故宫书画图录(二十八) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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国立故宫博物院 著

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出版社： 国立故宫博物院

ISBN：2010010501686

商品编码：16093172

翰墨丹青：中国古代绘画的流变与精粹 （一部旨在全面梳理中国古代绘画艺术发展脉络，深入剖析各时期代表风格与杰出作品的学术著作） 第一卷：远古之源与先秦风骨 本书的开篇，追溯至中华文明的蒙昧之初，探寻刻在岩壁之上，印记在陶器之上的原始图像。我们不将目光局限于后世文人画的成熟体系，而是深入探究那些被时间冲刷、埋藏地下的文明碎片。 第一章：岩画遗迹与陶器符号 详细考察了中国境内发现的旧石器时代晚期至新石器时代的岩画，分析其内容与原始宗教、氏族图腾的关联。重点阐述了仰韶文化、马家窑文化等彩陶上几何纹样与写实动物图案的演变，揭示了早期“图”与“文”的交织状态。例如，对陕西半坡遗址出土陶器上刻符的符号学解读，尝试还原先民的视觉叙事方式。 第二章：青铜时代的装饰语汇 进入夏商周，青铜器不再仅仅是礼器，其表面繁复的纹饰构成了早期宏大的视觉叙事空间。本章着重研究商周青铜器上饕餮纹、夔龙纹等神异主题的造型语言，探讨它们如何服务于当时的政治伦理与宗教信仰。同时，辅以对早期漆器和帛画（如湖南长沙马王堆汉墓出土前帛画）的考察，尽管年代上已接近秦汉，但其继承的楚文化巫风与浪漫主义色彩，为后世浪漫主义山水画的兴起埋下了伏笔。 第二卷：秦汉雄风与魏晋风度 秦汉时期，中央集权的建立和思想的整合，极大地推动了绘画的世俗化和技法的成熟。魏晋南北朝则是艺术精神的觉醒期，个体生命意识的觉醒开始影响艺术表达。 第三章：秦汉的画像石与墓室壁画 聚焦于汉代画像砖、画像石以及墓室壁画。通过对山东汉画像石“乐舞百戏”、“历史故事”和“神仙升天”等主题的分类研究，分析汉代绘画对现实生活场景的精细描摹能力。重点分析了“风雨图”、“云气纹”等母题的象征意义，及其对后世山水画中气势营造的影响。对辽宁、四川等地域画像石风格差异的比较研究，展示了汉代艺术的地域多元性。 第四章：顾恺之与“传神写照”的开端 深入探讨了魏晋时期“以形写神”理论的形成。着重研读顾恺之的艺术思想，通过流传下来的摹本或文献记载，分析其在人物画中对“点睛之妙”的追求。对比陆探微、张墨等人的风格侧重，揭示了玄学思潮如何将绘画从单纯的教化工具提升为士人寄托精神的媒介。南朝宫廷画的精致与北朝石窟造像艺术的浑厚力量，构成了这一时期艺术的双重面貌。 第三卷：盛唐气象与五代精微 唐代是中国封建社会的巅峰，艺术成就全面开花。盛唐气象的恢宏与中晚唐的变革，共同铸就了中国绘画史上最辉煌的篇章之一。 第五章：吴道子的革新与壁画的巅峰 详述吴道子“吴带当风”的笔法对唐代人物画的革命性影响。本章将唐代壁画艺术作为主体，系统梳理了莫高窟、榆林窟等盛唐壁画的色彩运用、构图布局和叙事深度。着重分析了吴道子、周昉、韩干等大家在不同题材（道释人物、仕女、鞍马）上的独特贡献，展现唐代绘画所特有的饱满、自信、大气磅礴的时代精神。 第六章：李思训父子的金碧山水 将早期山水画的独立地位确立。详细考察李思训、李昭道父子所开创的“青绿山水”的技法特点，包括对矿物颜料的精妙处理和对空间层次的程式化表达。通过与成熟期水墨山水的对比，突显唐代山水画在追求富丽堂皇与装饰美学上的成就。 第四卷：宋元的格局转变与文人入画 宋代是中国古典绘画的集大成者，理学思潮催生了写实主义的极致与对“意境”的深层追求。元代则因蒙古统治，文人阶层地位变化，彻底完成了绘画向“抒写性灵”的转向。 第七章：北宋的写实主义与宏大叙事 本章聚焦北宋院体画的巅峰成就。系统梳理了范宽《溪山行旅图》所代表的北方山水的雄伟壮阔，郭熙《早春图》所体现的“可行、可望、可游、可居”的理论实践。对张择端《清明上河图》的社会生活风俗画价值进行细致的剖析，展示了宋代画家对自然物象的观察入微和对结构逻辑的精准把握。 第八章：徽宗的院体与南宋的抒情转型 探讨宋徽宗赵佶对画院的制度化管理及其对花鸟画的推动作用，分析其“瘦金体”书风与绘画审美之间的内在联系。随后，分析靖康之变后，南宋院体如何向更具内敛、抒情倾向的风格转变，例如李唐、刘松年、马远、夏圭的“院派”对“一角半边”构图的运用，及其对意境营造的侧重。 第九章：元代“四大家”与水墨的自觉 详细论述元代文人画的理论基础——“画为诗有”和“墨分五色”。专题分析赵孟頫对复古的强调，以及黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四位大家在笔墨语言上的革新。特别是对倪瓒“逸笔”的笔墨特点、其所寄托的隐逸情怀，进行了深入的探讨，标志着中国绘画彻底完成了对“写实再现”的超越，进入到纯粹的“抒写主观性灵”的阶段。 附录：图版精选与术语释义 本书附录收录了历代重要的绘画作品图版（不含特定的宫廷著录），并提供详尽的术语解释，如“披麻皴”、“斧劈皴”、“界画”、“界尺”等，以供专业研究者与普通爱好者共同参考，建立起对中国古代绘画技法与审美理论的全面认知体系。

