作曲技术理论综合教程（套装上下册）/全国高等院校音乐教育专业系列教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙维权，叶青青 著，余丹红 编

图书标签:

• 作曲技术
• 音乐理论
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• 作曲
• 音乐专业
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• 理论学习

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806928240

版次：1

商品编码：11487908

包装：平装

丛书名： 全国高等院校音乐教育专业系列教材

开本：8开

出版时间：2014-05-01

用纸：胶版纸

页数：358

套装数量：2

正文语种：中文

内容简介

　　《作曲技术理论综合教程（套装上下册）/全国高等院校音乐教育专业系列教材》专门针对师范院校的音乐教育专业学生编写。师范院校的需要学习包括和声、复调、曲式、配器等传统技术理论课程，作曲技术理论综合教程将这四门课的学习内容加以合并，注重将技术理论的学习密切联系实际需要，根据今后中小学音乐课教学的实际要求进行教学。和声课与即兴伴奏教学结合，尤其关注带伴奏的中外艺术歌曲的和声分析与为歌曲伴奏的和声应用。复调教学重点放在为歌曲伴奏中副旋律与补充方法写作的训练。配器主要进行以校园歌曲为主的各类体裁、风格乐曲配置midi管弦乐伴奏技能的训练等，供相关读者阅读学习。

目录

上
总序／余丹红
前言
第一单元 基础知识
第一课 学习用ENCORE软件将乐谱输入电脑
第二课 移调及其他操作
第三课 正三和弦的基本概念
第四课 和声分析的基本方法
第五课 单一性曲式分析
第六课 大小调正三和弦和声配置
第七课 MIDI配器GM音色库简介与音色选择
第二单元 副三和弦与变和弦分析与应用
第八课 副三（七）和弦分析与应用
第九课 副属七和弦的分析与应用
第十课 副属导七和弦分析与应用
第十一课 同主音大小调交替与调式交替变和弦分析与应用
第十二课 同主音大小调式混合的分析与应用
第十三课 降II级和弦与副下属和弦的分析与应用
第十四课 经过性减七、增六与属变和弦的分析与应用
第十五课 线条化和声手法
第十六课 MIDI配器原则与舞曲的管弦乐织体配置
第十七课 抒情曲的管弦乐织体配置
第十八课 进行曲的管弦乐织体配置
谱例

下
总序／余丹红
前言
第三单元 复合性曲式分析
第十九课 变奏曲式结构分析
第二十课 复三部曲式分析
第二十一课 回旋曲式分析
第二十二课 奏鸣曲式分析
第二十三课 声乐曲特殊曲式结构分析
第二十四课 远关系转调分析
第四单元 补充与副旋律手法应用
第二十五课 模仿性补充手法
第二十六课 华彩}生补充手法
第二十七课 线条性补充手法
第二十八课 复调音乐与副旋律分析
第二十九课 副旋律手法
第五单元 五声调式与民族化织体配置
第三十课 宫调式和声
第三十一课 徵调式和声
第三十二课 羽调式和声与同宫系统调式交替和声配置
第三十三课 小型舞蹈音乐设计
第三十四课 用CAKEWALK—SONAR进行演奏表情加工
第三十五课 综合复习及录音技术简介
谱例

