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[法] 丹纳著傅雷译 著

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出版社： 生活.读书.新知三联书店

ISBN：9787108057754

商品编码：10995730756

出版时间：2016-10-01

作  者:(法)丹纳 著；傅雷 译 定  价:58 出 版 社:生活.读书.新知三联书店 出版日期:2016年10月01日 页  数:526 装  帧:盒函装 ISBN:9787108057754 ●译者序
●序
●艺术品的本质及其产生
●艺术品的本质
●一
●二
●三
●四
●五
●六
●七
●第二章艺术品的产生
●四
●五
●六
●七
●八
●九
●十
●第二编意大利文艺复兴期的绘画
●部分目录

内容简介

丹纳被称为“逻辑家兼诗人”，他随时运用具体的事例说明抽象的东西，以现代与古代做比较，以今人与古人做比较，使过去的历史显得格外生动，少见一般理论文章的枯索沉闷之弊。傅雷先生的泽文亦优美流畅，情感充溢，文字充满形象感和色彩，与丹纳的原作相得益彰。傅雷曾几次在“家书”中为傅聪推荐丹纳著的《艺术哲学》，并且，曾忍着腰酸背痛、眼花流泪，每天抄录一部分译文，寄给傅聪。其情殷殷，其书精妙。 (法)丹纳 著；傅雷 译 丹纳（1828—1893），法国史学家兼文学评论家。实证主义的杰出.使用一于律师家庭。自幼博闻强记，二十岁时以靠前名考入国立高等师范，专攻哲学。曾任巴黎美术学校美术史和美学教授。著有《拉封丹及其寓言》、《英国文学史》、《十九世纪法国哲学家研究》、《论智力》、《现代法兰西渊源》、《意大利游记》、《艺术哲学》等。
傅雷（1908－1966），我国有名文学艺术翻译家，从三十年代起，即致力于法国文学的翻译介绍工作，一生翻译作品三十余部，主要有罗曼·罗兰长篇巨著《约翰·利斯朵夫》、传记《贝多芬传》《托尔斯泰传》《米开朗琪罗传》，巴尔扎名著《高老头》《欧也妮·葛朗台》《贝姨》《邦斯舅舅》《亚尔培·等

