世界美术史（修订版）（套装共8册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱伯雄 著

图书标签:

• 美术史
• 艺术史
• 世界艺术
• 西方艺术
• 绘画
• 雕塑
• 建筑
• 艺术鉴赏
• 艺术文化
• 艺术作品

出版社： 山东美术出版社

ISBN：9787533019808

版次：1

商品编码：10192545

包装：平装

开本：16开

出版时间：2006-06-01

页数：4064

套装数量：8

编辑推荐

　　

　　修订后的本书共分8卷，每卷约40万字，内附300一500幅左右图片，其中彩色图片约占总数的1／5。这八卷分别为：第一卷：原始艺术；第二卷：古代希腊、罗马和中世纪；第三卷：古代中国、印度、日本；第四卷：文艺复兴、17世纪；第五卷：18、19世纪欧洲，中国明清；第六卷：19世纪后半部；第七卷：20世纪西方艺术；第八卷：20世纪中国、日本 。修订后全书共8册。末卷内附有“大事年表”。
　　此书的读者对象主要是专业、业余的美术史论与美术工作者。它既是一部研究美术史的专著，也是各高等艺术院校备用的工具性参考书。为了读者研究的方便，在每一章之后还提供一份撰稿人所使用的国内外参考书目。重要的引文与材料的出处加注在每一文页的下边，凡有杏阅必要的人名与地名，将在卷后以“译名对照”的格式附上原文，供读者核对。

内容简介

　　

修订后的本书共分8卷，每卷约40万字，内附300一500幅左右图片，其中彩色图片约占总数的1/5。这八卷分别为：第一卷：原始艺术；第二卷：古代希腊、罗马和中世纪；第三卷：古代中国、印度、日本；第四卷：文艺复兴、17世纪；第五卷：18、19世纪欧洲，中国明清；第六卷：19世纪后半部；第七卷：20世纪西方艺术；第八卷：20世纪中国、日本 。修订后全书共8册。末卷内附有“大事年表”。 此书的读者对象主要是专业、业余的美术史论与美术工作者。它既是一部研究美术史的专著，也是各高等艺术院校备用的工具性参考书。为了读者研究的方便，在每一章之后还提供一份撰稿人所使用的国内外参考书目。重要的引文与材料的出处加注在每一文页的下边，凡有杏阅必要的人名与地名，将在卷后以“译名对照”的格式附上原文，供读者核对。

作者简介

　　朱伯雄 (1932.1—2005.10.10)，男，别名羊石，祖籍浙江湖州，出生于上海。中国著名的美术史论家，教育家，翻译家，任文理学院史论系客座教授，艺术学院客座教授。朱伯雄先生自幼受家训影响研习书法，初学颜柳，后学汉隶各帖。自40岁起临习草书，兼及汉隶，直至古稀之年。晚年，他将篆书（尤其是大篆）作为主攻方向，篆书艺术创作渐入佳境。2003年曾在上海举办个人篆书艺术展，受到国内外业内人士的赞扬与关注，部分篆书作品为海内外人士收藏。

目录

第一卷：原始艺术
第二卷：古代希腊、罗马和中世纪
第三卷：古代中国、印度、日本
第四卷：文艺复兴、17世纪
第五卷：18、19世纪欧洲，中国明清
第六卷：19世纪后半部
第七卷：20世纪西方艺术
第八卷：20世纪中国、日本

