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梁明，李力，羅伊·湯普森 著

圖書標籤:

• 電影
• 剪輯
• 攝影
• 鏡頭語言
• 電影造型
• 電影分析
• 視聽語言
• 電影技巧
• 電影製作
• 電影理論

店鋪： 中郵圖書專營店

齣版社： 北京聯閤齣版公司

ISBN：7550250932I

商品編碼：14467472183

齣版時間：2017-07-01

剪輯的語法（插圖修訂第2版）

編輯推薦

　　這是一本淺顯易懂，言簡意賅，可操作性強的剪輯入門教材，介紹瞭基本剪輯方法和原則，全書貫穿作者對剪輯六要素——信息、動機、鏡頭構圖、攝影機角度、連貫、聲音——的理解，能夠幫助新手剪輯師建立剪輯的流程和係統，重新審視自己的作品，刷新對剪輯的認知，改善剪輯技巧。

　　入門基礎，剪輯新手的迷路指南針

　　圖文並茂，直觀揭示剪輯點奧秘

　　實戰總結，匯聚作者數十年經驗

　　章末迴顧，紮實掌握每章所學內容

內容簡介

這是一本簡明直觀的基礎剪輯教程，涵蓋剪輯工作所需的各方麵信息。作者從介紹最基本的鏡頭類彆開始，分析怎樣選擇剪輯點和轉場時機，總結齣四十六條常用的剪輯原則，幫助讀者快速掌握各類剪輯技巧和方法並最終用於實戰。全書圖文並茂、案例豐富，深入淺齣地展開每一個剪輯話題，便於翻查、容易上手，是每位電影愛好者、剪輯初學者和從業者的書櫥必備手冊。

作者簡介

　　羅伊?湯普森（RoyThompson），美國弗雷明漢州立大學（前身為波士頓大學）攝影、視頻剪輯與電影製作專業的教師，有數十年的教學經驗。同時也是Avid公司的認證講師，還是FellswayCreatives製作公司的創意總監。另著有《鏡頭的語法》。

　　剋裏斯托弗?J?鮑恩（ChristopherJ.Bowen），導演，德國之聲電視繼續教育中心的教師，先後在歐洲、非洲、中東和遠東等地區執教，教學經驗非常豐富。另著有《鏡頭的語法》。

內頁插圖

目錄

前　言

第一章　剪輯基礎

第二章　認識鏡頭

第三章　剪輯的時機及原因

第四章　轉場和剪輯分類

第五章　剪輯師的基本練習

第六章　實踐準則

第七章　終剪：你會遇到的其他問題

重要詞匯

齣版後記

鏡頭的語法（插圖修訂第2版）

編輯推薦

　　這是一本專門針對影視、廣告類攝影愛好者的淺顯易懂、言簡意賅、可操作性強的攝影入門教材，介紹瞭用鏡頭錶達時zui常用到的“語匯”與“語法”，如景彆區分、構圖原則、運動攝影、預想剪輯等。能夠幫助新手攝影師建立攝影的流程和係統，重新審視自己的作品，刷新對攝影的認知，改善攝影技巧。
　　化繁為簡，匯集近百種鏡頭語法細則於一書，讓您輕鬆掌握視覺語言的語法。
　　作者以數十年的教學經驗和現場實戰經驗，傳授您鮮為人知的現場拍攝技巧。
　　語言通俗，深入淺齣，是初學者的zui佳引路指南，也是影視從業者的速查手冊。
　　輔以近150副插圖，生動直觀認識鏡頭語法的細節。
　　附贈豐富的視覺詞匯錶，讓您隨手查閱相關專業詞匯。
　　提供每一章相對應的要點總結，鞏固所學語法技巧。

內容簡介

　　本書為電影愛好者、初學者和從業者瞭解鏡頭語法的常識提供瞭一條捷徑。語法是瞭解一門語言的關鍵，作者通過數十年的拍攝和教學經驗，清晰詳述瞭鏡頭語言的整套體係，包括景彆、構圖、攝影布光、焦距變換、拍攝角度、鏡頭運動、鏡頭匹配等。全書語言通俗而風趣，並詳細介紹瞭從前期籌備到現場拍攝的眾多實踐細節，包括對後期剪輯的預想。此外，本書還聘請專業的插畫師為書中相關的語法技巧配圖，以幫助讀者更加直觀地瞭解鏡頭語法的秘密。

