唐宋元十六家山水画技法图解 刘松岩编绘 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘松岩编绘 著

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• 技法
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出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102016979

商品编码：1107859814

开本：16开

出版时间：1998-03-01

页数：176

作  者:刘松岩 编绘 著作 定  价:26 出 版 社:人民美术出版社 出版日期:1998年03月01日 页  数:176 装  帧:平装 ISBN:9787102016979 《唐宋元十六家山水画技法图解》系参照明代的“浙派”巨匠蓝瑛所绘16幅仿古山水册页编绘而成，包括自唐王维至元“四家”的唐、五代、北宋、南宋、元的16位不同流派山水画家的技法。
书中对每位画家的生平及艺术特点作了简介，对每一幅作品的勾、皴擦点、染墨、设色分步骤作了具体的技法分析。本书的出版，填补了历来缺乏此类技法书的空白。  ●前言
●唐宋元十六家山水画技法彩图
●唐 王维：王右丞关山积雪法
●五代后梁 关同：关同画法
●五代南唐 董源：北苑太守法
●北宋 李成：李咸熙画法
●北宋 范宽：范华原溪山秋色
●北宋 郭熙：郭河阳溪山渔隐法
●北宋 王诜：王晋卿法
●北宋 米芾：米南宫法
●北宋 赵令穰：赵大年法
●南宋 李唐：古画法
●元 赵孟頫：赵松雪画法
●元 黄公望：一峰老人富春山卷中之法
●元 吴镇：梅沙弥画法
●……

内容简介

本书根据“浙派”画坛巨匠蓝瑛所绘16幅仿古山水册页编绘而成，包括自唐、五代、北宋、南宋、元16位不同流派山水画家的技法。
书中对每位画家的生平及艺术特点作了简介，对每一幅作品的勾、皴擦点、染墨、设色分步骤作了具体的技法分析。本书的出版，填补了历来缺乏此类技法书的空白。
书中附有学习山水画的阶段、中国历代画论重要论点浅释及自学国画的参考书目，以帮助初学者按部就班进行学习，了解山水画的发展脉络、创作指导思想、品评标准等方面的知识。
本书适合初学绘画者及中、老年书画爱好者业余练习、临摹，是一本简明实用的技法书，工具书。  刘松岩 编绘 著作 刘松岩 原籍河北省抚宁，1927年生于吉林省永吉县，1946年结业于教育部特设北平临时大学第八分班（国立北平艺术专科学校），1951年毕业于北京大学。启蒙老师贾羲民，后为溥松窗、吴镜汀、黄宾虹、田世光等先生入室弟子。系统研究历代名家技法，传统功力深厚。启功先生曾称道他的山水画“笔墨如繁弦密节，丝丝入扣。信可谓古不乖时，今不同弊者”。 其作品多次在靠前外展览，在书刊中登载，并被数家博物馆、文史研究馆收藏。著有《少年书法入门》《唐宋元十六家山水画技法图解》及《国画学》等书。为《中国大百科全书》（老年卷）编写中国画（山水部分）词条。参加人民美术出版社高中美术课本中国画部分的教材及等

