音乐剧重唱教程（二） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

赵梅，谭洁，袁婷婷 著

图书标签:

• 音乐剧
• 重唱
• 合唱
• 声乐
• 音乐教学
• 表演
• 技巧
• 教材
• 艺术
• 音乐

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562174974

版次：1

商品编码：11903943

包装：平装

丛书名： 21世纪音乐教育丛书

开本：16开

出版时间：2016-03-01

用纸：胶版纸

页数：186

字数：346000

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐剧重唱教程（二）》主要选择欧美具有代表性的、其他教材还未收录的经典剧目，如《吻我凯特》《棋王》《阿依达》《妈妈咪呀》。每首曲目都是作者精心整理、改编、提炼后的呈现，具有较高的教学价值和普及意义。同时，每首曲目还附有作品简介、故事梗概、演唱提示、重难点注解等内容，以帮助使用者对作品能有深刻的理解和领悟，是专业教师、学生及音乐剧爱好者学习的好教材。

目录

一、《吻我，凯特》
（一）二重唱《神奇吧》
（二）四重唱《汤姆、迪克和哈利》

二、《象棋》
（一）四重唱《优雅与和平的典范》
（二）二重唱《山间二重唱》
（三）二重唱《你和我》
（四）二重唱《我如此了解他》

三、《阿依达》
（一）二重唱《魅力闪过》
（二）四重唱《不是我》
（三）二重唱《精致生活》
（四）三重唱《咫尺天涯》
（五）二重唱《寄语辰星》
（六）二重唱《有其父必有其子》

