音乐史论问题研究（续编） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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于润洋 著

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• 续编
• 音乐

出版社： 中央音乐学院出版社有限责任公司

ISBN：9787810967136

版次：1

商品编码：11805107

包装：平装

开本：32开

出版时间：2015-10-01

用纸：胶版纸

页数：266

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐史论问题研究（续编）》是笔者继1986年至2003年间出版的三本论文集之后的第四本论文集，
　　其内容分为三类：一类所涉及的主要仍然是音乐史学和音乐美学的有关问题；第二类则是两篇访谈录；第三类则是若干篇为友人们的音乐论著和音乐作品撰写的序言。
　　一类的前三篇是未曾发表过的文字，其中《音乐创作和鉴赏中的主客体关系问题探讨》是1995年在厦门大学艺术学院研究生班所作的学术讲座；《对音乐作品的体验和理解问题纲要》是2007年为江西师范大学音乐学院所做的学术讲座；而《试从中国的“意境”理论看西方音乐》则是笔者早在2003年撰写的一篇专题论文，之后未曾发表。以上三篇文字均是首次发表。其余几篇则都是在不同音乐刊物上发表过的，其中《关于音乐学研究的若干问题思考》《谈音乐分析学的多元化建构》《谈音乐学视域下的和声、对位教学问题》先后刊载于《人民音乐》的2009年1期、2010年2期和2011年4期上；《（悲情肖邦）学术研讨会上的终结发言稿》将刊载于即将由上海音乐学院出版社出版的一部专题论文集中；《八十述怀》一文则载入2012年中央音乐学院出版社出版的《庆祝于润洋教授八十华诞学术文集》中。

目录

音乐创造和鉴赏中的主客体关系问题探讨
对音乐作品的体验和理解问题纲要
关于音乐学研究的若干问题思考
《悲情肖邦》学术研讨会上的终结发言稿
谈音乐分析学的多元化建构
谈音乐学视域下的和声、对位教学问题
对音乐学研究中“跨学科”问题的认识
试从中国的“意境”理论看西方音乐
不朽的音乐伟大的悲情——纪念肖邦诞辰200周年访谈
音乐学的领军人物——于润洋
八十述怀
在艰辛的探索中走自己的路——写于徐振民五部管弦乐作品付梓之际
戴定澄《欧洲文艺复兴时期合唱曲选》序言
黄海澄《艺术美学》序言
郑中《梅西安钢琴独奏作品研究》序言
《毛宇宽音乐文集》序言
《20世纪西方音乐学名著译丛》序言
姜永兴《中国音乐图像》序言
列维斯·洛克伍德《贝多芬：音乐与人生》中译本序言
《新格罗夫音乐与音乐家辞典》第二版中国版序言
后记

精彩书摘

　　《音乐史论问题研究（续编）》：
　　今年迎来了改革开放新时期的30周年。这30年，我国在各个领域都发生了令世界瞩目的巨大变化。与经济领域突飞猛进的发展相适应，伟大的思想解放运动成为我国人文社会科学发展的巨大推动力。正是在这种情境和条件下，作为我国音乐事业重要组成部分的音乐学学科，与音乐领域中的其他部门相比，取得了毫不逊色的重大进展。
　　人类对自身创造的音乐文化的人文思考，在东西方都已经有几千年的历史，我国古代曾产生过不逊于古希腊音乐思想的《乐记》《声无哀乐论》等这样辉煌的音乐思想成果。但是，在世界范围内音乐学作为近代意义上的一门独立的学科，至今也不过只有一百多年的历史，它的学科雏形肇始于德国，之后随着欧洲哲学一人文社会科学的发展，这门学科在欧美得到了相当迅速、长足的发展。由于种种复杂的历史原因，在这个领域曾有过辉煌历史的我国，在漫长的历史过程中却未能得到更具创新性的持续发展，终于滞后于西方；而在我国这门独立的人文学科它的真正起步和发展，已经是接近上个世纪的中叶了。一旦起步之后，它的步伐便逐渐加快。特别是改革开放30年来，其发展势头呈现出前所未有的局面，这体现在：在高等音乐院校先后建立的音乐学专业的内部分支学科已趋向相对齐全.培养了相当一批高学历的音乐学专门人才；出现了数量可观的音乐学术刊物；出版了一批有相当学术质量的专著和论文；音乐学界先后成立了一系列的专业学会，有力地推动着学科的发展。30年来，我有幸亲眼目睹和参与了这个过程。
　　关于音乐学这门学科的学术内涵和定位，近年来音乐学界的同仁们有过不少有益的论述和学科发展的设想。在我看来，作为人文学科的一个门类，音乐学这门学科的基本内涵可以概括地表述为：从历史和理论这两个层面上对音乐这门艺术进行全方位、多侧面的、基础理论性的探究。我的这个看法比较接近19世纪末德国音乐学家阿德勒的看法，不过他将这两个层面称之为历史的音乐学和体系的（或系统的）音乐学，而其具体内涵自然已无法与当代相提并论了。20世纪中期在美国的音乐学术界，为了强调民族音乐学的重要性，常常将音乐学与民族音乐学二者并列，而将音乐学的对象主要局限在音乐史领域，这在概念上造成了一定的混乱，因此似乎并不十分可取。
　　关于从事音乐学事业和音乐学研究，我在2000年和2002年先后发表的两篇谈论关于音乐学工作者的心境、方法和学风问题，以及我国音乐学学科建设问题的文章中，①谈过自己的一些认识和想法。这里，我想再结合自己五十年来在音乐学领域里的学习和工作体会，进一步谈谈我对从事音乐学研究过程中若干问题的一些思考。为了有一个比较完整的表述，其中有些内容是我在上述两篇文章中谈到过的，请恕我在一些地方不得不做一点必要的复述，敬请读者予以谅解。
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前言/序言