前言/序言

好的，以下是一份不包含《作曲技术理论综合教程（套装上下册）/全国高等院校音乐教育专业系列教材》内容的图书简介，内容详实，旨在展现专业性和深度。 --- 《十九世纪浪漫主义音乐风格研究：从贝多芬到马勒的音乐语汇嬗变》 导论：时代的洪流与音乐的应答 十九世纪，是人类社会经历剧烈变革的时代，工业革命的浪潮、民族主义的兴起、启蒙思想的余晖与对超验世界的向往交织，共同塑造了浪漫主义这一宏大而复杂的文化思潮。在音乐领域，这一时期标志着古典主义的规范性与平衡美学逐渐让位于个体情感的喷薄、叙事精神的注入以及音色色彩的极大拓展。本书旨在深入剖析十九世纪浪漫主义音乐从其早期萌芽至晚期高峰的演变历程，聚焦于核心作曲家的技术创新、风格特征及其在特定社会文化背景下的艺术表达。我们将重点探讨这一时期音乐语言如何从对“普世真理”的探求转向对“主观体验”的刻画，并最终在宏大叙事与内心细语之间寻求平衡。 第一部分：浪漫主义的奠基与早期探索 (1800-1840) 一、贝多芬的遗产与转向：古典框架下的浪漫之声 尽管贝多芬常被视为连接古典与浪漫的桥梁，但他对音乐结构、和声语言和情感表现力的拓展，为后来的浪漫主义者开辟了道路。本部分将详尽分析其晚期作品（如晚期弦乐四重奏、第九交响曲），探讨其对奏鸣曲式结构进行“变形”的实践，以及如何通过对位法和非功能性和声手法的运用，预示了未来和声自由化的趋势。重点分析奏鸣曲式中主题发展部（Development）的“戏剧性”增强，如何服务于个体意志的体现。 二、舒伯特与艺术歌曲的黄金时代 舒伯特是“浪漫主义之声”最早的清晰发声者之一。本章将聚焦于他的艺术歌曲（Lied）创作，分析他如何实现歌词意境与音乐表达的完美融合。研究的核心在于钢琴伴奏的“织体化”功能——钢琴不再仅仅是和声的支撑，而是成为了叙事者、氛围的营造者（如《冬之旅》中的“寒冬”意象），以及人物内心世界的投射。通过对旋律线条的自由化处理和对调性色彩的敏感运用，探究其如何将民间音乐的质朴融入高度精炼的艺术形式。 三、肖邦与钢琴的私密世界 肖邦的作品构成了浪漫主义音乐的另一重要支柱，尤其在于他对钢琴表现力的极致发掘。本书将详细考察肖邦如何通过新的触键技巧、对踏板的精妙控制，以及对和声色彩（尤其是经过音、远关系和弦的运用）的创新，将钢琴从“乐队缩影”转变为能够承载最细腻情感的“独白者”。重点分析玛祖卡、圆舞曲等小型作品中蕴含的民族精神与个人化抒情的张力。 第二部分：中坚力量与风格的成熟 (1840-1870) 一、舒曼：文学性、心理深度与曲式创新 舒曼的作品是浪漫主义“内心独白”的典范。本部分将探讨他的“双重人格”——弗洛雷斯坦（激进、冲动）与尤塞比乌斯（沉思、内省）——如何在作品中得以体现。详细研究其钢琴套曲的“联珠效应”（Cyclical Form）和标题性，分析他对早期对位法（如赋格）的浪漫化处理，以及他如何在看似随意的即兴片段中，保持着严谨的音乐逻辑。 