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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806927557

商品编码：1107861610

出版时间：2012-08-01

作  者:无 著作 都华 编者 定  价:35 出 版 社:上海音乐学院出版社 出版日期:2012年08月01日 页  数:270 装  帧:平装 ISBN:9787806927557 ●儿童歌曲
●1.小星星
●2.两只老虎
●3.欢乐颂
●4.洋娃娃和小熊跳舞
●5.划船歌
●6.拍手歌
●7.数鸭子
●8.世上只有妈妈好
●9.种太阳
●10.北京的金山上
●11.花仙子之歌
●12.蓝精灵之歌
●13.红蜻蜒
●14.小小少年
●15.我爱洗澡
●16.外婆的澎湖湾
●17.童年
●流行
●18.隐形的翅膀
●部分目录

内容简介

《架子鼓曲集108首(修订版)》精选了108首架子鼓初学者*喜欢演奏和必练的曲目，分以下几个板块：儿童歌曲、*新流行、通俗金曲、中国民歌、外国民歌、经典合奏曲目，且每个板块都按照从易到难的顺序排列，并在目录中对曲目标注了星级难度系数，从一颗星到三颗星难度，让初学有目的有计划有针对性地练习。

好的，这是一份针对假设的、与《架子鼓曲集108首（修订版）》无关的图书的详细简介。 --- 《交响诗的结构与配器艺术：从浪漫主义到现代主义的演变》 作者：[此处留空，或假设一位音乐史学家姓名] 出版社：[此处留空，或假设一家专业音乐出版社名称] 定价：[此处留空] 装帧：精装/函套 页数：约850页（含乐谱示例与图表） --- 内容梗概 《交响诗的结构与配器艺术：从浪漫主义到现代主义的演变》是一部深度探讨十九世纪中叶至二十世纪中叶交响诗这一音乐体裁发展脉络的学术专著。本书超越了对作品的简单介绍和曲式分析，而是聚焦于“结构逻辑”与“音响织体”这两个核心维度，剖析作曲家们如何通过对管弦乐队资源的创新性运用，构建起宏大叙事与精微情感的统一体。 本书不仅梳理了李斯特、柏辽兹等奠基者在文学叙事与音乐形式间的平衡策略，更细致考察了勃拉姆斯、德彪西、马勒乃至斯特拉文斯基在打破传统交响曲框架、重塑音乐叙事语言方面的突破。作者以严谨的音乐学视角，结合详尽的管弦乐队配器实例，揭示了交响诗如何成为十九世纪“交响的时代”中，对古典主义规范进行叛逆与重构的最前沿阵地。 核心章节与研究重点 本书共分为六大部分，旨在为音乐学院学生、专业指挥家、作曲家以及资深音乐爱好者提供一套系统的、多层次的理解框架。 第一部分：浪漫主义的勃兴与体裁的奠基（1830-1870） 本部分着重考察了柏辽兹的《幻想交响曲》作为“新音乐”宣言的意义，以及李斯特通过“主导动机”和“变奏发展”来统一单乐章结构的革命性贡献。 叙事优先与曲式重塑： 分析了文学文本（如诗歌、小说、戏剧）如何直接影响音乐的宏观布局，探讨“标题性”如何取代了奏鸣曲式的严格性。 管弦乐法的前沿尝试： 详细剖析了柏辽兹在配器法中对音色组合、分奏技巧（Divided strings）以及打击乐器的革命性使用，展示其如何将管弦乐队视为一个色彩丰富的“超级乐器”。 第二部分：晚期浪漫主义的史诗化倾向（1870-1910） 此阶段，交响诗的规模急剧膨胀，主题的哲学深度与配器的密度达到了前所未有的高度。重点分析了理查·施特劳斯、西贝柳斯及马勒早期作品。 “哲学交响诗”的构建： 聚焦于理查·施特劳斯如何通过精妙的对位技术和庞大的乐队编制（如《查拉图斯特拉如是说》），将尼采的哲学概念转化为具体的音响结构。 地域性与民族精神的融入： 探讨了芬兰民族主义音乐家西贝柳斯如何在他独特的自然意象描绘中，运用对木管乐器的特定处理和线性织体，创造出区别于德奥传统的音响景观。 第三部分：印象主义与德彪西的“声景”革命 本部分将视角转向法国，分析德彪西的交响诗（如《大海》）如何宣告了对德奥式戏剧性叙事的终结，转而追求瞬间的“感官体验”和“氛围的捕捉”。 色彩与和声的解构： 深入解析了全音阶、五声音阶的使用，以及对传统功能和声的疏离，探讨这些手法如何服务于对光影、水波等自然现象的“描摹”。 乐器音色的“去线性化”处理： 重点分析了德彪西对弦乐弱奏、弱音器使用，以及对竖琴、长笛等乐器“颗粒性”的偏爱，这些技巧如何构建出透明而富有层次的音响织体。 第四部分：现代主义的解构与重构（1910-1940） 随着二十世纪的到来，交响诗面临着新的挑战：如何在不再依赖明确的文学叙事或具象描绘的情况下，维持单乐章作品的内在统一性？ 新古典主义的回归与改造： 分析了拉威尔如何将印象主义的色彩技巧与巴洛克、古典主义的结构清晰度相结合（例如，在《圆舞》中对传统体裁的戏仿）。 俄国学派的“交响化”倾向： 探讨了斯特拉文斯基早期作品（如《火鸟》中的叙事性段落）与他后期对交响性思维的回归，分析其在节奏组织和主题发展上如何服务于“动力性”而非“描绘性”。 第五部分：配器技术深度剖析：从管弦乐法到音响工程 本部分是全书技术性最强的一章，旨在提供一套分析交响诗配器法的实用工具。 密度、层次与透明度： 运用频谱分析和声部进行分解，量化分析不同时期交响诗的“音响密度”（Acoustic Density）。例如，对比马勒的厚重复调与德彪西的稀疏织体。 