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陈彬龢 著

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出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503947360

商品编码：12654336980

包装：平装

出版时间：2010-09-01

基本信息

书名：中国文字与书法(汉字艺术节丛书)

定价：29.80元

作者：陈彬龢

出版社：文化艺术出版社

出版日期：2010-09-01

ISBN：9787503947360

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.422kg

编辑推荐

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中国的文字源于何时？中国书法的发展经历了怎样的变迁？《中国文字与书法》探索中国文字的源流，详细介绍各种书体及其沿革，评述各个时期的书法及理论发展，并系统讲解学书、习字的技法。
全书分为文字源流、书法述评、书法研究等四部分内容。

内容提要

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中国的文字源于何时？中国书法的发展经历了怎样的变迁？本书探索中国文字的源流，详细介绍各种书体及其沿革，评述各个时期的书法及理论发展，并系统讲解学书、习字的技法。阅读之后，既可以对我国文字与书法发展有宏观认识，又可以学得正确的习字方法。书后附录的历代书法名家小传及重要碑目可视为书法发展史的缩影，而书中配备的名家书法图片，亦可供读者作为学书的参考。

目录

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编 文字源流
章 绪言
第二章 文字之渊源及其发达
节 字之特征
第二节 字之构造——六书
第三节 字之整理
第三章 古代文字研究之程序
第二编 书体沿革
章 书体总说
节 古文
第二节 大篆
第三节 小篆
第四节 隶书
第五节 八分
第六节 章草
第七节 楷书
第八节 行书
第九节 草书
第三编 书法述评
章 书法总评
节 三代人书法
第二节 秦人书法
第三节 两汉人书法
第四节 三国人书法
第五节 六朝人书法l
第六节 王羲之
第七节 唐人书法
第八节 宋元明人书法
第九节 清人书法
第二章 南北书派论
第四编 书法研究
章 学书概说
第二章 执笔
节 执笔法
第二节 把笔无定法
第三节 执笔之高下
第四节 拨镫法
第五节 腕法
第六节 悬腕
第七节 提腕
第八节 枕腕
第九节 平覆法
第三章 用笔
节 起笔与终笔
第二节 藏锋与露锋
第三节 正锋与偏锋
第四节 直笔与侧笔
第五节 圆笔与方笔
第六节 三折法
第七节 欧阳询八法
第八节 陈彬龢论用笔十法
第九节 智永“永”字八法
第十节 笔法名称二种
第四章 结构
第五章 习字
节 选纸
第二节 选毫
第三节 选墨
第四节 安砚
第五节 正姿势
第六节 临、摹
第七节 少数字之熟习
第八节 博览
附录一 历代书家小传
附录二 重要碑目

作者介绍

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陈彬龢(1897-1945)，曾用名乐素素、昌蔚、松轩。江苏吴县人。1917年到上海，任仓圭明智大学附属小学教师。二十年代去北方担任中俄大学总务长、天津南开学校总务长等职；因参加1926年3月18日的反帝爱国运动遭段祺瑞政府通缉。1928年与日本驻沪总领事馆的岩井英一拉上关系