二、柏辽兹与“宏大叙事”的开端 柏辽兹代表了对古典交响乐结构的大胆解构与对“标题性音乐”（Program Music）的推崇。我们将以《幻想交响曲》为核心案例，深入剖析“固定音型”（Idée Fixe）的运用机制——它如何成为个体情感和戏剧冲突的统一线索。此外，还将探讨他对管弦乐队音色的革命性认识和运用，如何将配器本身提升为叙事和表达的决定性要素。 三、李斯特的“交响诗”与和声的解放 李斯特对交响诗（Symphonic Poem）的创立，是音乐史上从“纯音乐”向“描绘性音乐”转变的关键一步。本章将分析其如何运用“主题变形法”（Thematic Transformation）来构建单一乐章的宏大结构，并探讨他那极具前瞻性的和声探索，特别是其作品中频繁出现的增三和弦、减七和弦的非功能性使用，如何为晚期瓦格纳的和声语言埋下伏笔。 第三部分：晚期浪漫主义的扩张与终结 (1870-1910) 一、瓦格纳的“总体艺术作品”与和声的极限 瓦格纳的音乐戏剧对整个欧洲音乐产生了颠覆性的影响。本书将聚焦于其晚期作品中的“主导动机”（Leitmotif）系统，分析其如何构建一个与戏剧同步发展的复杂音乐语义网络。尤其重要的是，我们将剖析《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”及其带来的功能和声的“悬置”现象，探讨这如何标志着调性体系在浪漫主义内部的自我瓦解。 二、德彪西的印象主义曙光：对浪漫主义的反思 尽管德彪西常被归入印象主义，但他对晚期瓦格纳式“沉重”的反思，恰恰是浪漫主义终结的侧面证明。本章将探讨德彪西如何从对情感的“深化”转向对音色和瞬间氛围的“捕捉”。通过分析其对全音音阶、五声音阶的运用，以及对“非功能和声”（Non-functional Harmony）的偏爱，揭示其如何通过“褪色”浪漫主义的色彩，为二十世纪音乐的转型做准备。 三、马勒与“世界终结”的交响史诗 马勒的九部交响曲是浪漫主义交响乐的最后的高峰，同时也是其崩溃的前兆。本节将深入分析马勒如何将康托斯（Song）与交响曲相结合，探索其音乐中“民间”与“精英”、“崇高”与“庸俗”的激烈冲突。重点分析其配器规模的极端化（如使用额外的小乐团）、对不协和音的策略性使用，以及贯穿始终的“存在主义式”的焦虑与对终极意义的追问。马勒的音乐，是浪漫主义以最宏大、最复杂的形式，完成自我审视与告别。 结语：遗产与展望 本书最终将总结十九世纪浪漫主义音乐在和声、曲式、配器以及与文学戏剧关系上的根本性突破，并展望其如何为二十世纪的现代主义音乐——无论是勋伯格的无调性探索，还是斯特拉文斯基的新古典主义复古——提供了必要的技术和哲思基础。 --- 目标读者群： 音乐学、音乐教育学、作曲与指挥专业本科高年级及研究生；具备扎实的基础和声与曲式知识的音乐爱好者。 本书特色： 强调音乐技术分析与时代背景的紧密结合，避免空泛的风格描述，侧重于具体作品中技术语言的创新点和演变逻辑。