精彩书摘

第一卷：原始艺术
第一章 欧洲原始艺术
今天的艺术已分门别类，可谓曲尽人意。但是原始时代艺术的种类是有限的，音乐、舞蹈、戏剧等等，由于传播媒介的局限，未能留下多少实证资料①，惟独造型艺术有幸留存下丰富的实物，使后人能清楚地看到它那特有的技法和形式。我们所谓的旧石器时代的艺术，实际上就是用绘画、雕塑等手段造成的一种模仿造型。虽然这种模仿造型对于旧石器时代的人来说未必称作艺术，仅仅通过这些模仿造型也无法推论人类审美观念的演进，但是作为研究后世绘画艺术和雕刻艺术的形式的起源，它却是一个重要课题。
制造工具是人类特有的一种意识活动，而且是一种造型活动。我们把模仿造型的作品看作艺术的形式起源，就因为制造工具的形式与模仿造型的形式有一个很重要的区别：工具造型首先为了实用，早期的石器可以说完全是为了实用。为了便于手拿，柄要光滑；为了刺得深，刃要锋利。工具的造型必须在使用中得到检验，从而按照适用的原则加以改进。工具造型是在对象上造型，要根据制作工具的材料进行加工；而模仿造型则不尽如此。对于史前人类来说，巫术也是一种实用的活动，但这是一种想象的“实用”，不能在运用中直接得到检验，纵使一次仪式与一个事件之间可能互相联系起来，但这种联系依旧是想象的，所以，对于模仿造型的追求和改进是依照特定文化所规定的想象路线发展的。对于有些文化，模仿造型会变得越来越写实，因为他们以为画得越真实效果就越佳。对于另一些文化，模仿造型会变得程式化、抽象化和怪异。因为他们以为只要画出主要的部位就会有效，或者用某一种画法就见效，于是陈陈相因，离实际描绘对象越来越远（形成程式化），或者加人其他对象（动物和器物），以增加其巫术效果（怪异）。其次，模仿造型是用一定的材料来仿制某种形象，如用骨片和石块做成野牛。野牛本是血肉之躯，在平面的岩壁上画牛，是把立体的对象转化成平面的形象。这种仿制转化过程必然要加入人的心理活动，而与原材料没有必然的联系。因而，工具造型可以说是一种制造，模仿造型可以说是一种创造，但其中都有想象的心理活动。
……