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，完全避免提及《音乐史论问题研究（续编）》的内容，并且力求自然流畅，不带AI痕迹。 --- 《跨越巴洛克：十七世纪欧洲音乐风格的流变与革新》 导言：时代的脉搏与音乐的转型 十七世纪，一个充满剧烈变革的时代，见证了欧洲社会、政治、哲学思想的深刻转型。在这场宏大叙事中，音乐艺术犹如一面敏锐的镜子，映照出新旧交替的张力与活力。本书聚焦于这一关键的百年跨度，旨在深度剖析从晚期文艺复兴的余晖中挣脱而出，直至巴洛克早期风格确立并走向成熟的整个过程。我们不满足于简单罗列作曲家的生平与作品，而是着眼于风格的“生成”与“流变”，探讨技术革新、美学思潮与社会需求如何共同塑造了这一时期音乐的独特面貌。 第一部分：从复调的精妙到单音的宣言——早期巴洛克语法的诞生 本部分首先回顾了十六世纪末期，特别是意大利北部，为追求戏剧性表达而引发的音乐语法上的革命。我们详细考察了佛罗伦萨“新艺术学会”（Camerata Fiorentina）的理论探索，分析了他们如何试图复兴古希腊悲剧中的“音乐化语言”（stile rappresentativo）。 1. 情绪的理论与实践： 达芬园（Della Valle）等人的理论如何催生了“抒情宣叙调”（Recitative）的诞生，以及这种新型歌唱风格如何挑战了传统对位法的至高无上地位。我们对比分析了蒙特威尔第（Monteverdi）早期作品中“第二风”（seconda pratica）与“第一风”（prima pratica）的辩证关系，展示了情感表达如何成为组织音乐材料的首要原则。 2. 数字低音的崛起： 这是理解巴洛克早期音乐结构的基石。本书投入大量篇幅解释数字低音（Basso Continuo）并非简单的伴奏形式，而是一种结构性的、即兴性的演奏实践。我们考察了不同乐器组合（如大提琴、维奥尔琴、羽管键琴、鲁特琴）在低音部实现功能上的差异，以及这如何为旋律线条的自由发展提供了和声框架。 3. 歌剧的“原罪”： 探讨了从曼托瓦到威尼斯的歌剧发展路径。重点分析了早期歌剧如何融合了牧歌、室内剧与清唱剧的元素，并在威尼斯商业剧院体系中迅速大众化的过程。对比研究了早期歌剧在叙事结构和角色塑造上，如何从神话主题过渡到更具人性冲突的题材。 第二部分：室内与神圣的对白——器乐与声乐的并进 随着十七世纪的深入，音乐的领域不再局限于宗教场合或宫廷宴会，它开始拥有清晰的室内空间与公共剧场。本部分关注声乐与器乐如何在各自的领域内发展出新的体裁和语言。 1. 意大利室内乐的成熟： 重点分析了奏鸣曲（Sonata）体裁的演变。我们区分了“教堂奏鸣曲”（Sonata da Chiesa）和“室外奏鸣曲”（Sonata da Camera）在结构、速度安排和对位复杂度上的差异。意大利小提琴学派（Corelli、Vivaldi的先驱们）如何通过对技巧的系统化（如双音、琶音、换把等）推动了弓法艺术的革命性进步。 2. 协奏曲思想的萌芽： 追溯了“协奏”（Concerto）概念从合奏团内部的对奏（Stile Concertato）到不同声部群体间对话的演变。特别是“大协奏曲”（Concerto Grosso）的结构雏形，展示了独奏乐器组（Concertino）与完整乐队（Ripieno）之间张力的构建逻辑。 3. 清唱剧与清唱剧的并行发展： 在声乐领域，清唱剧（Oratorio）如何在罗马，特别是在巴罗克中晚期教皇体制的支持下，发展成为一种重要的叙事音乐体裁。我们比较了声乐独白（Aria）从早期的“连接性咏叙调”向更具炫技性和抒情性的“结构化咏叹调”过渡的里程碑式作品，并分析了合唱在戏剧高潮中的功能重塑。 第三部分：北方的吸收与融合——德意志地区风格的形成 十七世纪中期，意大利风格的技术和美学成果如潮水般涌入中欧，但在德意志地区，它们与路德宗的赞美诗传统、复调的严谨性以及文艺复兴晚期的北方复调技巧发生了复杂的化学反应。 1. 音乐的普世性与地方性： 分析了施佩尔斯基（Schütz）等作曲家如何学习意大利的戏剧手法，却将其融入到对德语文本的精准把握和对赞美诗和声传统的尊重之中。重点探讨了施佩尔斯基的《叙事曲》（Historiae）在结构上对早期歌剧的借鉴与本土化的努力。 2. 管风琴音乐的复兴与传承： 考察了巴赫家族（J.S. Bach的祖辈们）在管风琴领域的贡献，以及布克斯特胡德（Buxtehude）等人在北德地区发展出的基于即兴幻想曲与赋格技巧的自由体结构。探讨了意大利奏鸣曲形式如何影响了北德的室内乐写作。 3. 早期歌剧在德语世界的移植： 考察了汉堡歌剧院的建立，以及德语歌剧在早期如何努力模仿意大利的成功模式，同时又在语言的句法上与美学追求之间不断寻求妥协与创新。 结论：通往成熟巴洛克的桥梁 本书的结论部分，将十七世纪视为一个必要的“孵化期”。它不仅确立了西方音乐史上最重要的结构性要素——数字低音、大协奏曲的张力、咏叹调的抒情性——而且通过风格间的互动与冲突，为十八世纪音乐的鼎盛时期，如维瓦尔第、亨德尔乃至巴赫的宏伟创作，铺设了坚实的技术与美学基础。我们认为，理解这一百年间的“不成熟”与“试验性”，是真正掌握巴洛克音乐精髓的关键所在。 ---

