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费维耀，余震琪 著

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9771005774166

版次：1

商品编码：11932371

包装：平装

开本：16开

出版时间：2009-06-01

用纸：胶版纸

页数：72

附件：CD

附件数量：1

内容简介

　　2016年6月英文标题
　　人物
　　雷诺?卡普松：金弦上的咏叹调 陈俐敏
　　采访
　　薛颖佳：关于奉献、牺牲以及高贵的人格 胡越菲
　　Xue Yingjia: About Devotion,Sacrifice and Noble Character
　　听，那“二十封信”的低语呢喃——范晔古典吉他情景音乐会 爱米粒
　　听乐记
　　上海世博会“乐历” 梦乡
　　在圣彼得堡倾听音乐会 刘元举
　　辰星闪烁，山湖颤栗——记2016辰山草地广播音乐节 江轻舟
　　乐海博览
　　《友谊地久天长》和它的“变奏曲” 杨杰民
　　西洋音乐文化在上海的孕育 赵建中
　　请给我一杯红粉马天尼 余倩
　　柬埔寨的“多哥拉之歌” 饶文心
　　音乐漫话
　　听海顿说：我从来不是一个快手 俞星
　　十五项音乐世界纪录 周晓斐
　　歌剧主人公爱的究竟是什么？ 任海杰
　　交响乐团刍议 杨光
　　音乐书屋
　　“把我们的血肉铸成我们新的长城”——介绍《我们的国歌》一书 卜大炜
　　赏片评碟
　　李斯特说他“有生之年不可能成功”——弗郎兹?贝尔华德的生平与音乐 徐家祯
　　附片档案
　　“怪杰”萨蒂的钢琴作品创作历程 吴文静

