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傅雷著 著

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出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201113364

商品编码：11673785636

出版时间：2017-03-01

作  者:傅雷 著 定  价:88 出 版 社:天津人民出版社 出版日期:2017年03月01日 页  数:320 装  帧:平装 ISBN:9787201113364 ●一讲乔托与阿西西的圣方济各
●二讲多那太罗之雕塑
●三讲波提切利之妩媚
●四讲莱奥纳多·达·芬奇（上）
●《瑶公特》与《之晚餐》
●五讲莱奥纳多·达·芬奇（下）
●人品与学问
●六讲米开朗琪罗（上）
●西斯廷礼拜堂
●七讲米开朗琪罗（中）
●圣洛伦佐教堂与梅迪契墓
●八讲米开朗琪罗（下）
●教皇尤里乌斯二世墓与《摩西》
●九讲拉斐尔（上）
●《美丽的女园丁》
●《西斯廷圣母》
●十讲拉斐尔（中）
●梵蒂冈宫壁画——《圣体争辩》
●十一讲拉斐尔（下）
●毡幕图稿
●部分目录

内容简介

《世界美术名作二十讲》由傅雷先生编著，通过二十余位西方美术大家的作品与生平，讲述自文艺复兴始至十八、十九世纪五百年间的西方美术变迁史。 傅雷 著 傅雷，我国有名文学翻译家、文艺评论家。一生译著宏富，译文以传神为特色，更兼行文流畅，用字丰富，工于色彩变化，形成享誉译坛的傅译特色。 自序
年来国人治西洋美术者日众，顾了解西洋美术之理论及历史者寥寥。好骛新奇之徒，惑于“现代”之为美名也，竞竞以“立体”“达达”“表现”诸派相标榜，沾沾以肖似某家某师自喜。肤浅庸俗之流，徒知悦目为美，工细为上，则又奉官学派为典型：坐井观天，莫此为甚！然而趋时守旧之途虽殊，其昧于历史因果，缺乏研究精神，拘囚于形式，竞竞于模仿则一也。慨自“五四”以降，为学之态度随世风而日趋浇薄：投机取巧，习为故常；奸黠之辈且有以学术为猎取功名利禄之具者；相形之下，则前之拘于形式，忠于模仿之学者犹不失为谨愿...

