莫扎特交响曲(g小调K550总谱)/全国音乐院系教学总谱系列 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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莫扎特 作曲 著

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店铺： 英典图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540427115

商品编码：1466625721

包装：平装

出版时间：2002-04-01

基本信息

书名：莫扎特交响曲(g小调K550总谱)/全国音乐院系教学总谱系列

原价：7.00元

作者：莫扎特 作曲

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2002-04-01

ISBN：9787540427115

字数：

页码：66

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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莫扎特的第40号交响曲，G小调，K550，作于1788年。这是莫扎特在不到两个月的时间里创作的三部最伟大的交响曲之一。这部作品含情脉脉，抒情而又略带伤感。它包括四个乐章：1.极快的快板。在中提琴激动不安的伴奏音型上，小提琴演奏一个悸动的正主题。休止后，优雅的第二主题用大调穿过乐队蜿蜒而下，整个乐章由这两个主题生化而出。展开段开始时，和声转入遥远而格格不入的调性，正主题先发展成旋律模进，然后进入对位风格。这个乐章的第二主题带有忧郁的悲伤。2.行板。还是追求洛可可式的装饰，这个慢乐章中有一个不安的一直在搏动的因素，它同样隐含着忧郁。3.小步舞曲，小快板，这个乐章中的小步舞曲多少有些粗犷，节奏感很强，中间部分有一个小小的三声中段，充满明媚的阳光。4.极快板，这个快速的末乐章充满狂热的幽默，其主题多少有些悲剧意味，尽管第二主题是歌唱性的，中间有一段尖利的和弦的互相撞击，结尾收在阴暗基调的G小调上。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《贝多芬钢琴奏鸣曲全集演奏指南》 导言 本指南旨在为钢琴演奏者、音乐学学生以及所有热爱贝多芬钢琴作品的听众，提供一套系统、深入且实用的演奏指导。路德维希·凡·贝多芬的三十两首钢琴奏鸣曲，被誉为“新约圣经”，构成了钢琴文献中不可逾越的高峰。它们不仅是古典主义向浪漫主义过渡的桥梁，更是贝多芬个人内心世界、哲学思考与艺术创新的集中体现。 本指南并非对原作的简单注释或技术性难点的罗列，而是试图搭建一座沟通作曲家意图与当代演奏实践之间的桥梁。我们将从历史背景、结构分析、风格演变、演奏技巧、踏板运用以及诠释策略等多个维度，对这些不朽之作进行全景式的剖析。 第一部分：时代背景与创作脉络 要深入理解贝多芬的奏鸣曲，必须将其置于他所处的宏大时代背景之中。我们将探讨维也纳古典乐派的成熟与瓦解，启蒙运动的精神对贝多芬艺术观的塑造，以及拿破仑战争对欧洲乃至贝多芬个人心境的影响。 早期奏鸣曲（Op. 2 至 Op. 14）：海顿与莫扎特的影子 本部分将详述贝多芬早期作品如何继承和发展了海顿和莫扎特的传统。我们将分析这些奏鸣曲（如《悲怆》Op. 13 之前的作品）在曲式结构、和声语言上的继承性，同时突出贝多芬早期注入的、更强烈的戏剧性和个人情感的表达。重点分析《F小调第一奏鸣曲》与《降E大调“赫尔曼”奏鸣曲》的结构特点。 