对位法在单乐章结构中的作用： 考察了作曲家如何利用对位技术（尤其是在理查·施特劳斯和西贝柳斯的作品中）来替代传统呈示部-再现部的功能，实现主题的持续发展。 第六部分：当代影响与体裁的消亡与延续 总结交响诗体裁在二战后的发展，探讨其在新的音乐语境下，是如何演变为“交响音画”、“交响变奏曲”或更自由的“管弦乐构图”的。本书批判性地评估了交响诗作为一种“标题音乐”的局限性，以及它在现代主义音乐语言转型中的历史地位。 本书的特色与价值 1. 跨学科的深度融合： 本书不仅仅是音乐分析，更融合了文学理论、美学史和管弦乐法实践，为理解交响诗的“文学性”和“音乐性”的张力提供了全面的视角。 2. 丰富的乐谱实例： 书中包含了数百处精心挑选的管弦乐谱片段（非架子鼓谱），这些片段经过仔细标注和指析，用以直观展示作曲家的配器意图和声部进行逻辑。 3. 理论与实践的桥梁： 对于作曲家而言，本书提供了从结构布局到具体音色选择的实践指导；对于演奏者和指挥家而言，它深化了对作品背后创作理念的理解，从而指导更具洞察力的诠释。 --- 本书适合对象： 音乐学、作曲与指挥专业的研究生及本科生。 专业交响乐团的演奏员及乐团管理者。 严肃古典音乐鉴赏者和寻求深入了解浪漫主义至现代主义音乐史的听众。 读者将从中获得： 对十九、二十世纪交响乐发展史上这一关键体裁的深刻认知，以及一套分析复杂管弦乐织体的批判性思维工具。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《架子鼓曲集108首(修订版)》，我就被它海量的曲目数量所吸引，108首，这绝对是一个令人振奋的数字！更重要的是，它并非简单地堆砌数量，而是将这些曲目作为提升鼓技的阶梯。我是一个对节奏变化和律动感特别敏感的人，这本曲集恰恰满足了我的这一需求。它不仅仅是让你去“敲打”，而是引导你去“理解”和“感受”节奏。书中很多曲子的编排都非常有巧思，将一些看似复杂的节奏型拆解开来，通过不同的乐句和段落，让你在不知不觉中掌握它们。我尤其欣赏它在技巧上的循序渐进，从基础的手部独立性训练，到双踩、过门等进阶技巧的融入，都与具体的曲目练习紧密结合。这使得练习过程不再是孤立的技巧分解，而是与音乐实践相结合，更有成就感。修订版在乐谱的清晰度上也有了显著提升，无论是音符的准确性还是节奏的标记，都做得非常到位，即便是一些快速的乐句，也能清晰地辨认。我曾经遇到过很多乐谱模糊不清，导致节奏误解的情况，而这本曲集在这方面完全避免了这个问题。我常常在练习时，发现自己能够更好地把握乐曲的整体律动，也能更自信地运用各种节奏型来表达音乐。这本曲集就像是一个巨大的宝藏，每一次翻阅都能发现新的亮点，每一次练习都能获得新的进步。它让我对架子鼓演奏有了更深入的理解，也让我对未来的学习充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《架子鼓曲集108首(修订版)》是一本非常有诚意的教材。我之前也接触过不少架子鼓的乐谱，但很多都存在一些问题，要么乐谱过于简单，要么就是一些拼凑的练习，缺乏系统性。这本曲集在这方面做得非常出色。首先，它的内容量非常扎实，108首曲目，足以让一个鼓手练习很长一段时间。而且，这些曲目并非随意挑选，而是经过精心编排，能够很好地涵盖各种节奏型、鼓点以及不同的音乐风格。我非常欣赏它对不同技巧的处理方式，它没有生硬地把技巧单独列出来，而是将它们巧妙地融入到每一个乐曲中，让你在不知不觉中就完成了技巧的训练。而且，每一首曲子都有不同的“味道”，有的激昂，有的舒缓，有的则充满了律动感，这极大地激发了我的练习兴趣。修订版在乐谱的排版上做了很大的优化，字体清晰，音符的间距合理，即便是初学者也能轻松读懂。我尤其喜欢它对一些复杂节奏的注释，往往能用非常简洁明了的方式解释清楚，让我能快速理解和掌握。我曾经遇到过一些很难理解的节奏标记，但在看这本书的时候，这个问题得到了很好的解决。它让我的练习不再是机械的重复，而是充满了探索和发现的乐趣。通过这本曲集，我不仅提升了我的节奏感，也对如何更好地运用鼓组来表达音乐有了更深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个有着一定架子鼓基础，但总感觉瓶颈期的鼓手来说，这本《架子鼓曲集108首(修订版)》提供了一个绝佳的突破口。我一直希望能找到一些能挑战自我，但又不至于让我完全望而却步的练习材料。这本曲集在曲目选择的难度梯度上做得非常到位，从易于掌握的流行节奏，到需要更精细控制的拉丁节奏，再到一些需要良好协调性的复杂切分，都得到了充分的体现。我特别喜欢它在一些曲目中对不同鼓件的巧妙运用，不仅仅是底鼓和军鼓的配合，而是将嗵、镲片等各种鼓件的音色和节奏进行有机融合，这大大丰富了我的听觉体验，也帮助我拓展了对鼓组声音的理解。修订版在一些技巧注释方面做得非常细致，对于一些容易出错的地方，都有详细的指导和建议，这使得我在攻克难点时能少走弯路。我曾经在练习一些复杂的切分节奏时感到很困惑，但通过曲集中的具体示范和讲解，我逐渐找到了窍门，并且能够将这些技巧自然地融入到乐曲中。而且，这本曲集中的许多曲目都非常具有音乐性，它们并非只是技术练习的工具，本身就具备了很强的听赏价值。这使得我在练习时，能够更好地体会到音乐的情感和表达，也更能理解鼓手在音乐中所扮演的角色。总而言之，这本曲集为我提供了一个系统而又充满趣味性的进阶路径，让我能够不断挑战自我，并在架子鼓演奏的道路上迈出坚实的步伐。

