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梁明，李力，罗伊·汤普森 著

图书标签:

• 电影
• 剪辑
• 摄影
• 镜头语言
• 电影造型
• 电影分析
• 视听语言
• 电影技巧
• 电影制作
• 电影理论

店铺： 中邮图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：7550250932I

商品编码：14467472183

出版时间：2017-07-01

剪辑的语法（插图修订第2版）

编辑推荐

　　这是一本浅显易懂，言简意赅，可操作性强的剪辑入门教材，介绍了基本剪辑方法和原则，全书贯穿作者对剪辑六要素——信息、动机、镜头构图、摄影机角度、连贯、声音——的理解，能够帮助新手剪辑师建立剪辑的流程和系统，重新审视自己的作品，刷新对剪辑的认知，改善剪辑技巧。

　　入门基础，剪辑新手的迷路指南针

　　图文并茂，直观揭示剪辑点奥秘

　　实战总结，汇聚作者数十年经验

　　章末回顾，扎实掌握每章所学内容

内容简介

这是一本简明直观的基础剪辑教程，涵盖剪辑工作所需的各方面信息。作者从介绍最基本的镜头类别开始，分析怎样选择剪辑点和转场时机，总结出四十六条常用的剪辑原则，帮助读者快速掌握各类剪辑技巧和方法并最终用于实战。全书图文并茂、案例丰富，深入浅出地展开每一个剪辑话题，便于翻查、容易上手，是每位电影爱好者、剪辑初学者和从业者的书橱必备手册。

作者简介

　　罗伊?汤普森（RoyThompson），美国弗雷明汉州立大学（前身为波士顿大学）摄影、视频剪辑与电影制作专业的教师，有数十年的教学经验。同时也是Avid公司的认证讲师，还是FellswayCreatives制作公司的创意总监。另著有《镜头的语法》。

　　克里斯托弗?J?鲍恩（ChristopherJ.Bowen），导演，德国之声电视继续教育中心的教师，先后在欧洲、非洲、中东和远东等地区执教，教学经验非常丰富。另著有《镜头的语法》。

内页插图

目录

前　言

第一章　剪辑基础

第二章　认识镜头

第三章　剪辑的时机及原因

第四章　转场和剪辑分类

第五章　剪辑师的基本练习

第六章　实践准则

第七章　终剪：你会遇到的其他问题

重要词汇

出版后记

镜头的语法（插图修订第2版）

编辑推荐

　　这是一本专门针对影视、广告类摄影爱好者的浅显易懂、言简意赅、可操作性强的摄影入门教材，介绍了用镜头表达时zui常用到的“语汇”与“语法”，如景别区分、构图原则、运动摄影、预想剪辑等。能够帮助新手摄影师建立摄影的流程和系统，重新审视自己的作品，刷新对摄影的认知，改善摄影技巧。
　　化繁为简，汇集近百种镜头语法细则于一书，让您轻松掌握视觉语言的语法。
　　作者以数十年的教学经验和现场实战经验，传授您鲜为人知的现场拍摄技巧。
　　语言通俗，深入浅出，是初学者的zui佳引路指南，也是影视从业者的速查手册。
　　辅以近150副插图，生动直观认识镜头语法的细节。
　　附赠丰富的视觉词汇表，让您随手查阅相关专业词汇。
　　提供每一章相对应的要点总结，巩固所学语法技巧。

内容简介

　　本书为电影爱好者、初学者和从业者了解镜头语法的常识提供了一条捷径。语法是了解一门语言的关键，作者通过数十年的拍摄和教学经验，清晰详述了镜头语言的整套体系，包括景别、构图、摄影布光、焦距变换、拍摄角度、镜头运动、镜头匹配等。全书语言通俗而风趣，并详细介绍了从前期筹备到现场拍摄的众多实践细节，包括对后期剪辑的预想。此外，本书还聘请专业的插画师为书中相关的语法技巧配图，以帮助读者更加直观地了解镜头语法的秘密。

作者简介

　　罗伊·汤普森（Roy Thompson），美国弗雷明汉州立大学（前身为波士顿大学）摄影、视频剪辑与电影制作专业的教师，有数十年的教学经验。同时也是Avid公司的认证讲师，还是Fellsway Creatives制作公司的创意总监。另著有《剪辑的语法》。

　　克里斯托弗·J·鲍恩（Christopher J. Bowen），导演，德国之声电视继续教育中心的教师，先后在欧洲、非洲、中东和远东等地区执教，教学经验非常丰富。另著有《剪辑的语法》。

内页插图

目录

前 言
第一章　镜头及如何取景　
第二章　构图的艺术　
第三章　构图进阶　
第四章　把镜头放在一起：预想剪辑过程　
第五章　动态镜头：运动中的演员和摄影机　
第六章　实际操作指南　
第七章　总结　
重要词汇
译后记　
出版后记　