评分☆☆☆☆☆

我最近开始尝试为短片配乐，发现自己陷入了一个瓶颈：脑子里有画面，但手指却跟不上想象力。过去我主要依赖直觉和模仿，但很快就发现这样走不远。偶然翻阅到这套教程的某一部分，关于如何将特定的情绪或场景转化为具体的织体和配器法时，我受到了极大的启发。书中对“动机发展”的论述尤其深刻，它不再是抽象的理论，而是变成了可操作的“工具”。它教会我如何从一个微小的音乐种子，通过系统的分解、变形和扩展，最终构建出一个完整的音乐段落，这个过程被描述得如此细致入微，让我能够立刻在我的数字音频工作站（DAW）中进行实践。这套书的价值就在于，它有效地弥补了学院派教育中常常缺失的——将抽象的“美学”转化为具体的“技术”的鸿沟。它真正做到了“授人以渔”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名需要定期更新教学资料的教师，我关注的重点往往在于教材的实用性和前沿性。这套教材在组织结构上体现出了极高的专业水准。它不是简单地罗列知识点，而是将它们编织成一张有机的知识网络。例如，当它讲解对位法时，会立刻关联到不同历史时期的曲式应用，并辅以大量的谱例对比。这种交叉引用和融会贯通的做法，极大地提高了学习效率。更难得的是，它没有被僵化的学院派思维所束缚，而是鼓励读者在掌握了基础规范之后，去探索其背后的精神内核并进行创造性的应用。书中的排版清晰，图表制作精良，即便是需要阅读大量五线谱的章节，也保证了视觉上的舒适度，这对于长时间伏案学习的人来说，是一个非常贴心的细节设计。它无疑是高等音乐教育中一套极具参考价值的权威读本。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对这套教材的“厚度”感到有些压力，但深入阅读后，我才明白每一页的价值所在。它不像某些流行的音乐读物那样追求快速、表面的技巧传授，而是真正致力于培养学习者的“音乐思维”。其中关于“不协和音的解决与运用”的章节，我反复看了好几遍。作者深入探讨了从古典到浪漫，再到现代，对不协和音处理哲学的演变，这不仅仅是技术层面的讨论，更是一种对作曲家内心冲突和时代精神的深刻洞察。通过这样的学习，我不仅学会了“如何使用”某些和声，更重要的是，我开始理解“为什么”在特定情境下需要使用它们。这种由技术引导至哲学的学习路径，极大地提升了我对音乐的审美判断力和自我批判能力。这本书真正做到了，它不仅是技术手册，更是一部关于“如何成为一个有思想的音乐家”的指南。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我对市面上很多声称“综合”的教材都持保留态度，因为它们往往顾此失彼，要么偏重理论的晦涩，要么流于实践的肤浅。然而，这套书（虽然我只提到了其中一本，但能感受到整体的风格）在广度和深度上找到了一个绝佳的平衡点。我特别欣赏它对二十世纪以来音乐风格变化的探讨，这部分内容在很多基础教材中常常被一笔带过，但这本书却给予了足够的篇幅和细致的分析。它没有回避那些听起来“怪异”的现代和声语言，而是用清晰的逻辑将其拆解开来，让我这个传统音乐背景的学习者能够逐步适应新的听觉体系。阅读时，我感觉自己像是在跟随一位博学的音乐史学家和作曲家一起探秘，领略不同时代作曲家们是如何突破既有框架的。对于那些渴望突破自己创作瓶颈的音乐人来说，这本书提供的视角和工具箱是极其宝贵的，它教会我们如何去倾听和理解“未来”的声音。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的一剂强心针，内容之详实，结构之严谨，让我这个初学者受益匪浅。一开始我还担心那些复杂的乐理概念会让人望而却步，但作者的讲解方式非常平易近人，仿佛有一位经验丰富的老师在我身边一步步引导。特别是对于和声进行和曲式分析的部分，不仅仅是枯燥的规则堆砌，而是结合了大量经典的音乐范例进行剖析，让人能真正理解“为什么”这么写，而不是死记硬背。我记得有一次，我被一个复杂的转调卡住了很久，翻开这本书的对应章节，里面的图表和文字解释完美地打通了我的思维盲区，那种豁然开朗的感觉，真是太棒了。书中的练习题设计得也非常巧妙，难度循序渐进，既能巩固基础知识，又能激发创新思维，不像有些教材那样，要么太简单，要么难到让人想放弃。总的来说，它成功地搭建了一座从理论到实践的坚实桥梁，让原本高冷的作曲技术变得触手可及。

评分☆☆☆☆☆

这个书 感觉 很坑的感觉 里面讲解很少 感觉就是一本没用的书一样 谱子到时很多很多啊 书太贵 太坑 *都不买这书 白扔了8 只有一点 书的质量还可以 其他都没用 内容不好 一切都没用

评分☆☆☆☆☆

买来瞎看的

评分☆☆☆☆☆

好评，虽然还未用上，先备着。

评分☆☆☆☆☆

技术艰深，专业。慢慢学习。

评分☆☆☆☆☆

这个书 感觉 很坑的感觉 里面讲解很少 感觉就是一本没用的书一样 谱子到时很多很多啊 书太贵 太坑 *都不买这书 白扔了8 只有一点 书的质量还可以 其他都没用 内容不好 一切都没用

评分☆☆☆☆☆

还可以～～～谱子好多～～～～～～

评分☆☆☆☆☆

好评，虽然还未用上，先备着。

评分☆☆☆☆☆

买来瞎看的

评分☆☆☆☆☆

hhhhh