评分☆☆☆☆☆

我关注的重点在于其文献价值和版本考证的严密性，这套图录在这一点上做得堪称典范。在涉及一些流传有争议的作品时，它没有回避矛盾，而是清晰地罗列了正反双方的论据，并引用了多方权威的早期著录作为佐证，让读者可以自行判断，体现了一种高度负责任的学术态度。这种对“版本史”的重视，使得这套书的参考价值远超一般的图册，它更像是一部流传有序的古代书画史的缩影。我特别留意了那些涉及“失载”、“重见”的作品部分，编者们付出了巨大的心血去核对各代著录中的信息变化，甚至追溯到清宫旧藏的档案记录，这种追根溯源的工作量是难以想象的。最终呈现出的成果，是一部既有宏大叙事，又注重微观考据的集大成之作，体现了极高的史料价值和不可替代性。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我更偏爱它那种近乎“沉浸式”的阅读体验，它成功地将枯燥的学术成果转化成了一种愉悦的审美享受。每一次翻开，都像是在与古人进行一场无声的对话。图录的编排上，跳出了传统的按时间顺序或者朝代堆砌的模式，而是采用了更具启发性的主题划分，比如某一特定题材在不同时期的演变，或者某一特定用笔技法在不同地域画家的运用差异。这种编排方式极大地激发了我的探索欲，让我愿意花上数小时沉浸其中，对比着不同画家的“山石皴法”或是“花鸟点染”，那种心领神会的满足感，是其他普通画册无法给予的。它不只是展示“是什么”，更重要的是引导你去思考“为什么会是这样”，这种引导性思维的构建，是真正的高水平专业书籍的标志。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说说这套书在学术梳理上的严谨程度，这才是真正体现其专业水准的地方。它并非只是简单地罗列图片，而是构建了一个非常清晰的知识脉络。每一幅作品的著录信息都详实得令人感动，包括但不限于作者的生平考证、创作年代的校对、题跋的释文与考证，甚至是所用材质和装裱的历史沿革，都有详尽的记录。这对于我们这些试图深入了解作品背后故事的研究者来说，简直是福音。更难能可贵的是，它在不同时期、不同流派之间的比较研究上也做得非常出色，通过配对展示相似主题或技法相似的作品，使得观者能够很容易地在横向和纵向上建立起对中国绘画史的宏观理解。那些看似枯燥的注释和索引部分，也组织得井井有条，体现了编纂团队深厚的学养和极大的耐心。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，就能感受到一种沉甸甸的文化气息。纸张的质感非常考究，那种微微泛黄的色调，仿佛带着历史的温度，让人在翻阅时会不自觉地放慢速度，生怕动作太大惊扰了那些穿越时空而来的笔墨灵魂。特别是那些高精度的彩色印刷，对于那些线条细微、墨色层次丰富的作品，还原度简直令人惊叹。你能清晰地看到画家运笔时的力度变化，墨汁在宣纸上洇开的微妙过渡，即便是那些年代久远的卷轴，也仿佛被重新“激活”了生命力。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，很多平时在小型图册上难以捕捉到的笔触细节，在这里都能被放大呈现，这对于研究古代书画的笔法和技艺，无疑提供了极其宝贵的直观材料。整体来看，这不仅仅是一套图书，更像是一件精心制作的艺术品，收藏价值与研究价值并重，绝对是书架上不可或缺的镇馆之宝。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些非科班出身的艺术爱好者来说，这套书的价值在于它极大地降低了接触顶尖国粹的门槛，但又保证了专业性。它的导读部分写得非常接地气，没有太多晦涩难懂的术语，即便是一个初次接触古代书画的人，也能快速抓住作品的精髓所在。比如，它会用非常形象的比喻来解释古代文人画中的“意境”与“气韵”，而不是空泛地谈论概念。此外，书中收录的拓片和局部放大图，对理解古代印章、款识的重要性起到了很好的辅助作用。我尤其喜欢它在版式设计上留出的“呼吸空间”，每一页的留白恰到好处，使得主体作品的视觉冲击力得以最大程度的保留，不会因为信息堆砌而显得拥挤不堪。这套书的出版，无疑是对中华优秀传统文化的一次有力普及和推广。