐则将重心转向了个人情感的无限扩张。贝多芬如何将英雄主义、悲剧、狂喜等宏大叙事融入交响乐中？音乐不再是宫廷的背景乐，而是作曲家进行自我宣言的平台。 进入20世纪，音乐的“秩序”受到了挑战。德彪西对音色的探索，舍弃了传统的主调功能，更关注声音本身的质感和氛围。而勋伯格的十二音体系，则是对传统调性体系的一次彻底颠覆，它试图在看似无序的音符排列中，建立一种新的、更为普适的结构逻辑。 六、 结语：艺术的未来与我们的责任 艺术的价值，在于它不断地提出问题，而不是提供答案。从洞穴壁画到数字艺术，人类从未停止过对美的探索和对意义的建构。了解艺术史，并非是为了死记硬背风格和人名，而是为了训练我们感知世界的能力——去发现日常生活中隐藏的结构、去理解不同文化背景下的情感表达。 本书旨在激发读者重新审视我们身边的世界，用更敏锐的眼睛去观察建筑的比例，用更开放的心灵去聆听声音的层次，用更深入的思考去触碰图像的内涵。艺术是人类文明的温度计，也是我们对抗虚无的盔甲。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的阅读过程是一次不小的挑战，它不是那种可以轻松翻阅的“快餐读物”。它的语言密度非常高，每一个句子都像经过千锤百炼的宝石，光泽内敛但分量十足。我得承认，有些地方我不得不停下来，反复揣摩作者的用意，甚至需要查阅一些背景资料才能完全跟上他的思路。但这趟“慢跑”绝对是值得的。作者的叙事节奏很有自己的章法，他不会急于抛出结论，而是层层铺垫，用一系列看似不相关的观察和体验，最终汇聚成一股强大的理论洪流。我尤其欣赏他对“意境”的探讨，这在中国传统美学中本就虚无缥缈，但他竟然能用西方的分析工具去解构它，使得这个概念变得清晰可感，又不失其神秘性。书中对材料的探讨，也极为精妙，他谈论木头、石头、丝绸，就好像它们拥有生命和记忆一样，将物质性与精神性紧密地联系起来。读完后，我再去看任何一件艺术品，都会下意识地去寻找它内在的“骨骼”和“呼吸”。这本书像一把精密的尺子，测量着我已有的认知边界，并毫不留情地将其拓展。它需要的不是匆忙的浏览，而是静谧的环境和高度集中的心神。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个极为偶然的机会接触到这本书的，当时正处于对现有艺术理解感到瓶颈的阶段。这本书就像是突然出现的一束强光，照亮了那些我一直模糊处理的角落。作者的论述风格是极其个性化的，带有强烈的个人烙印，这使得阅读过程充满了探索的乐趣。他有一种罕见的平衡感，既能深入到微观的技法层面，比如笔触的力度和层次的叠加，又能瞬间拔高到宏观的文化背景和时代精神。这种视角的切换，如同乘坐高速电梯，让人心跳加速。书中对“品味”这个词的解构尤为精彩，他并没有将品味视为一种天赋，而是一种需要终身培养和警惕的习惯。他用非常犀利的笔触批评了那些流于表面的、迎合市场的现象，让人读后深思自己是否也陷于其中。这本书的结构安排也很有意思，它并非严格按照时间线或门类展开，更像是艺术家在工作室里随性而发的思考片段，但这些片段之间却有着严丝合缝的逻辑暗线。它给予读者的，不仅仅是知识，更是一种面对艺术时的“态度”和“责任感”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书评似乎总是聚焦于其学术价值，但我更想谈谈它带来的阅读体验上的“冲击波”。它的文字密度之高，是我近年来所见艺术类书籍中的翘楚。阅读时，我常常需要借助高亮笔，因为几乎每一页都有值得被标记下来的句子，那些句子短小精悍，却蕴含了巨大的信息量和情感张力。作者对于“形式追随功能”的批判，并不是简单的否定，而是深入挖掘了形式背后所承载的社会压力和个体抗争。他笔下的艺术家群像，不再是教科书上扁平的符号，而是一个个有血有肉、充满挣扎和激情的灵魂。我尤其喜欢他论述“模仿与创造”时所展现出的那种审慎和克制，他没有落入非黑即白的二元对立，而是展示了艺术发展过程中，两者之间那种微妙而永恒的拉锯战。这本书的阅读过程，更像是一场与智者的深度对话，他不会直接告诉你答案，而是通过精妙的比喻和层层递进的提问，让你自己去完成最后的顿悟。每次合上书本，都会感觉自己的“精神肌肉”得到了一次强力锻炼。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令人震撼的地方，在于它成功地将“艺术史”这个宏大的叙事，还原成了无数个“个人选择”的集合。作者的笔触极其细腻，尤其是在描绘艺术家在创作困境中的内心挣扎时，那种真实感几乎让人感同身受。他不像传统的艺术史学家那样专注于“谁影响了谁”，而是更关注“在那个特定的历史语境下，艺术家是如何做出那个独一无二的决定的”。这种“内在驱动力”的剖析，是这本书的灵魂所在。我发现，这本书的结构仿佛是螺旋上升的，每一章看似在讨论一个独立的主题，但实际上都服务于一个更宏大的主题——即艺术的不可替代性。对于那些认为艺术是“玄学”的人来说，这本书提供了一套极其坚实的逻辑框架去理解艺术的价值所在。它不是那种读完就能立刻变专家的书，但它绝对是能让你对“美”这件事产生全新敬畏感的“引路灯”。阅读完毕后，那种被知识充盈的满足感，久久不散，让你看世界的方式都变得立体而丰富起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手里的时候，就有一种沉甸甸的感觉，装帧设计很考究，字体排版也舒服。我本以为这是一本纯粹的艺术理论著作，读下来才发现，它更像是一场深邃的思想漫游。作者的文字功底极其深厚，那种对美学的洞察力，简直是穿透人心的。他不像某些学院派那样故作高深，而是用一种近乎私语的方式，引导你进入一个全新的审美维度。读到关于色彩与光影的章节时，我仿佛真的站在了那些大师的画室里，能感受到颜料在画布上被揉搓的质感。他对于不同艺术门类的比较和阐释，绝非简单的罗列，而是挖掘其背后的精神内核。比如他谈到音乐中的“结构”与建筑中的“比例”，那种跨领域的融会贯通，让人拍案叫绝。这本书的阅读体验是渐进式的，初读可能只是觉得文笔优美，再读时，那些看似信手拈来的论述，实则暗含了对艺术史的精深理解和个人哲学的融入。我特别喜欢他那种不迎合大众的勇气，敢于直面艺术的本质，即使那本质是晦涩难懂的。对于任何一个真正热爱艺术，渴望提升自己审美层次的人来说，这都是一本值得反复咀嚼的珍宝。它不提供标准答案，而是教会你如何提出更深刻的问题。