前言/序言

辉煌的足迹：西方艺术的千年流变与思想碰撞 一部深入剖析西方艺术发展脉络、思想演变与文化交融的深度著作 本书并非对既有艺术史的简单梳理，而是一次对西方文明核心精神的深度探寻。它聚焦于艺术作为时代精神载体的本质，通过对关键时期、重要流派以及核心艺术家的独到解读，勾勒出一幅气势恢宏的西方艺术全景图。我们试图超越纯粹的风格描述，深入挖掘艺术作品背后的哲学思辨、社会结构和宗教信仰的张力。 第一卷：古典的奠基与理想的构建 (公元前500年 - 公元400年) 本卷将读者带回西方文明的源头——古希腊。我们摒弃将古希腊艺术简单视为“完美”的传统观点，转而关注其在“理想化”与“人性化”之间摇摆的动态过程。从几何时期的严谨秩序，到古典盛期的和谐与平衡，再到希腊化时期的戏剧性与情感张力，重点剖析了城邦政治、民主理念如何通过雕塑和建筑得到物质化的表达。重点探讨了黄金比例的数学基础及其与柏拉图主义的哲学关联。 随后，我们将目光投向罗马。罗马艺术的本质被视为“实用主义”和“帝国意志”的载体。不同于希腊的思辨性，罗马艺术更关注工程学、肖像的真实记录以及对征服和律法的颂扬。本书细致分析了万神殿穹顶的结构之谜，以及纪念性建筑群如何成为罗马化进程的无声宣言。本卷的收尾聚焦于早期基督教艺术的萌芽，探讨当古典形式遭遇一神论的内在要求时，视觉语言所经历的第一次深刻转型。 第二卷：中世纪的信仰图景与象征的迷宫 (公元400年 - 1400年) 中世纪并非艺术的“黑暗时代”，而是“信仰的时代”。本卷的核心在于解析宗教如何成为唯一的、至高无上的视觉逻辑。我们首先考察拜占庭艺术对神圣性和永恒性的追求，分析其对圣像（Icons）的严格规定性，以及黄金镶嵌如何营造出天国的光辉感。 进入西欧，本书详细阐述了从加洛林文艺复兴到奥托王朝，再到罗马式（Romanesque）的地域性勃发。罗马式建筑，以其厚重的墙体和半圆拱，被视为“堡垒中的信仰”，是朝圣热潮和地方领主权力交织的产物。 哥特式艺术是本卷的高潮。我们不仅分析了飞扶壁、肋拱和尖拱带来的建筑革命，更重要的是，探讨了哥特式教堂如何成为“天堂的缩影”。光线（通过彩色玻璃）不再是单纯的照明工具，而是神圣临在的物质形态。我们深入研究了圣经故事如何在飞动的窗格和雕塑群像中，以一种高度叙事化的方式向文盲大众传达教义，揭示了中世纪人对来世的焦虑与向往。 第三卷：文艺复兴的觉醒与人文主义的重塑 (1400年 - 1600年) 文艺复兴被视为西方自我意识的伟大回归。本卷着重探讨“人”——而非仅是神——如何重新成为艺术关注的中心。佛罗伦萨的复兴被视为一场对古典遗产的积极“挪用”，而非简单的模仿。我们详尽分析了透视法（线性透视）的发现如何彻底改变了空间观念，使其从象征性结构转变为可测量的、理性的舞台。 美第奇家族、教皇宫廷（尤其是尤利乌斯二世）作为艺术赞助人的角色，被放置在权力斗争的宏大背景下考察。达·芬奇对解剖学和工程学的兴趣，米开朗基罗对人类形体的崇高颂扬，以及拉斐尔对和谐构图的极致追求，被视为人文主义精神在不同维度上的体现。 威尼斯画派的色彩革命与北方文艺复兴（以丢勒、凡·艾克为代表）对细节的近乎偏执的描绘，则展示了复兴在不同地理和文化背景下的多样面貌。我们探讨了北方艺术家对油画媒介的精深掌握，以及其作品中对世俗生活和道德自省的关注，如何为未来的巴洛克艺术埋下伏笔。 第四卷：巴洛克与洛可可的戏剧性与感官沉醉 (1600年 - 1780年) 本卷聚焦于艺术在宗教改革（反宗教改革）和绝对君主制双重力量下的极致张力。巴洛克艺术的关键词是“运动”、“情感”和“瞬间的捕捉”。卡拉瓦乔的光影对比（明暗对照法）被解读为一种强烈的心理暗示，迫使观者参与到神圣或世俗的冲突之中。 我们分析了罗马天主教会如何利用巴洛克的宏大叙事来重新确立其感召力。贝尼尼的雕塑，如《圣特蕾莎的狂喜》，将肉体与精神的体验融为一体，是宗教激情的高度可视化表达。 与此同时，路易十四的凡尔赛宫，成为绝对君主权力美学的典范。巴洛克的辉煌在法国找到了秩序化的表达。随后，洛可可风格的兴起，标志着贵族生活从宫廷的宏大叙事转向沙龙的私密享乐。洛可可的轻盈、柔美和对感官愉悦的迷恋，是对前一个时代宏大叙事的一种精致的、几乎是逃避性的回应。 