曲式与作品分析课程谱例集1（公共课） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

中央音乐学院作品分析教研室 编

图书标签:

• 音乐理论
• 曲式分析
• 作品分析
• 音乐教学
• 高等教育
• 公共课
• 音乐专业
• 教材
• 音乐学
• 课程资源

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960366

版次：1

商品编码：11412935

包装：平装

开本：16开

出版时间：2004-07-01

用纸：胶版纸

页数：161

正文语种：中文

内容简介

　　《曲式与作品分析课程谱例集1（公共课）》主要内容包括：前奏曲、我爱你、小圆舞曲、前奏曲、秋千、初衷、威尼斯船歌、你象一朵花、第五交响曲第二乐章、歌剧《卡门》序曲、未孵化出来的小鸡的舞蹈、妈妈、圆舞曲、G大调“夏空”变奏曲等45首谱例。

内页插图

目录

1、前奏曲Op.28 No.1
2、前奏曲Op.28 No.2
3、前奏曲Op.28 No.4
4、我爱你
5、前奏曲Op.11No.22
6、小圆舞曲
7、前奏曲Op.43
8、秋千
9、初衷
10、威尼斯船歌
11、前奏曲Op.11 No.17
12、你像一朵花
13、索尔维格之歌
14、泪河
15、思乡
16、我的祖国
17、梦幻曲
18、狩猎之歌
19、威尼斯船歌
20、失去的欢乐
21、葬礼进行曲
22、夜曲Op.15No.1
23、八月
24、致春天
25、牛车
26、摇篮曲
27、老人的故事
28、春梦
29、连斯基咏叹调
30、铁蹄下的歌女
31、我的家
32、玛祖卡Op.41 No.2
33、夜曲Op.32 No.1
34、钢琴奏鸣曲第三乐章Op.31 No
35、钢琴奏鸣曲第三乐章Op.7
36、钢琴奏鸣曲第三乐章Op.14 No1
37、钢琴奏鸣曲第三乐章Op.28
38、夜曲Op.48 No.1
39、第五交响曲第二乐章
40、歌剧《卡门》序曲
41、未孵化出来的小鸡的舞蹈
42、钢琴奏鸣曲Op.31 No1
43、妈妈
44、圆舞曲
45、G大调“夏空”变奏曲