浩瀚星辰下的文明足迹：一部跨越时空的艺术史画卷 书名：《全球艺术通史：从史前洞穴到数字前沿》 引言：艺术，人类永恒的对话 人类文明的演进史，也是一部视觉表达的迭代史。艺术，作为人类情感、信仰、知识与社会结构的复杂载物，以其跨越语言障碍的穿透力，记录着我们祖先的每一次思考与挣扎，以及每一次辉煌与革新。然而，现有的艺术史叙述往往聚焦于特定的地域、时代或媒介，使得我们对整体人类艺术图景的认知存在碎片化。 本书《全球艺术通史：从史前洞穴到数字前沿》力图打破传统版图的桎梏，构建一个宏大、连续且相互关联的全球艺术叙事。我们不再将欧洲文艺复兴视为艺术史的绝对中心，而是将其置于世界同步发展的多元脉络之中。本书旨在呈现一幅气势磅礴的画卷，追溯那些共同塑造了我们今日视觉世界的关键时刻、核心技艺与哲学思辨。 第一编：万物有灵与符号的诞生（史前至古典文明的黎明） 本篇聚焦于艺术的起源，探讨人类如何从纯粹的生存需求中提炼出形式与意义。 第一章：洞穴的低语与大地的雕塑。 我们将深入研究拉斯科（Lascaux）、阿尔塔米拉（Altamira）的壁画，分析这些早期图像背后的萨满信仰、狩猎仪式与人类对生命力的原始崇拜。随后，我们将考察新石器时代的定居生活如何催生了陶器的装饰艺术，以及巨石阵（Stonehenge）等纪念性建筑对空间秩序的初步构建。重点在于理解“艺术行为”如何早于“审美概念”而存在。 第二章：两河文明的权力的印记。 聚焦于苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述的楔形文字泥板、圆柱印章与宏伟的城门浮雕。这些艺术品的核心功能在于巩固神权与王权，例如纳拉姆-辛的胜利纪念碑，其构图方式已显露出早期的叙事技巧。 第三章：尼罗河的永恒之梦。 埃及艺术的恒定性与规范化是本章的焦点。从早王朝的“调色板”到新王国的宏大陵墓（如图坦卡蒙的宝藏和帝王谷的壁画），我们将分析其严格的比例法则、象形文字与雕塑中对“来世永恒”的执着追求。同时，也将简要比较阿肯那顿改革时期短暂的自然主义倾向。 第四章：爱琴海的色彩与地中海的交汇。 探讨克里特文明（米诺斯）的壁画中流淌的活力（如《掷牛图》），以及迈锡尼文明的黄金面具所展现的军事贵族审美。这些早期地中海文化为后来的希腊艺术提供了重要的媒介与主题基础。 第二编：秩序、理想与信仰的交织（古典时代的辉煌与重塑） 本编深入古典世界的核心，探讨理性、美学规范以及对人类形体的极致探索。 第五章：希腊的黄金比例与人文主义的觉醒。 详细解析从几何风格到古风时期，再到古典盛期的演变轨迹。重点分析“古典三式”雕塑家（如菲狄亚斯、波留克列特斯）如何通过“对立平衡”（Contrapposto）确立了对理想化人体美的追求。帕特农神庙的建筑逻辑与雕塑的叙事结构被视为理性秩序的典范。 第六章：罗马的实用主义与世界的整合。 罗马艺术继承了希腊的古典遗产，但更强调写实性、历史叙事与工程技术。本章将分析凯旋门、公共浴场、万神庙（Pantheon）的拱券结构，以及对皇帝肖像画的“权力展示”功能。波斯和埃及的艺术元素如何被巧妙地融入帝国的视觉语言，构成了前所未有的“普世帝国”美学。 第七章：东方轴心的璀璨：印度与早期佛教艺术。 跳脱西方中心视角，深入研究莫卧儿时期（Mughal）细密画的精致，以及笈多王朝时期佛像雕塑中“宁静之美”的形成。分析犍陀罗艺术中希腊化风格对佛陀形象塑造的影响，展示文化交流的复杂性。 第八章：儒家美学与道家的自然观。 探讨中国早期青铜器（商周）中神秘的饕餮纹饰所代表的宗教权威，以及春秋战国时期玉器和漆器的精巧工艺。简要概述汉代画像石的世俗化倾向，为后来的文人画美学奠定基础。 第三编：信仰的宏大叙事与全球范围的融合（中世纪至文艺复兴的转向） 本篇关注宗教信仰如何成为艺术创作的主导力量，以及在不同地理区域如何发展出适应本土哲学的独特形式。 第九章：拜占庭的圣像与精神的凝视。 分析君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）的穹顶技术，以及圣像画（Icons）对平面化、象征性表达的坚持，探讨其神学意图——引导信徒超越物质世界。 