作者簡介

　　羅伊·湯普森（Roy Thompson），美國弗雷明漢州立大學（前身為波士頓大學）攝影、視頻剪輯與電影製作專業的教師，有數十年的教學經驗。同時也是Avid公司的認證講師，還是Fellsway Creatives製作公司的創意總監。另著有《剪輯的語法》。

　　剋裏斯托弗·J·鮑恩（Christopher J. Bowen），導演，德國之聲電視繼續教育中心的教師，先後在歐洲、非洲、中東和遠東等地區執教，教學經驗非常豐富。另著有《剪輯的語法》。

內頁插圖

目錄

前 言
第一章　鏡頭及如何取景　
第二章　構圖的藝術　
第三章　構圖進階　
第四章　把鏡頭放在一起：預想剪輯過程　
第五章　動態鏡頭：運動中的演員和攝影機　
第六章　實際操作指南　
第七章　總結　
重要詞匯
譯後記　
齣版後記　

鏡頭在說話：電影造型語言分析（插圖修訂版）

編輯推薦

這是一本專門寫給電影專業的學生以及電影創作一綫工作者的實用參考書，以幫助讀者認識視覺語言的規律和解讀影像的方法。主要針對電影攝影創作中需要綜閤思考的各個嚮度的實際問題。書中內容是榮獲金雞奬*攝影的中國傳媒大學梁明教授的創作總結與授課精要，兼具理論與實踐意義。

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從攝影師角度齣發的專業分析作者身兼教師與導演、攝影師，並獲得金雞奬*攝影、華錶奬等眾多quán wēi奬項，在教學與創作領域都取得瞭突齣的成就，因此，在分析影片的電影造型語言時，作者能夠從創作的角度剖析得準確、到位，並提齣建設性的意見。目前，國內從事電影藝術創作和電影技術實踐的專業人員，很少就自己在工作中取得的經驗和體會進行理論總結和著述，也很少有具有創作經驗的攝影師和具有實際創作經驗的教師齣版有關電影攝影創作分析方麵的理論書籍。本書是從技術到藝術，從實踐到理論的電影攝影專著。

集案例分析與理論總結於一身電影攝影創作及理論研究一般分為基礎性理論與應用技巧型理論兩種類型，本書在論述上沒有截然分開，而是考慮瞭電影在大學教育過程中的普及性，將兩者進行綜閤，很好地結閤在一起。並且，影片片例的選擇也非常有代錶性，涉及不同國傢、年代、風格、流派，還提供瞭作者本人的攝影闡述，以及其他著名攝影師的經驗總結。 從試戲選角、讀本排練，到彩排首演，每一環節所遇問題皆可在相應章節找到答案

包含大量影片插圖，文字優美作者根據所討論的畫麵內容，截取瞭大量原始影片的影像資料，幾近於拉片子一般詳細解剖每一幀畫麵的光綫、色彩、景彆等等電影造型元素，即使是非專業的普通讀者也可迅速理解、體會影像創作的特性、規律。同時，本書結構清晰、文字優美、親切，值得細細品讀。

內容簡介

作者根據自己多年從事電影專業教學的經驗以及藝術創作的實踐和總結，以二十餘部國內外優秀影片以及重要導演、攝影師為案例，從電影造型元素與視覺效果、電影攝影的創作技巧和方法等角度深入研究，詳細剖析色彩、運動攝影、光綫、空間、環境、景彆、風格等影像語言的各個要素，幫助讀者認識視覺語言的規律和解讀影像的方法。同時，本書還是對攝影創作的理論總結，提齣瞭許多極具建設性的意見，結構清晰，文字優美，配有大量影片插圖，幫助讀者把握影像創作的竅門，無論對電影專業的學生，還是對正在電影創作一綫工作的創作者，都是一本需要仔細精讀的教材和實用的參考書。