第五卷：启蒙的理性和浪漫的激情 (1780年 - 1850年) 启蒙运动对理性、秩序和公民美德的推崇，催生了新古典主义。雅克-路易·大卫的作品，通过对古罗马共和精神的复兴，直接为法国大革命提供了视觉语言和道德楷模。古典主义的回归，实质上是对现代社会秩序的蓝图构建。 然而，这种过于理性的束缚很快引发了强烈的反弹。浪漫主义的勃发，是对启蒙运动过度理性的反叛。本卷深入探讨了浪漫主义对“崇高”（Sublime）的迷恋——即面对无限自然力量时，人类所体验到的敬畏与恐惧的混合情感。从戈雅对战争残酷的直面，到德拉克洛瓦对自由女神的激情描绘，浪漫主义将主观情感置于一切之上，开启了艺术的个人化探索。 第六卷：现实的介入与现代性的开端 (1850年 - 1900年) 19世纪中叶，随着工业革命的深入和新兴资产阶级的崛起，艺术的关注点彻底转向对当代生活的真实描绘。现实主义的出现，拒绝了历史画和神话题材的虚饰，将目光投向劳动者、日常场景和被忽视的社会角落。库尔贝的“诚实”宣言，标志着艺术家开始扮演社会批判者的角色。 印象派的革命性在于其对“观看方式”本身的颠覆。本书详细分析了科学光学理论、摄影术的兴起对这一流派的催化作用。莫奈等人将绘画从对物体的描绘转变为对光线、色彩和短暂瞬间的捕捉，使画室走向户外，使画布成为实验田。后印象主义（塞尚、梵高、高更）则进一步深化了个体的主观性，塞尚对几何形体的分解预示着立体主义的到来，梵高对色彩的情感释放则直接启发了野兽派。 第七卷：现代艺术的爆炸与形式的解构 (1900年 - 1945年) 20世纪初是西方艺术史上最具爆炸性的时期。本卷侧重于考察艺术如何系统性地脱离对再现的义务。立体主义对多视角观察的探索，被视为对西方文艺复兴以来空间观念的最终瓦解。立体主义的分析性，与野兽派和表现主义（如德国的“桥社”和“蓝骑士”）对原始冲动和内在心理状态的极端表达形成对照。 一战的创伤催生了达达主义对逻辑和意义的彻底嘲弄，以及超现实主义对潜意识、梦境世界的系统性挖掘，受到弗洛伊德理论的深刻影响。同时，抽象艺术的先驱（如康定斯基和马列维奇）如何通过纯粹的线条和色彩，试图建立一种超越物质世界的、普世的精神语言，构成了现代性中对“纯粹形式”的终极追求。 第八卷：战后艺术的全球视野与媒介的扩张 (1945年 - 当代) 二战结束后，艺术的中心从欧洲转移到美国纽约。抽象表现主义（如波洛克）标志着创作行为本身取代了最终的作品，成为艺术的核心。艺术不再是描绘世界，而是行动的记录。 随后，对抽象表现主义过度内省的反动，催生了波普艺术。安迪·沃霍尔和李奇登斯坦将大众文化、广告符号和消费主义的图像吸纳进艺术殿堂，模糊了高雅艺术与低俗文化的界限。 本卷最后探讨了概念艺术的“去物质化”趋势，即观念本身比物质载体更为重要。从行动艺术（Performance Art）到装置艺术（Installation Art），再到对新媒介（如影像艺术、数字媒介）的探索，本卷清晰地展示了当代艺术如何打破一切既有的边界，成为一个持续不断、质疑自身的开放性场域，反映着一个日益复杂、信息爆炸的后工业社会。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书简直是我的救星！我最近迷上了油画，但总觉得对色彩的运用和光影的把握总是差那么一点意思。偶然间发现了这本《西方艺术鉴赏指南》，里面的内容真是太对我胃口了。它不是那种枯燥的理论堆砌，而是用非常生动有趣的方式，把文艺复兴时期的光影魔术、印象派对瞬间的捕捉，甚至现代艺术中色彩的爆炸性表达都讲得清清楚楚。比如，它对卡拉瓦乔“明暗对比法”的解读，简直让我茅塞顿开，我立刻拿起画笔，试着去模仿那种戏剧性的光感，效果出奇地好。而且，书里还配了很多高清的细节图，让我能近距离观察那些大师们笔触的肌理和颜料的层次。我感觉自己不仅仅是在“看”画，而是在和画家们进行一场跨越时空的对话，理解他们创作时的心境和技法上的考量。这本书极大地拓宽了我的艺术视野，让我从一个单纯的爱好者，开始向一个更具思考深度的欣赏者转变，我强烈推荐给所有对西方绘画艺术有浓厚兴趣的朋友们！