前言/序言

《西方音乐史导论：从古代到浪漫主义》内容简介 本书旨在为音乐学习者、爱好者以及对西方音乐文化感兴趣的读者，提供一部全面而深入的西方音乐史入门读物。内容涵盖了从古代音乐的萌芽到浪漫主义时期的辉煌发展，重点梳理了各主要音乐时期（中世纪、文艺复兴、巴洛克、古典主义）的风格特征、重要作曲家及其代表作品，并辅以必要的社会、文化背景分析，以帮助读者更好地理解音乐的演变脉络及其背后的时代精神。 本书结构清晰，叙事流畅，力求在学术严谨性与可读性之间取得平衡。 第一部分：音乐的远古回响与中世纪的奠基（约占全书篇幅 20%） 本部分聚焦于西方音乐的源头活水，追溯音乐理论的早期发展，并重点阐述了中世纪音乐在礼仪与世俗生活中的核心地位。 第一章：古代世界的音乐遗存 本章首先简要概述了古希腊音乐理论的基石，包括毕达哥拉斯音程的发现及其对西方音乐数学基础的影响。我们探讨了古希腊音乐在哲学、戏剧中的应用，虽然直接的音乐实物留存稀少，但其理论体系对后世教会音乐的塑造至关重要。接着，我们简要提及罗马帝国时期音乐的承袭与变化。 第二章：格里高利圣咏与早期复调 重点深入中世纪早期，详细阐述了教会音乐——格里高利圣咏的形成与规范化过程。分析了圣咏的单音性特征、调式系统（八调式）以及其在弥撒和日课中的作用。 随后，本章将笔触转向了音乐史上具有里程碑意义的变革：复调的诞生。详细介绍了诺特丹乐派（如莱奥南和佩罗坦）如何从简单的对位发展出早期的奥尔加农（Organum），标志着人类音乐思维从横向的旋律组织转向纵向的和声结构。探讨了早期记谱法（纽姆谱）的发展及其对音乐流传的意义。 第三章：世俗音乐与“新艺术”的萌芽 与严肃的教会音乐并存的是蓬勃发展的世俗音乐。本章介绍了游吟诗人（Troubadours）、游走乐师（Trouvères）以及德国的“明歌歌手”（Minnesänger）及其作品主题（爱情、骑士精神、政治讽喻）。同时，我们还分析了“有生之年”（Ars Nova）时期的重要性，重点讨论了菲利普·德·维特里和纪尧姆·德·马肖在节奏复杂性、对位技巧及“等时性”音乐创作上的突破，预示着文艺复兴的到来。 --- 第二部分：文艺复兴：人文主义与音乐的和谐之美（约占全书篇幅 25%） 文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐的焦点从对上帝的全然献身转向对人类情感的细腻表达。本部分着重分析复调技法的完善和印刷术对音乐传播的革命性影响。 第四章：文本与音乐的完美结合 本章分析了经文音乐（Sacred Music）在文艺复兴早期的发展，特别是“信仰复兴”背景下，产生了如帕莱斯特里那般追求清晰、纯净的复调风格（“教皇马塞勒斯弥撒”的典范意义）。讨论了模仿手法（Imitation）如何成为此时期复调创作的核心技巧。 第五章：世俗音乐的繁荣与“牧歌”的兴起 重点阐述了世俗音乐（Madrigal）在意大利和英格兰的兴盛。分析了牧歌如何通过“文字描绘”（Word Painting）技术，将歌词的意境（如“上升”、“坠落”、“死亡”）直接转化为音乐材料，展现了早期音乐家对表达意图的强烈渴望。 第六章：器乐的独立与早期键盘音乐 随着音乐家对乐器性能理解的加深，器乐开始摆脱纯粹依附于声乐的地位。本章探讨了鲁特琴、维奥尔琴音乐的发展，以及威尼斯学派（如加布里埃利）在色彩和空间感上的创新，为巴洛克时期的“协奏”概念埋下了伏笔。 --- 第三部分：巴洛克时代：情感的戏剧性与风格的形成（约占全书篇幅 30%） 巴洛克时期是西方音乐史上风格最为鲜明、结构最为复杂的时期之一。本部分将深入剖析“巴洛克风格”的内涵，及其在歌剧、协奏曲和奏鸣曲中的具体体现。 第七章：巴洛克精神与“新思维” 本章首先界定巴洛克时期的核心特征：强烈的戏剧性、情感的“固定激情”（Doctrine of Affections）、以及对对比手法的偏爱。重点解释了“数字低音”（Basso Continuo）和“和声功能性”的建立，这是巴洛克音乐的骨架。 第八章：歌剧的诞生与发展 详细分析了佛罗伦萨“卡梅拉塔”对古希腊悲剧理念的重构，以及蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过《奥尔费奥》确立了歌剧的艺术地位。梳理了歌剧从“宣叙调-咏叹调”结构的确立，到巴洛克中后期歌剧（如斯卡拉蒂的“达卡波咏叹调”结构）的成熟。 第九章：器乐的辉煌：协奏曲与组曲 本章聚焦于器乐的黄金时代。分析了“大协奏曲”（Concerto Grosso，以科雷利、巴赫为代表）和“独奏协奏曲”（Solo Concerto，以维瓦尔第为代表）的结构差异和特点。同时，系统梳理了器乐组曲（Suite）的固定舞曲单元（如阿列曼德、萨拉班德、吉格）及其在巴赫键盘作品中的体现。 第十章：集大成者：巴赫与亨德尔 本章对两位巨匠进行深入剖析。对巴赫的对位艺术（如《赋格的艺术》、《平均律钢琴曲集》）进行结构分析，阐述其如何将巴洛克所有体裁推向极致。对亨德尔则侧重其在清唱剧（Oratorio，如《弥赛亚》）中的戏剧性叙事能力和“大合唱”的宏伟气势。 --- 第四部分：古典主义：秩序、清晰与完美的形式（约占全书篇幅 25%） 本部分探讨音乐如何从巴洛克时期的复杂装饰转向对“自然”、“清晰”和“平衡”的追求。这一时期的结构化思维，塑造了至今仍在使用的音乐范式。 第十一章：洛可可与“敏感风格”的过渡 简要回顾了巴洛克晚期向古典主义过渡的“交接期”，介绍了法国的“小品”（Galant Style）和德国的“敏感风格”（Empfindsamer Stil）对旋律线条和情感克制的探索，预示着奏鸣曲式即将占据主导地位。 第十二章：奏鸣曲式与交响乐的建立 这是本书的核心章节之一。详尽分解了古典主义时期最核心的结构——奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的逻辑。在此基础上，分析了奏鸣曲、室内乐（四重奏）以及交响乐如何在这一结构框架下发展成为主要的音乐体裁。 第十三章：维也纳古典乐派三杰 海顿： 被誉为“交响乐之父”和“四重奏之父”，分析其在确立四乐章交响曲和弦乐四重奏标准曲式中的关键贡献，及其幽默感的体现。 莫扎特： 探讨其旋律的完美性、歌剧创作（对人物心理的刻画，如《费加罗的婚礼》）以及对协奏曲体裁的精妙处理。 贝多芬的革命： 重点分析贝多芬如何继承并颠覆古典主义的既有框架。探讨其晚期作品如何突破既定形式，注入更强烈的个人意志和英雄主义精神，为浪漫主义的爆发奠定基础。 --- 总结与展望 最后，本书将简要回顾从单音到复调，从神圣到世俗，从结构严密到情感奔放的音乐演变历程，并为下一阶段——浪漫主义音乐的个人主义表达做铺垫。全书旨在提供扎实的时代背景知识和清晰的音乐术语解释，使读者在欣赏经典作品时，能洞察其背后的历史逻辑和结构精妙之处。