作者簡介

梁明，中國第五代導演、攝影師。中國傳媒大學教授、博士生導師、攝影係主任。曾獲中國電影金雞奬*攝影奬，*導演、*影片、*兒童片提名奬；中國電影金鹿奬*攝影奬。中國電影傢協會理事、電影攝影委員會會長、電影高新科技委員會副會長、中國影視攝影師協會副會長、中國導演協會會員。北京十佳電影工作者。主要電影作品：《黑樓孤魂》《兩個人的芭蕾》《旗》《都市童話》等。

李力，中國傳媒大學副教授、電影學博士、作傢、電影編劇。中國電影傢協會會員、北京電影傢協會會員。主要電影作品：《夏天，有風吹過》《都市童話》《旗》《旗袍套上燕尾服》。曾獲中國電影金雞奬*影片、*兒童影片提名奬；中國高校影視學會特等奬、一等奬。

目錄

序言
前言

第一章　色　彩　
《兩個人的芭蕾》：將感動視覺化傳達
一、整體風格：藍灰基調　
二、有光、有色，就有舞颱！
三、紅色溫暖、象徵符號
《剪刀手愛德華》：彩色童話與黑白寓言
一、影片主要色彩讀解　
二、色彩雙重對比　
三、童話性質：憂傷而溫情　
《暖》的迴憶碎片：一塊冷一塊暖
一、永恒迴鄉主題與詩意現實主義影像風格　
……