评分☆☆☆☆☆

我是一个历史系的学生，平时写论文最头疼的就是找不到那种能把艺术史和时代背景完美结合的权威参考资料。这本《艺术中的权力与信仰》真的帮了我大忙。它不仅仅罗列了不同时期的艺术风格和代表人物，更深入地探讨了艺术是如何被当时的政治格局、宗教思潮和社会结构所塑造的。我尤其欣赏作者在论述拜占庭艺术时，如何将复杂的教义和严苛的皇权体系，巧妙地转化成那些宏大、程式化的马赛克壁画和圣像画中去。这本书的考据非常扎实，脚注详尽，引用了大量的一手史料，这对于我们做学术研究的人来说，简直是如获至宝。它让我明白，艺术从来都不是孤立存在的审美活动，而是特定历史语境下最直观的文化载体。翻阅它时，我仿佛能听到历史的轰鸣，感受到那些宏伟建筑和精美雕塑背后的深层含义，是那种能为我的研究提供坚实理论支撑的宝藏书籍。

评分☆☆☆☆☆

我一直很想了解非西方艺术体系是怎么回事，但市面上很多书籍要么过于侧重欧洲，要么就是把亚洲艺术简单归类，缺乏深入的比较和解析。这本书《东方艺术的意境与哲学》真正填补了我的知识空白。它以一种非常开阔的全球视野，系统地梳理了从古埃及的象形文字到中国水墨画的“气韵生动”，再到日本浮世绘的平面美学。我特别喜欢它对“留白”概念的阐释，它不仅仅是纸上的空白，更是一种充满张力的哲学表达，代表着无限的可能性和精神的超脱。书里对不同文化背景下“美”的定义进行了深入的探讨，比如，东方艺术往往追求“神似”而非“形似”，这与西方追求的精准写实形成了鲜明的对比。阅读它，让我感受到了一种前所未有的心境平和，仿佛在嘈杂的世界中找到了一个可以沉淀心灵的角落，理解了不同文明在表达对宇宙和生命理解时的独特方式。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对雕塑艺术一直有点“敬而远之”，总觉得那种三维的立体感很难通过文字来描述和理解。直到我拿到了这本《雕塑的形体与空间》，我的看法彻底改变了。这本书的叙事方式非常独特，它完全是以“触觉”和“空间感”为核心展开的。作者似乎有一种魔力，能用文字描绘出米开朗基罗大卫像肌肉的紧绷感，或者伯尔尼尼《阿波罗与达芙妮》中大理石如何“软化”成肌肤和发丝的流动性。它详细解析了不同材质（从青铜到汉白玉）对手法和最终效果的影响，甚至还探讨了光线在不同雕塑表面的反射规律。我甚至开始尝试用更关注“体积感”和“负空间”的方式去观察身边的环境。这本书不仅仅是一本艺术鉴赏读物，更像是一本关于“三维感知力”的训练手册，对于任何想深入了解雕塑这门古老艺术的读者来说，它提供的视角是极其新鲜和富有启发性的。

评分☆☆☆☆☆

对于一个刚接触艺术史课程的大学生来说，最怕的就是面对那些年代久远、风格复杂的艺术流派感到无从下手。这本《现代艺术的革命与碰撞》简直是我的“入门向导”，它把从印象派到后现代主义这一段波澜壮阔的历史，梳理得井井有条，逻辑清晰。作者非常善于抓重点，他没有试图面面俱到地介绍每一位艺术家，而是精准地抓住了每一次“艺术革命”背后的核心思想——比如，达达主义对理性精神的反叛、立体主义对客观视角的颠覆。更棒的是，书中对理论概念的解释非常直观，当我读到“蒙太奇”理论时，作者立刻联系到了电影的剪辑手法，一下子就让我这个数字时代的学习者明白了其精髓。它让我认识到，艺术史不是一成不变的教条，而是一场不断打破陈规、追求自由表达的精彩“战斗”。读完后，我对那些看似怪诞的现代艺术作品，也多了几分理解和欣赏。

评分☆☆☆☆☆

书不错，作为工具书值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

内容比较全面，系统。但是因为是老版本，图片是黑白的，纸张不是特别好，感觉稍差一些。而且对于这个价格有点偏高。

评分☆☆☆☆☆

平装，彩图少，标价偏高。

评分☆☆☆☆☆

众里寻他千百度，敲敲手机，此书却在火火京东处！

评分☆☆☆☆☆

非常好，值得放到书架上慢慢阅读。物超所值。

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