评分☆☆☆☆☆

阅读体验中，我发现作者的叙事风格极富感染力，这对于一门相对冷峻的学科而言，实属难得。他仿佛是一位技艺高超的导游，带领读者穿梭于不同历史时期的音乐殿堂。那种文字的张力，时而雄浑激昂，仿佛置身于宏大的历史场景之中；时而又细腻婉转，仿佛能听见古人指尖流淌出的微妙音符。这种叙事节奏的把握，使得原本可能显得枯燥的史料梳理过程，变得引人入胜。它不再是简单的文献堆砌，而是一种有温度的、充满生命力的历史重现，极大地激发了读者的好奇心和探究欲，让人忍不住一口气读下去，想要追随作者的思路，探寻历史深处的秘密。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个比喻来形容这本书的价值，那它更像是一部高分辨率的显微镜，使得那些原本模糊不清的音乐史细节，变得纤毫毕现。作者对待文献的态度，犹如对待文物一般敬畏而审慎，他揭示了许多我们习以为常的“常识”背后，其实隐藏着复杂的历史建构过程。他的论证过程严密到几乎找不到可供反驳的漏洞，这种建立在深厚学术基础之上的自信，使得全书的结论具有极强的说服力。对于任何一位希望在相关领域进行深入研究的人来说，这本书提供了一个极高的起点和难以逾越的标杆，其学术贡献是深远且具有启发性的，它无疑将成为未来研究者们必须引用的基石性著作之一。

评分☆☆☆☆☆

初翻开这部作品，一股严谨的学术气息扑面而来。作者在引言部分就清晰地阐明了其研究的脉络和核心关切，展现出深厚的理论功底和开阔的史学视野。行文逻辑如同精密的机械装置，环环相扣，层层递进，没有丝毫的含糊不清或语义上的滞涩。每一个论点的提出都有详实的史料作为支撑，并且对史料的辨析和解读，都体现出高度的批判性思维。我特别欣赏作者在处理那些历史上的争议性议题时所展现出的审慎态度，既不偏激妄断，也不回避矛盾，而是以一种近乎外科手术般的精确性去剖析问题的本质。这种扎实的治学态度，让人感到作者是真正深入到历史现场，而非停留在概念的表层进行空泛的论述。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是其跨学科的整合能力。作者显然不满足于仅仅停留在音乐史本身，而是巧妙地将社会学、美学、甚至哲学层面的洞见融入到对音乐现象的解读之中。例如，在分析某一时期音乐风格的演变时，他能够精准地捕捉到当时的社会思潮和权力结构是如何渗透并形塑出特定的听觉审美。这种全景式的考察方法，使得音乐不再是一个孤立的艺术形式，而是成为了理解特定时代精神的一把独特钥匙。这种宏大的视野和精微的观察相结合的方式，极大地拓宽了我对“历史研究”边界的理解，让我意识到音乐史的研究深度可以达到何种程度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮。封面采用了深邃的墨绿色，配以烫金的标题字体，散发出一种古典而又不失现代感的韵味。纸张的选择也十分考究，触感温润而厚实，拿在手中有一种沉甸甸的实在感，这对于一本严肃的学术著作来说，无疑是加分项。内页的排版布局清晰流畅，字体大小适中，行距拿捏得恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。尤其是那些引用和注释部分，格式规范统一，为读者查阅和深入研究提供了极大的便利。从这本书的整体物理形态来看，出版方显然在制作工艺上投入了大量的精力和心血，这不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的艺术品，让人在阅读之前就对接下来的学术旅程充满了美好的期待。这种对细节的极致追求，往往预示着内容本身的深度和严谨性。