第十章：西欧的黑暗与光明的追寻。 考察加洛林、奥托和罗马式艺术中笨重、厚实的主题结构。重点分析哥特式艺术（如圣但尼、沙特尔大教堂）如何通过飞扶壁、尖拱和花窗玻璃，将建筑本身转化为“光之神学”的载体，实现“向上”的视觉运动。 第十一章：伊斯兰艺术的几何抽象与装饰万花筒。 探究伊斯兰世界对偶像崇拜的回避如何催生出高度发达的几何图案、植物蔓纹（Arabesque）和书法艺术。分析阿尔罕布拉宫等地的装饰艺术，展现数学逻辑与美学的完美结合。 第十二章：文艺复兴：人、科学与古典的复兴。 这一章将文艺复兴置于全球背景下审视。我们分析意大利如何通过透视法（布鲁内莱斯基）、人体解剖学（达·芬奇）和对古典精神的再解读，将艺术家的地位从工匠提升至知识分子。同时，也会简要对比北方文艺复兴（如范·艾克的油画技术突破）的物质性追求。 第四编：探索、冲突与现代性的前奏（巴洛克至19世纪末） 本编探讨全球化初期的艺术响应，以及艺术家如何开始质疑既有的学院规范。 第十三章：巴洛克与洛可可的戏剧张力。 卡拉瓦乔的光影对比（明暗对照法）、贝尼尼雕塑中的瞬间动感，以及鲁本斯的生命激情，共同构筑了天主教反宗教改革时期的艺术语言。洛可可是对巴洛克宏大叙事的温和反动，转向私密与享乐。 第十四章：新古典主义与浪漫主义的辩证。 分析大卫如何用严谨的线条和道德主题来呼应启蒙思想；随后对比德拉克洛瓦和戈雅作品中对情感、非理性与民族精神的歌颂，展现欧洲从理智回归激情的思想转向。 第十五章：东方主义与全球艺术的碰撞。 探讨欧洲艺术家对“异域”题材的迷恋（东方主义），以及这种观察背后的权力关系与刻板印象。同时，也将简要考察被西方殖民或半殖民地地区如何在新旧媒介的拉扯中寻找新的身份表达。 第十六章：印象派的革命与色彩的解放。 关注科学（光学理论）和新兴的工业社会（摄影术）如何颠覆了传统绘画的本质。莫奈、雷诺阿等如何将焦点从“描绘对象”转向“捕捉瞬间的光影体验”，开启了现代艺术对主观感受的无限探索。 第五编：破碎、解构与数字的未来（20世纪至今） 本篇审视现代艺术如何彻底瓦解了“再现”的传统，以及艺术如何与技术、社会政治深度融合。 第十七章：现代性的激进实验。 分析立体主义如何解构三维空间，野兽派对纯粹色彩的滥用，以及表现主义对内心焦虑的直白表达。重点解析马列维奇的至上主义和杜尚的现成品，如何从根本上质疑“什么是艺术”。 第十八章：战争、意识形态与艺术的对抗。 探讨两次世界大战期间，艺术如何被用作宣传工具（如社会主义现实主义），以及达达主义和超现实主义如何以荒诞和潜意识的逻辑对现代社会进行批判。 第十九章：后二战时期的权力转移与多元声音。 考察抽象表现主义（以纽约为中心）的文化意义，以及波普艺术对大众文化和消费主义的挪用。同时，本章也将关注拉美洲的壁画运动和非洲艺术的复兴，展现全球南方发出的重要声音。 第二十章：后现代的边界消解与数字时代的拓扑。 探讨极简主义、观念艺术对艺术品本体的消解。最后，展望新媒体艺术、虚拟现实（VR）和人工智能（AI）生成艺术对未来视觉文化形态的冲击与重塑，强调艺术已成为一个无边界、不断演化的信息场域。 结语：艺术史的“无中心”未来 本书的最终目的，是提供一种观看历史的工具，使读者能够识别出不同文化在相似的哲学困境下，如何发展出独一无二的视觉解决方案。真正的艺术史并非线性进步，而是一场宏大而复杂的全球对话，其意义存在于连接而非孤立之中。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的叙事结构和内容选择非常独到，它没有采取那种按时间顺序简单罗列的编年史写法，而是似乎在用一种更像是“主题漫游”的方式来展开。这种处理方式，极大地提升了阅读的趣味性。它似乎更关注艺术思潮是如何在不同地域、不同时代之间进行“对话”和“回响”的。例如，它会把某一时期古典主义的回归，放在一个更广阔的人文背景下去考察，而不是孤立地讲解某一位画家。这种宏观的视角让我明白了，艺术的发展从来不是孤立的，它与社会结构、哲学思潮、甚至技术革新都有着千丝万缕的联系。