前言/序言

《旋律的足迹：2016年夏日音乐漫谈》 内容提要： 本书汇集了二十余篇深度乐评、音乐文化考察报告以及对多位当代音乐家的独家访谈，旨在为读者勾勒出2016年上半年全球音乐领域的重要脉络与独特声景。我们不满足于简单的专辑推荐，而是深入剖析了不同音乐流派——从回归传统的民谣复兴，到电子音乐对空间和时间概念的颠覆，再到古典乐在数字时代的新生命力——背后的社会、技术和艺术动因。本书尤其关注了音乐创作中“真实性”与“技术干预”之间的张力，探讨了音乐人如何在快速迭代的媒介环境中，保持其艺术的纯粹性与前瞻性。 --- 第一章：声音的拓扑学：流派交融与边界消弭 1.1 跨界不再是噱头：当代音乐的“融合体”现象 在2016年，我们见证了音乐流派界限的加速模糊。本章首先探讨了“后流派化”的趋势。传统上被严格区分的古典、爵士、摇滚乃至嘻哈，开始以前所未有的密度相互渗透。我们详细分析了某位专注于将巴赫赋格结构融入实验电子乐的年轻作曲家，如何通过精确的算法模拟，在保持原作精神内核的同时，创造出令人耳目一新的听觉体验。这种融合并非简单的拼贴，而是深层次的结构重构。我们考察了这种现象背后的技术基础——更强大的数字音频工作站（DAW）和更易获取的采样库——如何赋予了创作者无限的可能性，同时也带来了辨识度稀释的风险。 1.2 民谣的“电子幽灵”：怀旧与未来的对话 民谣音乐在近几年经历了一场深刻的“电气化”转型。本节聚焦于那些依然使用木吉他作为叙事核心，却大量引入合成器纹理和延迟效果的音乐人。这并非对上世纪七八十年代合成器浪潮的简单复刻，而是一种更微妙的情绪处理方式。我们认为，在信息爆炸的时代，听众对“慢下来”、“讲述故事”的需求并未消失，但他们需要一个能承载现代焦虑感的载体。电子乐的空灵感被用来烘托个人叙事中的疏离与迷惘，形成了独特的“内省电子民谣”。 1.3 非洲节奏的全球回响：从阿弗罗比茨到都市脉搏 本章的重点之一是对非洲当代音乐的考察。随着全球化的加速，源自西非的节奏体系，特别是其复杂的复节奏结构，正在深刻影响全球舞曲和R&B的制作。我们追踪了数位活跃于欧洲和北美的非洲裔制作人，他们如何巧妙地将本土的传统打击乐模式，与底特律的浩室（House）或伦敦的格莱姆（Grime）进行嫁接。这种声音的输出不仅仅是娱乐，更是文化身份在全球舞台上重新定位的有力证明。 --- 第二章：技术与人性：录音室中的哲学辩论 2.1 “完美”的陷阱：录音工程中的动态争议 进入21世纪第二个十年，音乐制作中的“响度战争”（Loudness War）似乎进入了一个微妙的休止期，但与之相伴的新哲学挑战浮现：我们是否过度依赖压缩和母带处理，以至于抹去了音乐的“呼吸感”？本章深入访问了几位坚持使用模拟设备和传统录音方式的制作人，他们强调的是动态范围（Dynamic Range）对情感表达的至关重要性。通过对比同一首曲目在极致压缩和保留动态范围下的听感差异，我们探讨了数字时代对“听觉舒适区”的重新定义。 2.2 算法时代的旋律生成：AI作为合作者 2016年是人工智能在创意产业中开始展现真正潜力的时期。我们没有讨论AI取代人类音乐家的可能性，而是将AI视为一种新的“乐器”或“合作者”。本节详细介绍了几种基于机器学习的旋律生成模型，它们如何学习特定作曲家的风格，并生成新的、符合该风格的片段。关键在于，人类音乐家如何对AI的输出进行“策展”和“注入灵魂”，将冰冷的计算结果转化为具有情感深度的作品。 2.3 空间音频的复兴：从环绕声到沉浸式体验 随着虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术的兴起，音乐的播放环境不再局限于双声道立体声。本章考察了空间音频（Spatial Audio）技术在音乐制作中的应用。我们分析了那些刻意设计声音在三维空间中移动的作品，它们如何利用听众的头部追踪信息，创造出超越传统音箱限制的临场感。这不仅是技术升级，更是对“聆听”这一行为的重新定义——从被动接收到主动探索声场。 --- 第三章：现场的温度：表演的重塑与社群的构建 3.1 音乐节的后勤与美学：从狂欢到策展 2016年的大型音乐节，已经从简单的“明星汇集”演变为高度复杂、具有特定文化指向的城市景观。本章对几个关键的夏季音乐节进行了田野调查。我们关注的重点不再是舞台上的烟火，而是音乐节如何通过场地选择、艺术装置以及非主流音乐时段的设置，来构建一种特定的“亚文化体验”。我们探讨了音乐节如何成为一种临时的、仪式性的社群构建场所。 3.2 独奏家的回归：在高度数字化的世界中寻求亲密感 尽管电子乐和团队协作占据主流，但2016年也见证了一批注重“纯粹人声与乐器”的独奏艺术家的崛起。这些表演往往选择更小、更私密的场地，强调演奏者与听众之间的直接目光接触和情感交流。我们分析了这种现象背后的心理需求：在被屏幕和算法包围的生活中，人们对原始、未经修饰的艺术表达产生了强烈的渴求。 3.3 票务经济与独立音乐的生存法则 在音乐产业结构持续调整的背景下，现场演出和周边商品成为了独立音乐人的主要收入来源。本章研究了当时新兴的、更直接的粉丝支持模式（如Patreon的早期应用），以及它们如何改变了音乐人与核心听众之间的经济关系。我们认为，这种“直接连结”模式在一定程度上削弱了传统唱片公司作为中介的地位，使艺术家能够更自主地控制自己的创作方向和商业决策。 --- 结语：回响于未知的和弦 本书并非试图为2016年的音乐下一个最终的定义。相反，它记录了在技术飞速发展与文化身份重塑的交叉口，音乐家们所做出的富有远见和勇气的尝试。我们目睹了声音的边界被拓宽，艺术的纯粹性被重新审视，以及听众与创作者之间关系的微妙转变。这些记录，是为未来的聆听者准备的一份关于“此刻”声音的详尽地图。

评分☆☆☆☆☆

这期《音乐爱好者》简直是惊喜连连，一拿到手就迫不及待地翻开。封面那个乐队，虽然名字听起来有点陌生，但他们的音乐风格绝对是我的菜！文章里对他们成军以来的经历，特别是早期的一些趣事，描写得特别生动，仿佛能感受到他们当时那种青涩却又充满激情的劲头。专辑的深度剖析更是点睛之笔，不光是技术层面的解读，还深入探讨了音乐背后的情感和创作意图，让我对这张专辑有了全新的认识。很多歌词的意象，以前只是隐约觉得美，看完这篇文章才豁然开朗，感觉自己和音乐的距离一下子拉近了很多。尤其是一段关于主唱创作灵感的描写，细腻得让人动容，我甚至能想象出他在那个深夜，笔尖在纸上沙沙作响，心中涌动着怎样的旋律。而且，文章还特别提到了他们现场演出的感染力，虽然我还没机会亲眼见到，但光是文字描述就足以让人心潮澎湃，想象着万人合唱的壮观场面。还有关于他们对音乐产业的看法，以及如何在新时代保持独立性的思考，这些都让我觉得这个乐队不光是玩音乐，更是有思想有态度的艺术家。总的来说，这篇文章让我对这个乐队的喜爱又加深了一层，也让我更加期待他们未来的发展。