评分☆☆☆☆☆

这本《架子鼓曲集108首(修订版)》简直是为我量身定做的！我是一个非常注重音乐性和实用性的人，我希望我的练习不仅仅是枯燥的技术堆砌，而是能够真正地应用于音乐实践中。这本曲集在这方面做得淋漓尽致。它所包含的108首曲目，每一首都非常有特色，并且能够很好地反映不同音乐风格下的鼓乐精髓。我最看重的是它在节奏变化和鼓点设计上的创新性。书中很多曲子的鼓点设计都非常有层次感，能够引导鼓手去思考如何用不同的节奏来营造音乐的氛围。而且，它对一些经典节奏型的运用也非常到位，让你在练习中就能掌握各种流行音乐和摇滚乐中的常用节奏。修订版在解释一些技巧和节奏时，做得非常细致，并且提供了很多实用的练习建议，这对于我这样喜欢钻研细节的鼓手来说，是莫大的帮助。我常常会发现，书中对某个节奏的处理方式，能够给我带来新的灵感，让我能够更好地理解和运用各种节奏。而且，这本曲集中的曲目本身都非常动听，我在练习它们的时候，也能够享受到音乐带来的愉悦。这让我能够更持久地保持练习的热情，也让我对架子鼓演奏有了更深的理解和热爱。它不仅仅是一本曲集，更像是一位经验丰富的老师，引导我不断进步，探索架子鼓的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

这本《架子鼓曲集108首(修订版)》真是让我眼前一亮，也让我对架子鼓学习的认识提升了一个新的高度。作为一名入门不久的鼓手，我一直希望能找到一本既能系统学习，又能保持趣味性的教材。这本曲集在这方面做得非常出色。首先，它并非枯燥的理论堆砌，而是以大量精心挑选的曲目作为载体，将各种鼓点、节奏型、技巧巧妙地融入其中。每一首曲子都经过了细致的编排，难度循序渐进，从最基础的四四拍切分到一些更复杂的切分和三连音，都能在曲目中得到体现。更值得赞赏的是，修订版在排版和注释上做了很多改进，乐谱清晰易读，关键的技巧和注意事项都有详细的解释，这对于自学的朋友来说实在是太友好了。我特别喜欢它对不同音乐风格的涵盖，从摇滚、流行到一些爵士和放克的元素，都能找到对应的练习曲目。这不仅让我能够接触到更广泛的音乐类型，也帮助我理解不同风格下鼓手的演奏特点。而且，很多曲子本身就很好听，练习起来不会觉得枯燥，反而能激发我持续学习的热情。我曾经尝试过一些其他教材，但总是觉得要么过于理论化，要么曲目选择过于单一，容易产生疲劳。而这本曲集的设计，仿佛是在请一位经验丰富的鼓老师，一步步地引导你，让你在实操中不断进步，享受音乐带来的乐趣。我真心觉得，如果你也像我一样，渴望系统而有趣地学习架子鼓，这本《架子鼓曲集108首(修订版)》绝对是你的不二之选，它已经成为我案头不可或缺的练习伙伴。