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书海拾贝：探寻汉字艺术的璀璨星河 导读： 随着时代的演进，阅读成为我们与古今智慧对话的桥梁。以下推荐的书籍，虽未直接收录《中国文字与书法（汉字艺术节丛书）》中的内容，但它们同样在汉字、书法、艺术以及相关文化领域，展现出独特的光芒与深刻的见解，为对中华文化精髓抱有浓厚兴趣的读者，提供了一个广阔而多元的阅读视野。 --- 一、《说文解字与汉字源流》 主题聚焦： 探究汉字的“前世今生”与构造逻辑。 内容概述： 本书是一部深入浅出的汉字学专著，它并未直接论述书法的具体技法，而是将笔触伸向了汉字赖以生存的基石——汉字的起源、演变及其内在的理据。全书以清代段玉裁的《说文解字注》为纲，辅以现代语言学和考古学的最新发现，系统梳理了汉字的“六书”理论，并细致剖析了甲骨文、金文到篆书的字体嬗变过程。 重点章节解析： 1. “依类象形”的哲学基底： 本章探讨了古人如何通过观察自然万物来创造初始符号，揭示了汉字作为表意文字体系的独特思维模式。例如，对“日、月、山、水”等象形字的演变路径进行图文并茂的解析，展示了符号如何从具象走向抽象。 2. 部首的结构奥秘： 区别于简单的偏旁部首记忆法，本书深入分析了部首在构字系统中的功能和意义承载。它阐明了为何某些部首会倾向于出现在字的特定位置，以及它们如何影响到词义的延伸。 3. 秦汉大一统下的字体规范： 详细论述了小篆的推行及其在文字规范化中的历史功绩，并侧重分析了隶变这一关键转折点，解释了隶书如何为后世楷书的形成奠定了笔画化的基础，为理解楷书的结构美学提供了历史背景。 4. 古文字的考古新证： 结合近年来出土的战国竹简和楚简文字的实物资料，对传统文字学观点进行补充和修正，展现了汉字发展历史的复杂性和区域性差异。 阅读价值： 对于希望从根本上理解“文字”如何成为“艺术”的读者，本书提供了坚实的学术支撑。掌握了文字的生成逻辑，才能更深刻地欣赏书法家在遵循规范时所展现的“破格”与“创新”。 --- 二、《中国古代文论中的“意境”探微》 主题聚焦： 艺术审美范畴的哲学建构，侧重于“神韵”与“气韵”。 内容概述： 本书并非直接谈论笔墨技巧，而是聚焦于中国传统艺术（包括文学、绘画和书法）的终极追求——“意境”的理论构建。它梳理了从魏晋玄学到宋代理学对艺术创作心性的探讨，旨在揭示中国艺术的审美高度是如何超越纯粹的形似，而抵达“目中无物，心中有法”的境界。 重点章节解析： 1. “气”与“韵”的早期阐释： 从谢赫的“六法”出发，重点研读了顾恺之、宗炳等人对“气韵生动”的论述，探讨了早期批评家如何用抽象的哲学概念来衡量艺术作品的生命力。 2. 书法中的“心手相应”： 引用了王羲之、颜真卿等大家关于创作心境的零星记载，结合禅宗、道家思想，分析了书法家如何在运笔的刹那间，将瞬时的情感波动、深厚的学养以及对宇宙的理解熔铸于墨迹之中。这部分内容强调了书法的“内在精神”重于“外在形貌”。 3. 文人画的“写意”精神： 通过对米芾、苏轼等人的文论分析，阐释了“写意”如何成为区别于西方写实主义的核心美学特征。这种精神渗透到书法中，便体现为对线条的内在情感表达的极致追求。 4. “留白”的负空间哲学： 探讨了中国艺术中对“虚”的重视，分析了“计白当黑”在书法布局中的审美功能，揭示了留白不仅是视觉上的休息，更是构建意境和引导观众思绪的有效手段。 阅读价值： 本书是理解中国艺术的“内功心法”。它能帮助读者超越对书法线条本身的单纯欣赏，进入到对作品所承载的文化精神和审美哲学的深层思考。 --- 三、《中国古代服饰与礼仪中的色彩符号学》 主题聚焦： 探讨非文字的视觉符号体系——色彩，及其在古代社会中的规范与象征意义。 内容概述： 虽然此书不涉及书法本身，但它与汉字艺术节的关联在于：书法艺术在古代社会中，其使用场合、载体（如绢帛、竹简的颜色）以及书写者本人的身份（通过服饰体现），都受到严格的礼制规范。