镜头在说话：电影造型语言分析（插图修订版）

编辑推荐

这是一本专门写给电影专业的学生以及电影创作一线工作者的实用参考书，以帮助读者认识视觉语言的规律和解读影像的方法。主要针对电影摄影创作中需要综合思考的各个向度的实际问题。书中内容是荣获金鸡奖*摄影的中国传媒大学梁明教授的创作总结与授课精要，兼具理论与实践意义。

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从摄影师角度出发的专业分析作者身兼教师与导演、摄影师，并获得金鸡奖*摄影、华表奖等众多quán wēi奖项，在教学与创作领域都取得了突出的成就，因此，在分析影片的电影造型语言时，作者能够从创作的角度剖析得准确、到位，并提出建设性的意见。目前，国内从事电影艺术创作和电影技术实践的专业人员，很少就自己在工作中取得的经验和体会进行理论总结和著述，也很少有具有创作经验的摄影师和具有实际创作经验的教师出版有关电影摄影创作分析方面的理论书籍。本书是从技术到艺术，从实践到理论的电影摄影专著。

集案例分析与理论总结于一身电影摄影创作及理论研究一般分为基础性理论与应用技巧型理论两种类型，本书在论述上没有截然分开，而是考虑了电影在大学教育过程中的普及性，将两者进行综合，很好地结合在一起。并且，影片片例的选择也非常有代表性，涉及不同国家、年代、风格、流派，还提供了作者本人的摄影阐述，以及其他著名摄影师的经验总结。 从试戏选角、读本排练，到彩排首演，每一环节所遇问题皆可在相应章节找到答案

包含大量影片插图，文字优美作者根据所讨论的画面内容，截取了大量原始影片的影像资料，几近于拉片子一般详细解剖每一帧画面的光线、色彩、景别等等电影造型元素，即使是非专业的普通读者也可迅速理解、体会影像创作的特性、规律。同时，本书结构清晰、文字优美、亲切，值得细细品读。

内容简介

作者根据自己多年从事电影专业教学的经验以及艺术创作的实践和总结，以二十余部国内外优秀影片以及重要导演、摄影师为案例，从电影造型元素与视觉效果、电影摄影的创作技巧和方法等角度深入研究，详细剖析色彩、运动摄影、光线、空间、环境、景别、风格等影像语言的各个要素，帮助读者认识视觉语言的规律和解读影像的方法。同时，本书还是对摄影创作的理论总结，提出了许多极具建设性的意见，结构清晰，文字优美，配有大量影片插图，帮助读者把握影像创作的窍门，无论对电影专业的学生，还是对正在电影创作一线工作的创作者，都是一本需要仔细精读的教材和实用的参考书。

作者简介

梁明，中国第五代导演、摄影师。中国传媒大学教授、博士生导师、摄影系主任。曾获中国电影金鸡奖*摄影奖，*导演、*影片、*儿童片提名奖；中国电影金鹿奖*摄影奖。中国电影家协会理事、电影摄影委员会会长、电影高新科技委员会副会长、中国影视摄影师协会副会长、中国导演协会会员。北京十佳电影工作者。主要电影作品：《黑楼孤魂》《两个人的芭蕾》《旗》《都市童话》等。

李力，中国传媒大学副教授、电影学博士、作家、电影编剧。中国电影家协会会员、北京电影家协会会员。主要电影作品：《夏天，有风吹过》《都市童话》《旗》《旗袍套上燕尾服》。曾获中国电影金鸡奖*影片、*儿童影片提名奖；中国高校影视学会特等奖、一等奖。

目录

序言
前言

第一章　色　彩　
《两个人的芭蕾》：将感动视觉化传达
一、整体风格：蓝灰基调　
二、有光、有色，就有舞台！
三、红色温暖、象征符号
《剪刀手爱德华》：彩色童话与黑白寓言
一、影片主要色彩读解　
二、色彩双重对比　
三、童话性质：忧伤而温情　
《暖》的回忆碎片：一块冷一块暖
一、永恒回乡主题与诗意现实主义影像风格　
……