四、《妈妈咪呀》
三重唱《奇克提塔》

音乐剧艺术的深度探索：从声乐技巧到舞台表现的综合指南 《戏剧性声乐的精进与角色塑造》 第一章：戏剧性发声的科学与实践 1.1 呼吸控制的基石：支撑的深化 本章深入探讨戏剧性声乐演唱中至关重要的气息支撑系统。不同于传统美声唱法对气息的平稳、均匀要求，音乐剧发声更强调动态的、爆发性的支撑，以应对复杂的舞台动作和高强度的情感表达。内容涵盖腹横肌、肋间肌群在快速吸气与稳定呼气过程中的协同作用。详细分析了“快速深吸”技术在准备高音或情绪爆发点时的应用，以及如何通过膈肌的精准控制实现长乐句的连贯性与音色的稳定性。特别设立了针对“气声（Airy Tone）”与“头腔共鸣（Head Resonance）”的转换练习，确保声音在轻盈与饱满之间自如切换，以适应不同风格的音乐剧选段。 1.2 喉位与共鸣腔体的优化 深入剖析音乐剧对喉位稳定性的独特要求。音乐剧发声常需要在打开口腔、抬高软腭的同时，保持喉咙区域的放松，以避免僵硬和过度挤压。本章详细讲解了“面罩共鸣”的精确位置定位，通过特定的母音修正练习（如 /i/, /e/, /a/ 的前后变化），引导声带振动集中在鼻窦和上颚区域，从而产生穿透力强但又不失圆润的“音乐剧音色”。此外，还探讨了如何通过调整下颌的松弛度来释放声音的张力，为实现高难度转音和宽广音域打下坚实基础。 1.3 声音的色彩与音色设计 音乐剧角色往往需要极强的音色适应性。本章提供了一套系统性的音色设计方案，包括如何营造“明亮、靠前”的百老汇（Belt）音色，以及如何处理“柔和、抒情”的抒情（Legit）音色。重点讲解了共鸣腔体切换的技术细节，例如如何通过调整舌位和喉部空间来改变声音的“明暗度”，从而精准匹配角色的年龄、性格和情绪状态。通过对不同历史时期音乐剧风格（如奥斯卡·汉默斯坦时期、当代“摇滚歌剧”风格）的经典片段进行分析，演示音色变化的实际操作步骤。 第二章：歌唱与表演的整合：情感的物理体现 2.1 文本分析与情绪解码 本章将歌唱提升至戏剧表演的层面。强调音乐剧演唱绝非单纯的技巧展示，而是“带着目的性去发声”。内容包括如何运用斯坦尼斯拉夫斯基体系的基本原理，对歌词进行深入的情感挖掘和动机分析。讲解“我的任务（My Objective）”在歌唱中的具体应用——即明确角色在每一句唱词中所追求的行动目标，以此驱动声音的强度、速度和音高选择。通过对关键性转折词（Pivot Words）的标记与处理，确保情绪的递进与爆发点精准无误。 2.2 肢体语言与声乐能量的同步 成功的音乐剧表演要求声音与身体动作的完美融合。本章探讨了如何将身体的能量（Kinetic Energy）有效地转化为声乐能量。内容涵盖：如何在进行大幅度肢体动作（如跳跃、转身）时，维持气息的稳定不散；以及如何利用面部表情和眼神交流来强化声音的穿透力。特别设置了“动作即呼吸”的训练模块，帮助学习者在身体紧张时，依然能找到内在的放松点以支持发声，避免“声画分离”的现象。 2.3 角色化的演唱处理：超越“唱得好听” 深入研究如何为特定角色量身定制演唱风格。这不仅仅是音色的调整，更是对角色的“声音信仰”的构建。例如，如何处理一个内心挣扎的角色，使其声音听起来“破碎却充满希望”；或是一个自信、掌控欲强的角色，如何通过更强劲的、带有攻击性的发声方式来体现其权威性。通过对比分析《悲惨世界》中芳汀（Fantine）的绝望咏叹调与《歌剧魅影》中克里斯汀（Christine）的纯净咏叹调，演示角色化演唱的具体技法。 第三章：二重唱与合唱的艺术：伙伴关系与空间定位 3.1 二重唱的平衡艺术：对话与交织 音乐剧二重唱是人声合作的典范。本章聚焦于如何在高难度的对唱中保持平衡感和清晰的“对话感”。重点解析了“听觉聚焦（Auditory Focus）”的技巧——即在与搭档轮流演唱时，如何迅速地将自己的声音焦点从外部收回到内在，为下一句的切入做好准备。讨论了在和声进行中，如何既能清晰地传达个人情感，又能完美地融入和弦结构，确保声音的“混合度”（Blend）既不淹没对方，也不显得突兀。 3.2 舞台空间与麦克风技术应用 在现代音乐剧中，演员与无线麦克风的配合至关重要。本章详细讲解了在舞台移动、拥抱、或进行舞台战斗（Stage Combat）时，如何精确控制嘴部与麦克风的距离（Mic Technique）。强调了“动态控制”——即在不使用气息支撑的情况下，仅通过微小的头部移动来适应音量的起伏，从而保证拾音效果的均匀和平顺。此外，还探讨了合唱声部在大型舞台上如何通过“声像定位”来确保整体听觉效果的层次感。 3.3 情感的即时反应与连贯性 二重唱的成功在于“化学反应”。本章训练学员进行即兴的情感反馈练习。要求学员在演唱过程中，不对搭档的表演进行预设，而是根据对方的呼吸、眼神和声音变化，实时调整自己的演唱力度和情感走向。通过这种“在场感”的训练，使二重唱的演唱更具生命力和不可预测性，真正体现出戏剧冲突的张力。 第四章：风格的多样性与跨界实践 4.1 从经典到当代的风格演变 音乐剧风格横跨古典美声、传统流行、摇滚、爵士等多种元素。本章系统梳理了自20世纪初至今，不同音乐剧流派对声乐技巧提出的特殊要求。例如，对1940年代秀场风格（Show Tune）中特有的“清晰咬字与灵活的节奏感”的训练；以及对当代“强力摇滚（Rock Belt）”中所需的高强度咽音（Vocal Fry）和高位换声区的处理。 4.2 快速适应新作品的策略 针对新作品的快速学习与准备，本章提供了一套高效的“风格拆解”方法。首先是听觉模仿（Ear Training）中对特定“口音”（Accent）或演唱习惯的识别；其次是节奏与律动的精确掌握，特别是对于复杂切分音和偏离重音的音乐剧段落。最后，讲解了如何在短时间内，将自己成熟的声乐技术嫁接到完全陌生的音乐风格框架内，确保技术不失真，风格不流于表面。 --- （本书内容专注于戏剧性发声技巧的深化、角色塑造与演唱的结合，以及二重唱的舞台合作艺术，旨在为严肃的音乐剧学习者提供一套从声音到表演的全面进阶训练体系。）