圖書名稱： 《電影敘事與視覺風格探析：從古典好萊塢到新浪潮的演變》 圖書簡介： 本書是一部深度剖析電影藝術發展脈絡、敘事策略演變以及視覺風格構建的學術專著。它旨在超越對單一技術或流派的錶麵描述，深入挖掘電影語言背後的文化動因、美學取嚮和社會語境，為電影研究者、從業人員以及資深影迷提供一個係統而富有洞察力的分析框架。 第一部分：古典好萊塢的建構與規範的形成 本書的第一部分聚焦於20世紀上半葉，尤其是1920年代末有聲電影確立後的好萊塢黃金時代。我們詳盡考察瞭“經典好萊塢敘事模式”（Classical Hollywood Narrative）的形成機製。這並非一種偶然的創作方式，而是工業化生産、觀眾期待與資本運作共同塑造的産物。 我們將解析“連續性剪輯”（Continuity Editing）的原理及其目的。這種剪輯係統，通過匹配剪輯、視綫方嚮、軸綫原則（180度綫）的嚴格遵守，旨在創造一種“不可見的剪輯”，使觀眾完全沉浸於故事之中，而非注意到電影製作的技術痕跡。我們探討瞭如何通過景深鏡頭（Deep Focus）的運用，特彆是奧遜·威爾斯在《公民凱恩》中的實踐，對傳統淺焦鏡頭（Shallow Focus）進行挑戰，以及這種技術選擇如何影響敘事焦點和角色心理狀態的呈現。 此外，本部分對光影的運用進行瞭細緻的分析。黑色電影（Film Noir）中對明暗對比（Chiaroscuro）的偏愛，如何服務於道德的模糊性、都市的疏離感以及角色的內心掙紮。我們辨析瞭特定攝影機運動——如推軌鏡頭（Dolly Shot）和搖攝鏡頭（Pan Shot）——在古典敘事中如何明確引導觀眾的注意力，並強化人物的情感旅程。古典好萊塢的視覺語言是一種高度規範化、目標明確的語言，旨在高效地傳達情節與情感。 第二部分：現代主義的衝擊與電影語言的解構 進入中段，本書將筆鋒轉嚮二戰後全球範圍內興起的現代主義電影思潮。這部分的核心議題是：當電影人開始質疑“清晰的敘事”和“隱形的製作”時，電影語言本身如何被重塑？ 我們深入研究瞭意大利新現實主義（Italian Neorealism）對傳統敘事的顛覆。它通過大量外景拍攝、非職業演員以及對日常瑣碎事件的關注，挑戰瞭好萊塢製造的“完美世界”。這種對“真實”的追求，直接影響瞭後續歐洲電影對時間與空間的理解。 重點篇幅將放在法國新浪潮（Nouvelle Vague）上。新浪潮電影人，如特呂弗和戈達爾，不僅是電影的創作者，也是熱情的電影理論傢。他們有意識地打破瞭連續性剪輯的規則，引入跳接（Jump Cuts）、長鏡頭（Long Takes）和直接對鏡頭的打破（Breaking the Fourth Wall）。我們分析瞭“作者論”（Auteur Theory）如何在這種背景下興起，將導演視為電影的唯一且具有獨特風格的作者。鏡頭不再僅僅是記錄，而是錶達導演主觀感受和哲學思考的媒介。例如，戈達爾對主觀視角的偏愛，如何迫使觀眾去“理解”而非“接受”敘事。 本部分還將探討如安東尼奧尼的“疏離美學”，探討其對情感缺失和現代人溝通障礙的視覺化錶達，這通常通過大範圍空鏡頭、緩慢的移動以及對場景空間的過度強調來實現。 第三部分：風格的多元化與後現代的語境 第三部分將視野拓展到1970年代至今，探討電影風格的碎片化、類型融閤以及後現代主義對電影語言的影響。 我們考察瞭以斯皮爾伯格、科波拉為代錶的“新好萊塢”時期，他們如何在繼承古典技巧的同時，注入更強的個人風格和更黑暗的主題。這標誌著“作者”意識開始滲透迴主流製作體係。 接著，本書分析瞭視覺特效（VFX）的飛速發展如何重新定義瞭“真實”與“奇觀”的關係。當綠幕技術和數字閤成成為可能時，鏡頭的意義從“記錄”轉嚮瞭“創造”。我們探討瞭詹姆斯·卡梅隆或彼得·傑剋遜等導演如何利用這些技術構建超乎想象的世界，並分析這種“奇觀美學”對觀眾感官體驗的重塑。 此外，我們專門闢章討論瞭跨文化語境下的電影語言。例如，東亞電影（如侯孝賢、是枝裕和）對時間停頓、環境氛圍和“留白”的運用，與西方電影對敘事驅動的強調形成鮮明對比。這種對比分析有助於讀者理解電影語言的相對性，以及不同文化背景下，鏡頭如何被賦予不同的“語法”。 最後，本書總結瞭當代電影語言的趨勢，包括混閤剪輯手法（將連續性與跳躍性結閤）、對紀錄片風格的挪用，以及在流媒體時代，適應多平颱觀看習慣而産生的新的敘事節奏和畫麵構圖變化。 結論： 《電影敘事與視覺風格探析》力求提供一個全麵的地圖，勾勒齣從對白框到數字矩陣的電影視覺語言演變路徑。它強調，每一次鏡頭選擇、每一次剪輯點的確定，都不是孤立的技術操作，而是深植於特定時代、文化與美學理念之中的“錶達行為”。閱讀本書，即是跟隨電影藝術自我反思和不斷革新的曆程。

評分☆☆☆☆☆

這套書的價值，在於它成功地構建瞭一座連接理論與實踐的橋梁。很多電影理論著作要麼過於學院派，脫離瞭實際操作的睏境；要麼就是一些“幕後揭秘”，缺乏係統性。而這套書完美地平衡瞭這一點。它沒有迴避電影製作中最棘手的難題，例如如何處理非綫性的敘事結構，或者如何通過運動鏡頭來錶達時間的流逝感。書中對鏡頭語言的“詞匯錶”梳理得極為詳盡，讓你在麵對劇本時，能夠迅速調取齣最閤適的視覺錶達方式。我感覺自己過去在剪輯時像是在憑感覺摸索，而現在，我手中握有瞭一張詳細的導航地圖，知道每一個轉彎和直行背後的邏輯支撐。對於任何想認真對待電影藝術，並緻力於提升自身影像錶達能力的人來說，這套書是案頭必備的工具書，值得反復研讀和查閱。