图书名称： 《电影叙事与视觉风格探析：从古典好莱坞到新浪潮的演变》 图书简介： 本书是一部深度剖析电影艺术发展脉络、叙事策略演变以及视觉风格构建的学术专著。它旨在超越对单一技术或流派的表面描述，深入挖掘电影语言背后的文化动因、美学取向和社会语境，为电影研究者、从业人员以及资深影迷提供一个系统而富有洞察力的分析框架。 第一部分：古典好莱坞的建构与规范的形成 本书的第一部分聚焦于20世纪上半叶，尤其是1920年代末有声电影确立后的好莱坞黄金时代。我们详尽考察了“经典好莱坞叙事模式”（Classical Hollywood Narrative）的形成机制。这并非一种偶然的创作方式，而是工业化生产、观众期待与资本运作共同塑造的产物。 我们将解析“连续性剪辑”（Continuity Editing）的原理及其目的。这种剪辑系统，通过匹配剪辑、视线方向、轴线原则（180度线）的严格遵守，旨在创造一种“不可见的剪辑”，使观众完全沉浸于故事之中，而非注意到电影制作的技术痕迹。我们探讨了如何通过景深镜头（Deep Focus）的运用，特别是奥逊·威尔斯在《公民凯恩》中的实践，对传统浅焦镜头（Shallow Focus）进行挑战，以及这种技术选择如何影响叙事焦点和角色心理状态的呈现。 此外，本部分对光影的运用进行了细致的分析。黑色电影（Film Noir）中对明暗对比（Chiaroscuro）的偏爱，如何服务于道德的模糊性、都市的疏离感以及角色的内心挣扎。我们辨析了特定摄影机运动——如推轨镜头（Dolly Shot）和摇摄镜头（Pan Shot）——在古典叙事中如何明确引导观众的注意力，并强化人物的情感旅程。古典好莱坞的视觉语言是一种高度规范化、目标明确的语言，旨在高效地传达情节与情感。 第二部分：现代主义的冲击与电影语言的解构 进入中段，本书将笔锋转向二战后全球范围内兴起的现代主义电影思潮。这部分的核心议题是：当电影人开始质疑“清晰的叙事”和“隐形的制作”时，电影语言本身如何被重塑？ 我们深入研究了意大利新现实主义（Italian Neorealism）对传统叙事的颠覆。它通过大量外景拍摄、非职业演员以及对日常琐碎事件的关注，挑战了好莱坞制造的“完美世界”。这种对“真实”的追求，直接影响了后续欧洲电影对时间与空间的理解。 重点篇幅将放在法国新浪潮（Nouvelle Vague）上。新浪潮电影人，如特吕弗和戈达尔，不仅是电影的创作者，也是热情的电影理论家。他们有意识地打破了连续性剪辑的规则，引入跳接（Jump Cuts）、长镜头（Long Takes）和直接对镜头的打破（Breaking the Fourth Wall）。我们分析了“作者论”（Auteur Theory）如何在这种背景下兴起，将导演视为电影的唯一且具有独特风格的作者。镜头不再仅仅是记录，而是表达导演主观感受和哲学思考的媒介。例如，戈达尔对主观视角的偏爱，如何迫使观众去“理解”而非“接受”叙事。 本部分还将探讨如安东尼奥尼的“疏离美学”，探讨其对情感缺失和现代人沟通障碍的视觉化表达，这通常通过大范围空镜头、缓慢的移动以及对场景空间的过度强调来实现。 第三部分：风格的多元化与后现代的语境 第三部分将视野拓展到1970年代至今，探讨电影风格的碎片化、类型融合以及后现代主义对电影语言的影响。 我们考察了以斯皮尔伯格、科波拉为代表的“新好莱坞”时期，他们如何在继承古典技巧的同时，注入更强的个人风格和更黑暗的主题。这标志着“作者”意识开始渗透回主流制作体系。 接着，本书分析了视觉特效（VFX）的飞速发展如何重新定义了“真实”与“奇观”的关系。当绿幕技术和数字合成成为可能时，镜头的意义从“记录”转向了“创造”。我们探讨了詹姆斯·卡梅隆或彼得·杰克逊等导演如何利用这些技术构建超乎想象的世界，并分析这种“奇观美学”对观众感官体验的重塑。 此外，我们专门辟章讨论了跨文化语境下的电影语言。例如，东亚电影（如侯孝贤、是枝裕和）对时间停顿、环境氛围和“留白”的运用，与西方电影对叙事驱动的强调形成鲜明对比。这种对比分析有助于读者理解电影语言的相对性，以及不同文化背景下，镜头如何被赋予不同的“语法”。 最后，本书总结了当代电影语言的趋势，包括混合剪辑手法（将连续性与跳跃性结合）、对纪录片风格的挪用，以及在流媒体时代，适应多平台观看习惯而产生的新的叙事节奏和画面构图变化。 结论： 《电影叙事与视觉风格探析》力求提供一个全面的地图，勾勒出从对白框到数字矩阵的电影视觉语言演变路径。它强调，每一次镜头选择、每一次剪辑点的确定，都不是孤立的技术操作，而是深植于特定时代、文化与美学理念之中的“表达行为”。阅读本书，即是跟随电影艺术自我反思和不断革新的历程。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对电影理论的理解一直停留在比较表层的阶段，总觉得那些“大师的秘密”总是藏在云里雾里，难以捉摸。但这套书彻底颠覆了我的看法。它的叙述方式非常扎实，逻辑链条一环扣一环，从最基础的“点”——单个镜头的构成要素，到“线”——镜头之间的连接规则，再到最终形成完整的“篇章”——蒙太奇的哲学意义，层层递进。我尤其欣赏作者在处理“镜头在说话”这一概念时的克制与精准。它没有陷入过度玄乎的哲学思辨，而是聚焦于如何通过具体的视觉语汇（比如运动轨迹、焦距选择、光影处理）来传达意图。看完后，我再去回看一些老电影，简直像是拿到了一本带有详细批注的剧本，每一个摇移、每一次切入，都有了明确的指向性。这本书的价值在于，它把艺术的直觉转化成了可以被学习、被掌握的技能体系，极大地降低了电影创作的“神秘感”。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是电影制作爱好者的福音，尤其是对于那些想深入了解影像叙事精髓的人来说。我一直觉得，电影不仅仅是画面的堆砌，它背后有一套严谨的、如同语言学般的构建逻辑。读完这三本书，我才真正体会到，导演是如何通过镜头的选择、剪辑点的把握，来“说话”的。书里对“语法”这个概念的运用非常精妙，它将那些潜移默化影响我们情绪和理解的视觉元素，系统地拆解、归纳，让原本模糊的感性认知，变得清晰、可操作。比如，书中对景别转换时人物心理状态变化的分析，简直是醍醐灌顶。我以前看片子会觉得“不对劲”，现在我能清晰地说出是哪个镜头语言的运用导致了这种感觉，或者导演是如何通过这种语言来引导我的注意力的。那种从被动接受到主动理解的转变，带来的阅读快感是无与伦比的。它不仅仅是理论的堆砌，更多的是通过大量的经典案例进行实例分析，让你仿佛置身于剪辑室或摄影棚，亲手去构建一个场景。