《画境：中国古典山水画的意境与笔墨》 书籍简介 【引言：跨越时空的对话】 中国山水画，非仅摹写自然之形貌，更是心灵对天地万物的深刻感悟与哲学沉思的物化呈现。它以独特的笔墨语言，构建了一个既具象又超然的艺术世界，承载着中国文人对“道”与“自然”的终极探求。本书《画境：中国古典山水画的意境与笔墨》，旨在带领读者深入领略中国古典山水画三百年的发展脉络中，那些最为核心的审美原则、独特的技法体系，以及画家们如何通过方寸之间的宣纸，实现“胸中山水”与“笔下山水”的完美交融。 本书并非着眼于某一特定时期或某几位大家的技法细分，而是致力于描摹一幅宏观的、兼具理论深度与实践洞察的中国山水画发展图景，探讨“意境”这一抽象概念如何通过“笔墨”这一具体物质媒介得以实现。 【第一部：山水画的哲学基石与审美范式】 本部分将追溯中国山水画的哲学源头，探究其与道家、儒家思想的内在关联。我们将分析“外师造化，中得心源”的提出，如何确立了山水画超越单纯写实的地位。 1. 气的流动与生命的律动： 探讨中国画论中“气韵生动”的核心地位。气，是宇宙万物的本源，也是山水画的灵魂。本书将详细剖析画家如何通过线条的提按顿挫、墨色的浓淡干湿，来表现山川河流的内在生命力和运动趋势，而非仅仅描摹其静止的外形。 2. 虚实相生：留白的艺术哲学： 中国山水画中最具辨识度的特征之一便是大量“留白”。留白不仅是未完成的部分，更是“气”的通道、意境的载体，是邀请观者进入画面，完成再创造的精神空间。我们将解析不同时代画家如何运用不同形式的留白（如云雾、水面、天际），以达到“计白当黑”、“计空为实”的审美高度。 3. 咫尺千里：空间构建的奥秘： 深入解析中国画的“散点透视”或“多点透视”原理。与西方焦点透视不同，山水画追求的是一种“可行、可望、可游、可居”的全景式体验。我们将分析如“高远”、“深远”、“平远”等经典的观画路径的设置，以及如何利用“三远法”在有限的画幅内营造出辽阔无垠的空间感。 【第二部：笔墨的语言体系——工具与技法的共通性探究】 本部分将聚焦于中国山水画赖以存在的物质基础——笔、墨、纸（绢）。虽然不同时代有不同的风格偏好，但构成山水画的这些基本语言元素，却有着深厚的传承性。 1. 笔法的精神内核：线条的雕塑性： 笔法是山水画的骨骼。本书将超越具体流派的用笔差异，探讨“中锋”、“侧锋”等基本运笔方法的本质。分析如何通过线条的力度、速度和提按，赋予山石以“筋骨”、使树木具有“精神”。着重分析中国画中线作为独立审美要素的重要性，它既是轮廓，也是体积与质感的载体。 2. 墨法的千变万化：黑色的交响曲： 墨，被誉为“五色之主”。本书将系统梳理墨分五色的理论基础，探讨如何通过“焦、浓、重、淡、清”的层次变化，来表现山体的体量、光影的明暗以及空气的湿度。我们将剖析“泼墨”、“破墨”、“积墨”等关键墨法，如何服务于整体意境的营造，而非单纯的色彩替代。 3. 皴法的演变与结构：山石的肌理表达： 皴法是表现山石纹理和结构的关键技术。本书将概述中国山水画中主要皴法的特点（如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等），但重点不在于将它们简单地分类罗列，而在于阐释每种皴法背后所蕴含的画家对特定地域地质形态的理解，以及这些皴法如何与其他笔法相互配合，共同塑造出山体的内在结构。 【第三部：意境的实现——主题表达与情景交融】 山水画的终极目标，在于“寄情山水”。本部分将探讨画家如何在技法框架内，融入个人情感与时代精神，实现画面的“意”与“境”的统一。 1. 树石的造型语言：植物的象征意义： 松、竹、梅、柳等在山水画中绝非偶然的点缀，它们承载着深厚的文化寓意。本书将探讨这些“画中草木”的程式化造型，它们如何被用来象征隐逸、高洁或坚韧的品格，并以此烘托山水的整体精神气质。 2. 点景人物与建筑：尺度的平衡： 画面中的人物和房屋往往极其微小，但这“点景”却至关重要。它不仅提供了画面的参照尺度，更体现了人与自然的和谐关系。分析画家如何通过对点景的取舍，暗示“尘世的超脱”或“归隐的向往”，从而深化画面的哲学意境。 3. 题跋的艺术：文字与图像的互文性： 诗、书、画、印的结合是中国山水画独特的综合艺术形式。题跋不仅是作者的署名或注释，它往往是理解画面“意”的关键。本书将分析题跋如何引导观者的目光，补充画面的意境，并使书法的线条美与绘画的笔墨美相互映衬，形成不可分割的整体。 【结语：当代视角下的古典继承】 本书最后将简要回顾中国山水画在近现代的挑战与转型，强调其核心的哲学精神和笔墨语言，在当代艺术语境中依然具有强大的生命力与可借鉴的价值。它鼓励每一位学习者，在掌握了古典的技法体系之后，能够真正做到“融会贯通，自出机杼”，以古为鉴，开创属于自己的“胸中丘壑”。 本书特点： 宏观视野： 不拘泥于某一派系的细枝末节，着重阐释古典山水画的通用审美原则与哲学支撑。 理论与实践的桥梁： 深入剖析抽象的“意境”概念，并将其还原为可观察、可学习的“笔墨”技术语言。 语言风格： 叙事流畅，用词精准，力求避免术语堆砌，以清晰的逻辑引导读者进入古典艺术的深层结构。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对市面上许多“技法图解”类的书籍抱有怀疑态度，总觉得它们要么过于空泛地介绍理论，要么就是简单粗暴地把步骤罗列出来，缺乏对“意境”的传达。然而，这本书的独特之处在于，它没有止步于“如何画出笔触”，而是深入探讨了“为何要这样下笔”。比如，讲解某位大师画山石时对“浑厚”的追求，不仅仅展示了皴法的走向，更结合了当时的地理环境和画家的心性来阐述，让我开始思考笔墨背后的文化意涵。这种由表及里，由形入神的讲解方式，极大地提升了我对山水画的理解维度。我现在看古画时，不再仅仅是被表面的漂亮所吸引，而是能隐约窥见画家布局时的那种气势和胸襟，这才是真正高明的教学方式，它教会了我“看画”而非仅仅是“学画”。