《美学前沿：从现象到意义的探索》 作者： [此处留空，或使用一个富有学术气息的笔名] 出版社： [此处留空，或使用一个专业学术出版社的名称] --- 内容简介：重构审美经验的边界与维度 《美学前沿：从现象到意义的探索》是一部雄心勃勃的学术著作，它旨在超越传统美学对“美”的单一化和概念化定义，深入探究当代审美经验的复杂性、多义性与动态性。本书的核心关切在于：在技术飞速发展、文化多元冲突的后现代语境下，我们如何重新理解“艺术”、“审美判断”以及“意义生成”的机制。 全书结构严谨，分为五个主要部分，层层递进，构建起一个多维度的美学分析框架。 第一部分：现象学的回归与感官的解放 本部分聚焦于审美经验的本真状态，回归到现象学对“在世存在”的关注。作者摒弃了康德式超验的纯粹判断标准，转而探讨审美活动中身体、情境与对象的即时互动。 核心议题包括： 1. 具身审美（Embodied Aesthetics）： 探讨身体如何作为中介和感知器官，参与到对艺术形式的建构中。我们如何通过触觉、动觉乃至嗅觉来“体验”而非仅仅“观看”艺术品。例如，分析舞蹈的即时性、建筑的空间侵入性，如何将审美从视觉的囚笼中解放出来。 2. “在场”的悖论： 审视在媒介化（Mediatized）的时代，艺术品的“在场性”如何被重塑。虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术对传统艺术品“光环”（Aura）的消解与重构，引入了对“数字在场感”的细致考察。 3. 意向性与审美沉浸： 深入分析审美主体将注意力投射到对象之上时，心智活动的结构。这种意向性如何区别于日常的认知活动，并导向一种特殊的“流”（Flow）体验。 第二部分：媒介考古学与图像的权力 本部分将视角转向艺术的物质载体与传播技术，进行一次彻底的媒介考古学考察。本书挑战了“内容决定形式”的传统观点，主张媒介本身即是信息和意义的制造者。 关键章节探讨了： 1. 非线性叙事与碎片化感知： 分析当代电影、装置艺术和网络文学中普遍存在的非线性叙事结构。这种结构如何反映了现代人破碎的时间感和注意力分配模式，并催生出一种新的“断裂美学”。 2. 图像的泛滥与观看的疲劳： 借鉴瓦尔特·本雅明（Walter Benjamin）的洞见，但将其置于“超饱和”的数字信息时代。当图像廉价且无限复制时，图像的意义如何稀释？探讨“反观看”（Counter-Viewing）和“视觉怠惰”的美学意义。 3. “技术中介的自然”： 考察生态美学与科技的交汇点。探讨数据可视化、人工智能生成艺术（AIGC）在多大程度上能够代表或模仿自然之“美”，以及我们对“非人创造物”所产生的审美反应的伦理基础。 第三部分：当代艺术的界限与反规范 《美学前沿》对20世纪后半叶至今的激进艺术实践进行了细致的梳理，特别是那些故意模糊艺术与非艺术、美与丑、愉悦与不适之间界限的作品。 本书深入分析了以下领域： 1. 丑学与反审美（Anti-Aesthetics）： 对杜尚的“现成品”（Readymade）进行深层结构分析，并将其扩展到当代强调“非美”的作品。探讨“丑”如何通过挑战既定规范来激活审美的批判性功能。 2. 过程本体论： 关注行为艺术、环境艺术和暂时的公共干预（Intervention Art）。在这种美学中，作品的完成性不再重要，重要的是生成作品的行动本身。探讨时间性、不可重复性如何成为评价标准。 3. 社会转向与介入美学： 考察艺术作为社会行动的努力。当代艺术如何从纯粹的审美对象转变为政治工具或社会诊断。这包括对“参与式艺术”中“参与者”身份的质疑，以及艺术是否真的能促成现实变革的深层辩论。 第四部分：情感的拓扑学：从愉悦到复杂情感的捕捉 本书打破了传统美学对“崇高”或“愉悦”的关注，转而系统地探索一系列复杂、矛盾且通常被排除在美学范畴之外的情感状态。 主要研究对象包括： 1. 焦虑与“恐怖美学”： 分析在当代恐怖电影、哥特复兴艺术以及后人类叙事中体现的结构性焦虑。探讨这种情感如何通过特定的形式语言被艺术精确地捕捉和放大。 2. 怀旧与时间的创伤： 区分单纯的怀旧（Nostalgia）和“创伤性回忆”（Traumatic Recollection）在审美体验中的作用。探讨艺术如何使过去的情感事件以一种可被处理的方式“重现”。 3. 共情与陌生化： 审视艺术如何通过对异质经验（如残障、边缘化群体的生活）的描绘，迫使观众进行强迫性的共情练习。讨论这种共情是否是一种审美负担，以及艺术如何在使用“陌生化”技巧的同时，实现情感的联结。 第五部分：未来的地平线：计算与生成的美学理论 最后一部分将目光投向理论的前沿，试图为新兴的艺术形态提供必要的哲学支撑。 本书展望了： 1. 算法的诗学： 探讨当代码和数据集成为艺术创作的核心驱动力时，我们该如何定义“作者身份”和“创造力”。计算美学是否需要一套全新的判断标准来替代传统的人类中心主义理论。 2. 体验经济中的审美异化： 批判性地考察“体验式设计”和“沉浸式娱乐”如何将审美体验商品化，使其沦为一种可消费的刺激。 3. 跨学科的综合： 提议构建一个整合了认知神经科学、信息理论和现象学的“广域美学模型”，以期更好地理解人类在面对日益复杂的世界时，如何持续地、批判性地寻求意义和形式的和谐统一。 --- 总结： 《美学前沿》不是一部为“艺术欣赏”提供指南的读物，而是一部充满挑战性的理论建构。它要求读者放弃对“好艺术”的简单追求，转而投入到对艺术运作机制的深刻反思之中。本书适合对美学、艺术理论、文化研究及媒介哲学有深入兴趣的学者、研究人员及高阶学生。通过对当代艺术现象的细致剖析和对哲学工具的创新运用，本书为读者提供了一套审视和解码我们时代审美生活的全新思维工具。