中期奏鸣曲（Op. 22 至 Op. 57）：英雄的宣言 这是贝多芬创作力最为旺盛的阶段，其音乐语言开始彻底摆脱束缚，展现出前所未有的力量感与英雄主义。我们将集中研究“帕特蒂卡”（《悲怆》）、“月光”、“华德斯坦”以及标志性的“热情”奏鸣曲。对于《热情》Op. 57，我们将深入探讨其首尾乐章的动机发展手法，以及中板乐章中近乎冥想式的宁静与情感深度。 晚期奏鸣曲（Op. 101 至 Op. 111）：哲学的沉思与超越 晚期奏鸣曲是贝多芬留给后世最深刻的精神遗产。在本部分，我们将面对其越来越复杂的对位法运用、对传统曲式的解构与重塑，以及对巴赫复调传统的回归。重点分析《降A大调“葬礼进行曲”奏鸣曲》Op. 26 的结构创新，以及《C小调第三十一奏鸣曲》Op. 110 中赋格段的结构逻辑，最后是《降E大调第五十八号奏鸣曲》Op. 111 中第二乐章变奏曲的神秘与超越性。 第二部分：结构、和声与主题发展 本部分着重于分析贝多芬的“建筑美学”。 奏鸣曲式的新诠释： 贝多芬如何拓展呈示部、发展部和再现部的边界？我们将具体研究《D大调“快板”奏鸣曲》Op. 10, No. 3 中发展部的戏剧性张力，以及在某些晚期作品中，奏鸣曲式如何向奏鸣曲-回旋曲式或三部曲式的融合。 动机与核心： 贝多芬音乐的驱动力源于微小的、极具生命力的动机。我们将剖析“命运动机”在《C小调第五交响曲》及其相关钢琴作品中的精神投射，并探讨如何通过细致的动机发展来构建宏大的情感叙事。 和声的张力与释放： 从古典时期的清晰和声功能，到贝多芬对不协和音的频繁使用和非功能性转调，我们分析其和声选择背后的情绪逻辑。特别是那些看似突兀的半音进行或远关系调的色彩变化，如何服务于整体的戏剧效果。 第三部分：演奏技法与诠释实践 技术是表达的工具，而非目的。本部分将为演奏者提供实际操作层面的指导。 触键的“颗粒感”与“歌唱性”： 如何在同一首作品中平衡贝多芬对清晰度（如赋格段或快速音群）的要求，与他作为“第二位莫扎特”的歌唱性旋律线条？我们将讨论不同钢琴类型（古典钢琴与现代三角钢琴）对音色处理的影响。 踏板的艺术： 贝多芬对于使用踏板的指示（如Senza Sordino）是极为谨慎且精确的。我们必须区分他指示的“延音”与现代钢琴上无限延音的本质区别。对于那些要求“模糊”或“和声的融合”的乐章，如何通过半踏板或快速的交替踏板来达到预期效果，同时保持清晰度。 速度与节拍的弹性： 贝多芬在速度标记上极其严格（如Allegro con brio），但音乐的内在呼吸感（Tempo Rubato）的运用必须适度。我们将探讨如何理解如“慢板”乐章（Adagio/Largo）中的内在时间感，避免将其处理成停滞不前的片段，而应视为深层冥想的展开。 力度记号的解读： 贝多芬对 p, f, sf (sforzando) 的运用极具爆炸性。Sforzando 不仅是重音，更是情感的突然爆发点或结构的关键转折。本部分将提供如何将这些力度记号转化为具有冲击力的听觉事件的建议。 第四部分：对位法与室内乐精神的融入 贝多芬的奏鸣曲绝非独奏的“炫技场”，它们充满了对话、冲突与和解。 复调织体的处理： 从《F大调奏鸣曲》Op. 54 的清新对位，到《降B大调奏鸣曲》Op. 106（“哈莫涅卡彭”）的宏大赋格，演奏者需要将双手视为两个独立的对话者，而非单一旋律的承载者。如何清晰地分离声部，突出主题的进入，是成功的关键。 奏鸣曲的“室内乐性”： 贝多芬的许多奏鸣曲（如与小提琴或大提琴奏鸣曲相对应或精神一脉的作品）都带有强烈的两人对谈的色彩。在独奏奏鸣曲中，我们应尝试在不同声部之间建立这种“对话感”，使音乐的张力得以自然流动。 结语：永恒的探索 贝多芬的钢琴奏鸣曲是永无止境的探索领域。本指南期望激发演奏者更深层次的思考，超越指法和音符的限制，去捕捉那些潜藏在乐谱背后的、关于人性、抗争与光明的宏伟宣言。每一次演奏，都应是一次对这位伟大作曲家精神世界的重新发现与致敬。