評分☆☆☆☆☆

這套書簡直是電影製作愛好者的福音，尤其是對於那些想深入瞭解影像敘事精髓的人來說。我一直覺得，電影不僅僅是畫麵的堆砌，它背後有一套嚴謹的、如同語言學般的構建邏輯。讀完這三本書，我纔真正體會到，導演是如何通過鏡頭的選擇、剪輯點的把握，來“說話”的。書裏對“語法”這個概念的運用非常精妙，它將那些潛移默化影響我們情緒和理解的視覺元素，係統地拆解、歸納，讓原本模糊的感性認知，變得清晰、可操作。比如，書中對景彆轉換時人物心理狀態變化的分析，簡直是醍醐灌頂。我以前看片子會覺得“不對勁”，現在我能清晰地說齣是哪個鏡頭語言的運用導緻瞭這種感覺，或者導演是如何通過這種語言來引導我的注意力的。那種從被動接受到主動理解的轉變，帶來的閱讀快感是無與倫比的。它不僅僅是理論的堆砌，更多的是通過大量的經典案例進行實例分析，讓你仿佛置身於剪輯室或攝影棚，親手去構建一個場景。

評分☆☆☆☆☆

很難用一句話概括這三本書的整體份量，但如果非要形容，那就是“一本百科全書式的影像解剖學指南”。它不是那種輕飄飄的“勵誌”讀物，而是需要你投入時間和精力的硬核教材。但所有的投入都是值得的。作者的知識體係非常龐大，橫跨瞭電影史、視覺藝術乃至符號學，但講解起來卻極其清晰，沒有那種晦澀難懂的學術腔調。它讓你明白，電影語言的魅力不在於炫技，而在於精確傳達。當鏡頭語言被恰當地運用時，它甚至可以完全超越對白的力量，直接作用於觀眾的潛意識。我特彆喜歡其中關於“不可見性”的討論，即那些我們習以為常卻從未深思過的鏡頭處理方式，是如何在潛移默化中塑造我們的觀影體驗的。這本書提升瞭我的鑒賞門檻，讓我從一個單純的“觀眾”蛻變成一個能解析視覺文本的“觀察者”。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，我對電影理論的理解一直停留在比較錶層的階段，總覺得那些“大師的秘密”總是藏在雲裏霧裏，難以捉摸。但這套書徹底顛覆瞭我的看法。它的敘述方式非常紮實，邏輯鏈條一環扣一環，從最基礎的“點”——單個鏡頭的構成要素，到“綫”——鏡頭之間的連接規則，再到最終形成完整的“篇章”——濛太奇的哲學意義，層層遞進。我尤其欣賞作者在處理“鏡頭在說話”這一概念時的剋製與精準。它沒有陷入過度玄乎的哲學思辨，而是聚焦於如何通過具體的視覺語匯（比如運動軌跡、焦距選擇、光影處理）來傳達意圖。看完後，我再去迴看一些老電影，簡直像是拿到瞭一本帶有詳細批注的劇本，每一個搖移、每一次切入，都有瞭明確的指嚮性。這本書的價值在於，它把藝術的直覺轉化成瞭可以被學習、被掌握的技能體係，極大地降低瞭電影創作的“神秘感”。

評分☆☆☆☆☆

作為一名業餘短片創作者，我最大的睏惑就是為什麼自己拍齣來的東西總感覺“差瞭點火候”。我能拍清楚，也能聽清楚，但就是無法調動觀眾的情緒。這套書與其說是教你拍電影，不如說是教你如何“閱讀”電影的潛颱詞。它深入探討瞭濛太奇背後的心理學基礎，比如視覺的連續性原則如何影響時間感知，以及空間關係的構建如何影響人物關係的可信度。書中對不同剪輯節奏的對比分析尤其到位，讓你明白為什麼有些片段需要快速閃迴，而另一些則需要慢速推拉來營造壓迫感。我發現，我過去的一些剪輯選擇，往往是齣於習慣而非目的性。現在，我學會瞭問自己：這個鏡頭切換，是在推進敘事，還是在製造衝突，抑或是僅僅在強調角色的內心狀態？這種帶著目的性的創作思維，是這本書帶給我最寶貴的財富，它讓我的每一次後期工作都充滿瞭設計感。