评分☆☆☆☆☆

从文字的密度来看，这本书的含金量极高，几乎每一页都有值得被圈点、被记录的洞见。我记得有一个段落，只用了寥寥数语，就精准地概括了浪漫主义和古典主义在面对“混沌”时的两种截然不同的态度——前者试图拥抱它、赞美它，后者则急于将其驯化并纳入秩序。这种提炼能力，实在是高超。它不像许多理论著作那样，为了支撑一个论点而铺陈冗长的论据，而是像一位经验丰富的剑客，出招迅捷而致命，直指核心。读完之后，我感觉自己对历史上那些关键的艺术流派的理解，不再是孤立的点，而是在一个更广阔的、由人类基本生存焦虑所构筑的地图上重新定位了它们的位置。它让我认识到，所有的艺术创作，无论多么前卫或传统，其底层逻辑都是对人类有限生命的一种无限延伸的尝试。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，初翻这本书的时候，我有些难以适应它那种近乎于“散文诗”的写作腔调。它不像我预期中那种对“美学原理”进行系统梳理的工具书，倒更像是一本深思熟虑后的个人札记，充满了跳跃性的联想和极其个人化的体验描述。但随着阅读的深入，我开始意识到，这种“不按常理出牌”恰恰是它最迷人的地方。作者似乎并不急于给出一个标准答案，而是抛出无数个精巧的“问题碎片”，像星辰一样散布在纸面上，等待读者自己去连接和拼凑。例如，书中有一章专门讨论了“声音的色彩感”，这种跨感官的描述，极大地拓宽了我对艺术媒介边界的想象。它迫使我放下对传统分类法的执念，转而用一种更接近孩童般的好奇心去感受世界。合上书本，我发现自己看落日的方式都变得不一样了，仿佛每一抹光影背后都藏着一套尚未被破解的宇宙密码。

评分☆☆☆☆☆

这是一本需要被“慢慢品味”的书，急躁的读者恐怕会很快被它那近乎于冥想式的叙事节奏所劝退。它不是那种能让你一口气读完，然后宣称“我懂了”的速成指南。相反，它要求你反复咀嚼那些看似简单却蕴含深意的句子。我个人最欣赏它对“时间”在艺术作品中作用的剖析。作者没有仅仅停留在分析雕塑的永恒性或绘画的瞬间性，而是深入探讨了观众的“等待”如何参与到作品的完成过程之中。这种关于体验主体的强调，让我对那些需要漫长时间才能完全消化的艺术形式，如大型环境艺术或行为艺术，有了全新的敬畏感。这本书的价值不在于提供知识的清单，而在于重塑读者的“观看”和“感受”的机制。它像一把精密的刻刀，在你固有的认知结构上，小心翼翼地开凿出新的缝隙，让新鲜的空气和思想得以灌入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格带着一种奇特的、既古典又现代的混合气息，读起来既有古籍的庄重感，又不乏现代人对日常现象的敏锐捕捉。最让我印象深刻的是作者对“媒介的局限性”这一话题的处理。他没有陷入技术决定论的泥潭，而是巧妙地运用了对比论证——比如将“版画的复刻性”与“手稿的唯一性”进行对比，从而探讨了艺术作品在流通过程中“光环”的消散与重聚。这种对具体载体和抽象意义之间张力的捕捉，展现了作者深厚的思辨功力。它不是一本让你读完后能立刻写出一篇论文的“工具书”，而是一本能让你在面对任何艺术作品时，都能自然而然地升起更深层次探究欲望的“精神催化剂”。它成功地将“哲学”的深度与“艺术欣赏”的广度完美地融合在了一起，是一种令人愉悦的智力挑战。

评分☆☆☆☆☆

这部作品，在我看来，简直是一场对人类精神世界深处的精妙探索，完全跳脱了我们习以为常的审美框架。它没有像那些学院派的理论那样，堆砌着晦涩难懂的术语，反而像一位经验老到的哲人，用极其平实却又饱含力量的语言，引导我们重新审视那些被日常琐碎遮蔽的“美”。作者似乎拥有某种洞察一切的魔力，能够穿透艺术品冰冷的外壳，直抵其诞生时的那股原始冲动和思想暗流。比如，书中对“非对称性”在不同文明中的意义的分析，就给了我一个全新的视角。我以前总觉得，艺术的完美在于和谐与平衡，但读完后才明白，那些看似“失衡”的结构，恰恰是生命力最强烈的体现，是人类对某种更高维度秩序的本能追寻。全书的结构非常松散，却又在不经意间形成了一个严密的逻辑闭环，让人在翻阅的过程中，如同进行一场没有地图的远足，每走一步都有新的发现和震撼。这种阅读体验，远比那些按部就班的教科书来得酣畅淋漓。

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