评分☆☆☆☆☆

这套书的价值，在于它成功地构建了一座连接理论与实践的桥梁。很多电影理论著作要么过于学院派，脱离了实际操作的困境；要么就是一些“幕后揭秘”，缺乏系统性。而这套书完美地平衡了这一点。它没有回避电影制作中最棘手的难题，例如如何处理非线性的叙事结构，或者如何通过运动镜头来表达时间的流逝感。书中对镜头语言的“词汇表”梳理得极为详尽，让你在面对剧本时，能够迅速调取出最合适的视觉表达方式。我感觉自己过去在剪辑时像是在凭感觉摸索，而现在，我手中握有了一张详细的导航地图，知道每一个转弯和直行背后的逻辑支撑。对于任何想认真对待电影艺术，并致力于提升自身影像表达能力的人来说，这套书是案头必备的工具书，值得反复研读和查阅。

评分☆☆☆☆☆

很难用一句话概括这三本书的整体份量，但如果非要形容，那就是“一本百科全书式的影像解剖学指南”。它不是那种轻飘飘的“励志”读物，而是需要你投入时间和精力的硬核教材。但所有的投入都是值得的。作者的知识体系非常庞大，横跨了电影史、视觉艺术乃至符号学，但讲解起来却极其清晰，没有那种晦涩难懂的学术腔调。它让你明白，电影语言的魅力不在于炫技，而在于精确传达。当镜头语言被恰当地运用时，它甚至可以完全超越对白的力量，直接作用于观众的潜意识。我特别喜欢其中关于“不可见性”的讨论，即那些我们习以为常却从未深思过的镜头处理方式，是如何在潜移默化中塑造我们的观影体验的。这本书提升了我的鉴赏门槛，让我从一个单纯的“观众”蜕变成一个能解析视觉文本的“观察者”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余短片创作者，我最大的困惑就是为什么自己拍出来的东西总感觉“差了点火候”。我能拍清楚，也能听清楚，但就是无法调动观众的情绪。这套书与其说是教你拍电影，不如说是教你如何“阅读”电影的潜台词。它深入探讨了蒙太奇背后的心理学基础，比如视觉的连续性原则如何影响时间感知，以及空间关系的构建如何影响人物关系的可信度。书中对不同剪辑节奏的对比分析尤其到位，让你明白为什么有些片段需要快速闪回，而另一些则需要慢速推拉来营造压迫感。我发现，我过去的一些剪辑选择，往往是出于习惯而非目的性。现在，我学会了问自己：这个镜头切换，是在推进叙事，还是在制造冲突，抑或是仅仅在强调角色的内心状态？这种带着目的性的创作思维，是这本书带给我最宝贵的财富，它让我的每一次后期工作都充满了设计感。