书中对一些争议性艺术事件的探讨也相当深入，没有回避那些历史上的曲折和矛盾，反而将它们呈现为艺术生命力的一部分。读完一讲，我常常需要停下来，不是因为文字太难懂，而是因为被其中蕴含的文化张力所震撼，促使我去思考艺术背后的那些“为什么”。这种引导思考的阅读体验，远超出了仅仅“认识几幅名画”的初级目标。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书的过程中，我感受到了作者对艺术史的深厚情感，这并非一本冰冷的教材，而更像是一本老朋友带着你穿梭于世界各大博物馆的私密导览。他似乎非常擅长捕捉那些“人”的元素——艺术家在创作时的挣扎、灵感的瞬间、以及他们与时代环境的角力。比起纯粹的风格分析，书中对艺术家的“个体生命体验”的挖掘，显得格外动人。我记得有一段描述某位巴洛克大师面对宗教题材时的内心冲突，那种将神圣与世俗拉扯于笔尖的张力，被作者描绘得淋漓尽致，让我对那幅作品的理解瞬间立体了起来，不再只是一个静态的图像。这种富有温度的解读，极大地拉近了我们与遥远艺术品之间的距离。它提醒我们，艺术的伟大，往往源自于人类最深刻、最真实的情感投射。这种细腻入微的笔触，让历史的厚重感转化为可感知的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是别出心裁，封面那种带有历史厚重感的纹理，让我一拿到手就觉得它不是那种快餐式的读物，而是一本值得细细品味的艺术史著作。我尤其欣赏它在排版上的用心，每一页的留白都恰到好处，既保证了文字的清晰易读，又为那些精美的画作提供了足够的“呼吸空间”。当我翻阅到关于文艺复兴时期大师作品的章节时，那些高清的图片细节，简直像是把原作搬到了我的眼前。光影的微妙变化，笔触的粗粝与细腻，都能被清晰地捕捉。这对于一个没有太多专业艺术背景的普通爱好者来说，是一种极大的视觉享受和学习的便利。不像有些艺术画册，为了压缩成本，印制质量粗糙，图片模糊不清，读起来总有一种隔靴搔痒的感觉。这本书的图文配合度极高，每幅作品旁边的文字介绍，不是那种干巴巴的官方说辞，而是带着一种导览员般的亲切感，引导你去看那些你可能在原作前会忽略掉的细节。它成功地架起了一座桥梁，让深奥的艺术史知识变得平易近见，完全没有学术著作那种拒人千里的距离感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材范围之广，也令人印象深刻。它显然不是只盯着西方古典艺术的“核心区”打转，而是带着一种全球化的视野去审视“美术”这个概念。我注意到其中不仅有我们熟知的欧洲油画巨匠，还穿插了对东方水墨意境的精妙阐述，甚至对某些早期文明的装饰艺术也有所涉猎。这种包容性和广阔的格局，极大地拓宽了我的审美边界。它让我意识到，真正的艺术鉴赏，不应该被地理或文化疆界所限制。特别是当作者将不同文化圈内的相似主题或造型母题进行对比时，那种跨越时空的共鸣感尤为强烈。这种处理方式，有效地打破了读者原有的知识框架，迫使我们用一种更开放、更具比较性的眼光去看待艺术史的发展脉络。它不仅仅是“介绍”了二十个讲座，更像是在构建一个多维度的、相互连接的全球艺术地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的一点是，它在专业性与通俗性之间找到了一个近乎完美的平衡点。很多艺术鉴赏类的书籍，要么过于学术化，充满了晦涩难懂的理论术语，让人望而却步；要么又过于“科普化”，把艺术品简化成一些趣味小故事，失去了应有的深度。然而，这本书的作者显然对艺术史有着深刻的洞察力，他能够用极其精准且富有画面感的语言，去描绘那些复杂的造型语言和色彩原理。比如，当他讲解印象派的光影处理时，那种描述仿佛带着颜料的芬芳和光线的温度，让人仿佛能闻到塞纳河畔的空气。更厉害的是，他能将这些看似高深的技法，用我们日常生活中能理解的概念去类比，使得技术层面的理解变得水到渠成。这对于希望提升自己鉴赏水平的业余爱好者来说，简直是福音。它既满足了我们对“美”的直观感受，又提供了支撑这种感受背后的逻辑框架，是一种非常成熟的知识传递方式。