本书系统梳理了中国古代从先秦到明清的服饰制度，重点解析了以“五色观”为核心的色彩哲学。 重点章节解析： 1. “五行”与色彩的对应关系： 详细阐述了儒家思想中，木、火、土、金、水与青、赤、黄、白、黑的对应，以及这种对应如何影响到帝王祭祀、朝会礼仪中的服饰色彩选择。 2. 等级森严的冠服制度： 通过大量的出土文物和文献记载，还原了不同等级官员在不同场合下所穿戴的袍服、玉带、绶带的形制与颜色限制，体现了色彩作为一种“无声的语言”，在维护社会秩序中的作用。 3. 礼仪场合中的书写载体： 间接关联到书法实践，本书探讨了在特定祭祀或外交场合，公文或诏书所使用的“黄纸”、“绛帛”等载体的颜色规定，这些规定直接决定了墨色与载体之间的视觉效果和庄重程度。 4. 民间与艺术中的色彩变迁： 讨论了随着社会开放，色彩在民间艺术（如瓷器、戏曲服饰）中的自由运用，并对比了皇家禁锢色彩与文人阶层对淡雅色彩的偏好，展现了色彩符号的流动性。 阅读价值： 这本书提供了一个宏大的社会文化背景。理解了古代礼仪的严谨性，读者便能更好地理解为何早期书法（如碑刻、墓志）往往显得庄重、法度森严，以及书法在特定仪式中的“功能性”意义。 --- 四、《中国古代的雕版印刷技术与文献流传史》 主题聚焦： 从手写到印刷，文字载体的媒介革命及其对文化普及的影响。 内容概述： 本书关注的是汉字信息传播的物理媒介与技术演进。它详细记录了雕版印刷术从唐代萌芽到宋代鼎盛的过程，分析了印刷术如何极大地提高了文本的复制速度和准确性，从而改变了知识的分布格局。 重点章节解析： 1. 雕版工艺的精细化： 深入介绍雕刻师如何将书法作品转化为雕版，包括如何处理字体的反刻、如何保证墨线的粗细一致性，以及“饾版”（套色印刷）技术在图文并茂的刊物中扮演的角色。 2. 宋代刻本的书法风貌： 分析了不同地域和不同时期刻本（如宋刻本、元刻本）的字体风格，例如宋代的“宋体”是如何在雕刻工艺的要求下，逐渐形成横细竖粗的结构特征，这与手工书写的自然流露有所不同。 3. “校勘学”在印刷时代的兴起： 探讨了大量印刷带来的校对挑战，以及学者们如何通过对比不同版本的文本来订正讹误，这实际上是维护文字准确性的一种重要学术活动。 4. 书籍装帧对阅读体验的影响： 介绍了卷轴、册页、经折装等不同装帧形式如何影响了人们对书籍的阅读习惯和对文本结构的认知，间接影响了书法作品（如帖本）的展示方式。 阅读价值： 了解印刷术，有助于读者认识到，我们今天所接触到的许多经典书法范本（如《淳化阁帖》的刻本），是经过了“手写—摹刻—印刷”等多重转译的产物，这对于评估其原貌具有重要的参照意义。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对文化史颇有兴趣的读者，我在这本书中找到了许多意想不到的知识点，远超我对一本“书法教材”的预期。它对不同历史时期文字载体的变化也做了详尽的介绍，这一点非常吸引我。比如，从竹简到纸张，每一次载体的改变，是如何反作用于书写工具和书写习惯的，以及这种变化如何促成了新的书体风格的诞生。书中对“碑学”和“帖学”两大主流的梳理尤为精彩，作者并没有简单地将它们对立起来，而是深入分析了碑学那种雄浑、朴拙的气质是如何与晋唐帖学那种妍美、流转的风格形成互补和张力。特别是当作者提到清代碑学兴起背后的社会思潮时，我感觉自己是在阅读一部微缩的中国思想史。这种将文字艺术置于宏大历史背景下去考察的视角，让这本书的厚度大大增加，它不再仅仅是一本技法书，而是一部关于“汉字审美变迁史”的精彩叙事。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的学术严谨性非常令人信服，但它最打动我的，是那种蕴含在文字背后的“人文关怀”。