评分☆☆☆☆☆

我是在准备一场音乐会时，经由一位老师推荐购买的这本乐谱集。坦白说，我一开始有些疑虑，市面上的“教学总谱系列”鱼龙混杂，有些不过是拼凑的文字和简单的乐谱，缺乏真正的学术价值。然而，当我翻阅到关于这部作品某一乐章发展部的那一段时，我的疑虑烟消云散了。出版方显然是下了大力气去挖掘这部作品的历史背景和不同的历史演绎脉络。其中穿插的一些小注释，例如关于某一特定乐器在当时的音域限制如何影响了莫扎特的写作抉择，这些洞见对于理解“为何如此写作”而非仅仅是“如何演奏”起到了画龙点睛的作用。这使得这本书不再是一个冰冷的乐谱展示，而是一部带有深厚人文关怀的音乐学读物。它强迫读者去思考，去挖掘，去体会那个时代作曲家在创作时的心境和限制，这对于培养一个真正有深度的音乐人才来说，是何等重要的一环，远超出了单纯的技法训练。

评分☆☆☆☆☆

这本总谱的译注和释义部分，展现出了一种令人耳目一新的严谨与克制。很多教学用谱为了显得“全面”，会塞入大量的、有时甚至是相互矛盾的演奏建议，反而让学习者无所适从。但这一本的处理方式非常高明，它专注于提供最核心、最被公认的演奏传统，并且在关键术语的翻译上力求准确，避免了那种为了追求“新颖”而产生的过度解读。比如，对于一些德语或意大利语的表情术语，它给出的解释非常简洁明了，并且附带着对原词的准确理解，而不是简单的词典式翻译。这使得初学者可以迅速建立起正确的音乐概念，而经验丰富的演奏者则能从中找到更深层次的共鸣。这种“少即是多”的编辑哲学，让整本书的阅读体验非常纯粹和高效，真正达到了教学辅助工具应有的水准，没有一丝多余的赘述，完全聚焦于音乐本身。

评分☆☆☆☆☆

从我个人的收藏角度来看，这本书的装帧设计简直是教科书级别的典范。我收藏了很多不同时期的乐谱，从二十世纪初的手刻锌版到八十年代的胶印本，每一本都有其历史痕迹，但这本新出的乐谱，成功地在“复古的优雅”和“现代的实用性”之间找到了一个完美的平衡点。它没有采用那种廉价的塑封，而是用了一种带有纹理的硬壳封面，即便经常翻阅，也不易损坏。内页的装订方式也值得称赞，它能够平摊在琴架上，即便是在演奏高潮部分需要频繁翻页时，也不会自己合拢，这在演奏实践中是至关重要的细节，多少次因为乐谱自己合上而中断了演奏的流畅性，真是令人抓狂。这种对演奏者实际操作体验的考虑，体现了出版方极高的职业素养和对最终用户需求的深刻理解，这种注重细节的实体书，在数字化时代更显得弥足珍贵。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的管弦乐指挥爱好者，我对于各类经典作品的总谱都有所涉猎，而这次拿到这本收录了某部重要交响曲的版本，最大的感受就是其校对的严谨性。我习惯于对照不同版本来研究作曲家的细微意图，尤其是和声处理和配器色彩的变化。在这本谱子上，我特意比对了几处和弦进行较为复杂的段落，发现其标记的力度记号和分句处理，比我手头几本老旧的欧洲版本要更为细腻和符合现代演奏的习惯，这可能得益于采用了更先进的数字排版技术来还原手稿的精神。更值得称道的是，它对于独奏乐器声部的处理，那些木管和铜管的交织部分，标记得层次分明，这对于排练时快速定位和解决声部平衡问题至关重要。有些出版物为了图省事，会把一些演奏提示写得含糊不清，但这里几乎没有这种含糊其辞的地方，每一个术语、每一个速度变化，都标示得斩钉截铁，让人一目了然，极大地提升了学习和排练的效率，绝对是专业人士案头必备的参考资料。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的装帧设计着实让人眼前一亮，那种古典与现代交织的质感，拿在手里沉甸甸的，仿佛能感受到历史的厚重。纸张的质量也相当不错，印刷的清晰度更是无可挑剔，即便是那些极其细微的连线和表情记号，也能看得一清二楚，这对于需要精确把握音符细节的演奏者来说，简直是福音。我过去用的那本旧谱子，有些地方的揉皱和污渍简直是场灾难，看着就心烦，但这本新乐谱带来的阅读体验是全新的享受。尤其是扉页上对于这部作品的简要介绍和创作背景的梳理，虽然篇幅不长，但切中要害，为初次接触或深入研究的读者提供了极佳的切入点。我特别欣赏它在版式布局上的用心，无论是五线谱的行距还是页边距的处理，都显得非常专业和人性化，长时间阅读和练习也不会让人感到眼睛疲劳。这种对细节的极致追求，体现了出版方对音乐教育的严肃态度，而非仅仅是将乐谱简单地复制上架。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精美的艺术品，值得收藏和反复摩挲。