评分☆☆☆☆☆

对于一个醉心于传统水墨的爱好者来说，工具的选择和使用一直是困扰我的难题，这本书在材料的运用上给予了我非常实用的指导。它没有泛泛而谈，而是针对性地讨论了不同发墨量、不同笔锋状态下，毛笔在生宣纸上所能产生的肌理效果。例如，书中对于“焦墨”的运用，不仅展示了其在描绘近景时的力度感，还详细说明了如何通过控制笔尖的干燥程度来营造古木的苍劲感。我依照书中的建议调整了自己的润笔习惯后，立刻发现自己画的树干不再是平板的一团墨色，而是有了明显的层次感和年代感。这种手把手的指导，比那些空谈理论的教程要有效得多，它直接作用于我每天的练习成果上。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排结构非常注重逻辑性和渐进性，它没有一股脑地抛出所有复杂的技法，而是采取了一种非常人性化的递进方式。开篇从基础的笔墨练习，如点苔、点叶的轻重缓急入手，这些都是最容易上手，但也是最考验功力的部分。随后才逐渐过渡到宏大的章法布局和复杂的树法、水法。我特别喜欢它对于不同地域画派风格的对比分析，虽然是“十六家”的整合，但并没有把所有人的技法混为一谈，而是清晰地标示出董源的圆润、巨然的浑厚与李唐的雄强之间的差异，这种细致的区分，帮助我建立起清晰的风格坐标系，避免了初学者容易陷入的“什么都想学，结果什么都不精”的困境。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计简直太让人惊喜了！拿在手里就能感受到那种厚重与精致，纸张的质感一流，即便是影印的古代画作细节，也呈现出令人满意的层次感和墨韵。我尤其欣赏它对传统装裱风格的致敬，那种内敛而古典的美学，透过现代的印刷技术完美地展现了出来。每次翻阅，都像是在进行一次对古人创作心境的触摸，那种对材料的尊重，对细节的打磨，不是随便印印就能达到的效果。当然，作为一本技术解析类的书籍，清晰度是王道，而这本在这方面做得尤为出色，即便是那些极细微的皴法线条，在放大观察时也能辨识得清清楚楚，这对于自学者来说，简直是省去了无数猜谜的痛苦。光是欣赏这些印刷精良的图例，就已经觉得物超所值了，它不仅仅是一本工具书，更是一件值得收藏的艺术品，摆在书架上都散发着一种沉静的书卷气。

评分☆☆☆☆☆

从整体的阅读体验来看，这本书的叙述风格非常沉稳、内敛，充满了对传统的敬畏之心，但又不失现代解读的清晰度。作者的文字没有华丽的辞藻，而是用最精准的、最符合传统文人审美的语言来描述复杂的技法，读起来让人心绪宁静。不同于市面上很多为了追求销量而加入大量“浮躁”色彩的讲解，这本书更像是一位老前辈耐心地在灯下为你示范，他的每一步都透露着时间的沉淀和经验的积累。对于那些真正想要沉下心来钻研中国山水画核心精髓的人来说，它提供了一个绝佳的、可以长期信赖的参考平台，读完一遍后，我发现自己对后续的临摹和创作都有了更明确的方向和更坚定的信心。