作者在讲解书法家的生平时，不仅仅是罗列他们的成就，而是侧重描写了他们的人生境遇和精神追求，这使得那些古代的碑帖活了过来，不再是冰冷的笔墨符号。比如，对“书圣”王羲之的描述，与其说是评价他的书法如何完美，不如说是在描绘他如何将魏晋风度融入到笔端，追求一种超脱世俗的自然之美。这种解读方式极大地增强了阅读的代入感和情感共鸣。此外，书中对于不同书家在同一个字上的不同处理方式的对比分析，极其精准且富有洞察力。比如，同样是写“之”字，苏轼的圆润厚重与赵孟頫的清秀典雅之间，体现的不仅是笔法的差异，更是两种人生哲学在纸上的投射。读完后，我不再觉得练字是一件枯燥的重复性劳动，而更像是与古人进行一场跨越时空的精神对话，从中汲取力量和灵感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力，很大一部分来自于它对中国书法的“艺术性”而非仅仅是“工具性”的深入挖掘。它不仅仅是在教你写字，更是在教你如何用文字来抒发情感、构建精神世界。我记得其中有一章专门讨论了书法与诗词、绘画之间的关系，引用了大量古代文人“书画同源”的论述，这让我豁然开朗。原来，书法中的飞白，不仅仅是墨水干了的迹象，它可以是表达气势磅礴的动态效果；而墨色的浓淡变化，则可以对应出内心的微妙情绪波动。作者在描述这些抽象概念时，运用了很多生动的比喻，使得原本高深莫测的书法理论变得平易近人。例如，他用“音乐的休止符”来形容留白，简直是点睛之笔，让人瞬间领悟了空白在构图中占据的决定性作用。我感觉这本书更像是一部艺术鉴赏的导览手册，引导我用更挑剔、更敏感的眼光去看待日常生活中接触到的所有文字载体，从碑刻到印刷品，都多了一层艺术的解读维度。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国文字与书法》的书，从封面设计上就给我一种沉静而厚重的历史感扑面而来。我特别喜欢它选用的那种略带粗粝感的纸张，摸上去仿佛能感受到纸张背后那些代代相传的墨香和时间打磨的痕迹。刚翻开的时候，我主要被那些精美的图片资料所吸引，它们不仅仅是简单的字迹展示，更像是穿越时空的窗口。尤其是一些早期甲骨文和金文的拓片摹本，那种原始而强悍的生命力，简直让人震撼。作者在介绍不同书体演变脉络时，没有采用那种枯燥的学术说教方式，而是巧妙地将文字的形态变化与当时的社会文化背景紧密结合起来。比如，他深入剖析了魏晋时期士大夫阶层对于“风流”的追求是如何影响了楷书的清逸俊朗，以及唐代书法大家们如何将法度与气韵推向极致。读完之后，我感觉自己不仅仅是学习了书法的知识，更是对汉字背后所承载的中华文明的审美哲学有了一种更深层次的理解。那种“意在笔先”的境界，那种在方寸之间展现宇宙乾坤的气魄，真的让人沉醉。这本书的排版也非常讲究，留白得当，使得每一幅字帖都有足够的空间供人细细品味，而不是被密密麻麻的文字信息所淹没，这对于深度阅读体验来说至关重要。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对书法一直停留在“会写”和“看着好看”的层面上，并没有真正理解其背后的技法和哲学深度。但是这本书彻底改变了我的看法。它最让我耳目一新的地方，在于它对“用笔”的探讨极其细致入微。作者仿佛是一位耐心的老师，手把手地拆解了“中锋”“侧锋”“藏锋”“露锋”在不同笔画中的运用效果。读到关于行书“提按顿挫”的描述时，我甚至忍不住拿起毛笔跟着试写了几下，立刻就能感受到细微的力度变化所带来的线条质感差异。这本书的结构安排也非常合理，从基础的执笔、调墨，到中级的结构布局，再到高阶的章法和墨色的变化，层层递进，逻辑性极强。我特别欣赏它在对比不同流派风格时的那种客观与公正，它没有过度推崇某一家，而是清晰地指出了颜体的端庄雄厚与柳体的清劲瘦硬之间的本质区别，让读者可以根据自己的性情去选择适合自己的学习方向。对于想系统入门书法的人来说，这本书简直是避开了所有弯路，直击核心的宝典。