评分☆☆☆☆☆

这期《音乐爱好者》中的“音乐人生”系列，这次聚焦了一位隐居多年的传奇作曲家，写得太有味道了。文章没有过多渲染他辉煌的过去，而是着重于他晚年平静而专注的生活状态。通过作者的笔触，我仿佛看到他独自一人坐在山间的木屋里，窗外鸟语花香，手中轻抚着古老的钢琴，旋律就那样不经意间流淌出来。这种返璞归真的创作方式，与当今浮躁的乐坛形成了鲜明的对比，给人一种洗涤心灵的力量。文章还引用了他的一些哲学思考，关于艺术的本质，关于生命的意义，字字珠玑，引人深思。我尤其喜欢其中一段描写，他谈到自己如何从大自然中汲取灵感，将山川河流、风云变幻融入到他的音乐中。这种与自然的深度融合，让他的音乐充满了生命力，也让我重新审视了自己与周围环境的关系。这篇报道更像是一篇散文，它没有华丽的辞藻，却有着深厚的底蕴，让我感受到了音乐背后那种宁静致远的生命智慧。读完这篇文章，我感觉自己仿佛也经历了一次心灵的冥想，平和而充实。

评分☆☆☆☆☆

我对《音乐爱好者》的“音乐科技前沿”栏目一直情有独钟，这期的内容更是让我大开眼界。文章详细介绍了几个新兴的音乐制作软件和硬件，特别是那种可以模拟各种经典合成器音色的插件，看得我手痒痒，恨不得立刻就去试试。它不光是介绍了这些工具的功能，还提供了很多实用的使用技巧和案例，比如如何用AI辅助编曲，如何利用最新的录音技术捕捉更细腻的声音细节。最吸引我的是，文章还探讨了VR/AR技术在音乐领域的应用前景，比如沉浸式的音乐体验，虚拟音乐会等等，这些想象空间太大了！我甚至脑补了一下，以后在虚拟现实里，可以和喜欢的乐队一起在舞台上表演，那该是多么酷炫的体验！另外，文章还提到了关于声音设计的最新趋势，以及如何利用声音来创造更具感染力的情感体验。对于我这种对音乐技术充满好奇的人来说，这篇报道简直就是一份宝贵的指南，它让我看到了音乐创作和体验的无限可能，也让我对未来的音乐世界充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

这次《音乐爱好者》里关于古典音乐复兴的专题，真的写得太及时了，也太有深度了。我一直觉得现在的年轻人对古典音乐有点疏离感，觉得它高高在上、难以接近。但这篇文章却用一种非常平易近人，甚至带点小故事的口吻，讲述了几个年轻乐团如何将古典音乐融入现代生活，举办各种创意音乐会，甚至尝试跨界合作，比如将古典乐和电子音乐融合，或者在户外举办露天音乐节。其中对一位指挥家与年轻观众互动的描写，让我印象深刻，他没有居高临下地讲授，而是用幽默风趣的方式引导大家去感受音乐的魅力，去发现其中的趣味。文章还介绍了一些值得关注的古典音乐节和演出季，其中有些地方我以前完全不知道，看完这篇报道，我立刻把它们列入了我的旅行清单。另外，我也很喜欢其中关于“如何欣赏一部交响乐”的攻略，它不是枯燥的技术分析，而是从情绪、旋律、故事性等多个角度出发，教会读者如何在听的过程中找到乐趣。这种将古典音乐“年轻化”和“生活化”的尝试，我觉得非常有意义，也让我对古典音乐产生了新的兴趣和探索的冲动。

评分☆☆☆☆☆

这期《音乐爱好者》里关于独立音乐厂牌生存现状的报道，简直是一针见血，让我这个常年混迹于各种小型演出的人看得心有戚戚焉。文章没有回避独立厂牌面临的困境，比如资金链断裂、市场推广困难、版权盗版等问题，而是深入分析了它们在夹缝中求生存的策略。我尤其欣赏的是，文章不是简单地罗列问题，而是通过采访了几个不同规模、不同风格的独立厂牌的负责人，讲述了他们如何用热爱和坚持，在充满挑战的环境中打造出独具特色的音乐。其中一个厂牌，用非常接地气的方式，比如和本地手工艺人合作推出联名产品，或者利用社交媒体进行病毒式传播，来扩大影响力，这种方式非常有启发性。还有一位厂牌主理人，他提到“宁愿赔钱也要支持有潜力的乐队”，这种对音乐的纯粹热爱，让我感动不已。文章还探讨了独立音乐如何在大平台和小众市场之间找到平衡点，以及未来独立音乐的发展方向。读完这篇文章，我更加理解了那些默默付出、推广独立音乐的人们的不易，也更加坚定了自己支持独立音乐的决心。

评分☆☆☆☆☆

一直在购买，主要是每期都有一张CD听

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提升自己，懂得更多

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音乐月刊

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好

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物美价廉，好东西！快递服务态度好！赞一个！

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音乐月刊

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一直在购买，主要是每期都有一张CD听

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一如既往的好！

评分☆☆☆☆☆

好，挺不错的