评分☆☆☆☆☆

教材中对于音乐术语的解释，尤其是那些源自特定历史时期的专业名词，处理得略显单薄。很多关键术语，比如某些特定的对位技巧名称或者早期音乐中的演奏法指示，仅仅给出了一个简短的、字典式的定义，而没有结合实际的音乐语境进行深入的阐述或提供足够的历史背景铺垫。对于非音乐专业背景的读者来说，仅仅知道“这是什么”是远远不够的，他们更需要了解“它为什么是这样出现的”以及“在什么情境下使用它”。结果就是，当面对那些更古老或者更晦涩的乐谱片段时，我发现自己虽然能大致辨认出符号，却无法真正领会其背后的声响效果和文化意涵。缺乏详尽的背景注释，使得这本书更像是一本供专业人士快速查阅的工具书，而非适合初学者深入探究的入门读物。

评分☆☆☆☆☆

从整体的学习体验来看，这本书似乎更倾向于服务于传统的应试教育框架，对于现代音乐学习者日益增长的需求关注不足。例如，对于二十世纪以来，尤其是十二音体系、序列主义以及自由无调性等重要发展方向的探讨，篇幅明显不足，或者分析的深度不够。在当代音乐分析中，许多传统的和声与曲式分析工具已经不再适用，需要引入更现代的分析视角，例如音集理论或者特定的结构主义方法。然而，这本书的内容似乎在时间轴上停滞在了某个经典时期的分析框架内，对于横跨近百年来的音乐语言演变，缺乏足够的覆盖和指导。对于希望跟上时代步伐、接触当代艺术音乐的读者而言，这本书提供的工具箱显然不够全面，甚至可以说是滞后的。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理教材的排版真是令人头疼。我拿到书时，首先注意到的是它的装帧，感觉非常普通，封面设计也显得有些过时，缺乏吸引力。内页的纸张质量倒是中规中矩，但印刷的清晰度时好时坏，有些五线谱的线条不够锐利，尤其是在处理复杂和弦时，辨识度会下降不少。更让人不解的是，有些重要的图例和图表在页面上被切割得非常生硬，仿佛是为了凑版面而强行插入的。例如，关于奏鸣曲式中呈示部、发展部和再现部的结构图，本应清晰地展示各个部分的比例和逻辑关系，但在这本书里，图示的边界模糊不清，初学者很容易在理解结构层次时产生混淆。我花了很长时间才适应这种排版风格，但说实话，在学习过程中，阅读体验始终是一个需要克服的障碍。如果能对版面设计进行一次彻底的现代化改造，相信能极大地提升读者的学习效率和阅读愉悦度。

评分☆☆☆☆☆

书中提供的习题设计也显得有些陈旧和程式化，缺乏对创造性思维的激发。大部分练习题都集中在对既有范例的机械模仿和套用上，要求学生识别或复现课程中已经演示过的固定模式。例如，分析练习往往要求精确地指出某个乐句的调性、和弦功能，但很少有开放性的问题，例如“如果将这段旋律的终止式改写成另一种情绪，应该如何调整和声走向？”或者“请尝试用巴洛克的手法来处理这段古典时期的主题。”这种过于注重“标准答案”的训练模式，很容易让学习者陷入一种被动的接受状态，而非主动的思考和实验。音乐分析的精髓在于理解其背后的创作意图和可能性，而不仅仅是完成一份结构解剖报告。希望未来的版本能在习题中加入更多启发性的、需要学生自己构建解决方案的挑战。

评分☆☆☆☆☆

关于教材内容的组织逻辑，我个人感觉有些跳跃和碎片化。课程的编排似乎是按照传统教学的线性顺序堆砌起来的，缺乏一个贯穿始终的主线索来串联各个知识点。比如，在讲解完一些基础的和声进行规则后，紧接着突然跳跃到对某个特定作曲家作品的风格分析，中间的过渡衔接非常突兀。对于我们这些需要自学或者希望深入理解底层逻辑的学习者来说，这种不连贯性让人很难构建起一个完整的知识体系。我常常需要在不同章节之间反复翻阅，试图找出不同乐理概念之间的内在联系，这极大地消耗了学习的连贯性。理想中的教材，应该像搭建一座结构精密的建筑，每一块砖瓦（知识点）都有其明确的承重位置和逻辑关系，但这本书给我的感觉更像是各种材料的随机堆放，虽然材料本身可能都有价值，但缺少了那位高明的建筑师的布局。

评分☆☆☆☆☆

书到的很快 赞

评分☆☆☆☆☆

还不错哦很喜欢的东东下次还来

评分☆☆☆☆☆

好好好

评分☆☆☆☆☆

非常及时，书很好，是正版。

评分☆☆☆☆☆

好好好

评分☆☆☆☆☆

非常及时，书很好，是正版。

评分☆☆☆☆☆

要是配有答案讲解就更好了，只是谱子就比较单一

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！！！！！！！

评分☆☆☆☆☆

666