评分☆☆☆☆☆

拿到《音乐剧重唱教程（二）》，感觉就像是打开了一个新的宝藏！第一册我就觉得是音乐剧声乐学习的神器，里面那些关于发声技巧、气息运用、以及对经典曲目进行细致分析的内容，我简直是奉为圭臬，每次排练都会拿出来反复揣摩。我一直认为，音乐剧的重唱不仅仅是技术层面的配合，更是对角色内心世界和情感状态的深刻挖掘。 尤其让我期待的是，这一册会如何深入地讲解“角色塑造”在重唱中的应用。音乐剧中的重唱，往往是角色关系发展、内心冲突展现的绝佳载体。我希望能看到书中能够提供一些具体的指导，教导学生如何通过声乐的表达，来塑造出鲜活的角色形象，如何让重唱成为连接角色情感、推动剧情发展的重要环节。例如，在表达人物的思念、纠结、或者爱意时，重唱的处理方式会截然不同，我渴望从中获得更系统、更深入的解析。 此外，对于重唱中的“平衡与对比”，我也非常感兴趣。在音乐剧中，重唱的两个（或多个）声部往往代表着不同的情感、立场，甚至冲突。我希望书中能有关于如何处理这些声部之间的微妙平衡，以及如何通过声音的对比来突出戏剧性效果的指导。这不仅仅是音量上的此消彼长，更可能是音色、节奏、甚至情感表达上的巧妙呼应与抗衡，我期待能从中获得启发。 我还想知道，书中是否会涉及不同类型音乐剧对重唱演绎的影响。音乐剧的风格多种多样，从古典到现代，从浪漫到写实，每一种风格对重唱的演唱方式都有着独特的要求。我希望作者能够为我们梳理不同风格音乐剧重唱的特点，并提供相应的练习方法，帮助学生们能够更好地适应和驾驭各种风格的重唱作品。 总而言之，我对《音乐剧重唱教程（二）》充满了期待。我相信，这本教材一定能够在我现有的基础上，为我提供更具深度和广度的专业指导，帮助我带领学生们在音乐剧重唱的艺术道路上更上一层楼，唱出更具感染力和生命力的声音。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐剧重唱教程（二）》，我盼星星盼月亮终于等来了！说实话，第一册我就已经翻得滚瓜烂熟了，里面的曲目选择、声部配合的讲解，还有那些关于呼吸控制和共鸣腔体的运用，简直太实用了！我之前在指导学生排练音乐剧片段时，很多时候遇到瓶颈，都是靠着第一册的思路慢慢摸索出来的。这次的第二册，我听说会更深入地挖掘重唱在剧情中的作用，这对我来说简直是雪中送炭！ 我特别想知道，作者们会如何解析音乐剧中的“对话式”重唱。那种不仅仅是两个声音简单的叠加，而是充满戏剧张力、情感碰撞的重唱，才是音乐剧的灵魂所在。我希望书中能够提供一些具体的训练方法，教导学生如何通过声音的细微变化，来表达角色的心理活动，如何让重唱成为推动剧情发展的关键工具。比如，在一些矛盾冲突非常激烈的场景中，重唱的处理就显得尤为重要，它既要展现人物之间的对抗，又要保持整体音乐的和谐，这其中的平衡艺术，我真是太想向作者请教了。 另外，我一直觉得，音乐剧重唱的魅力还在于它能够展现角色之间复杂的情感关系。无论是爱情的甜蜜，还是友谊的坚定，亦或是竞争对手之间的暗流涌动，这些都可以通过重唱来淋漓尽致地表达。我非常期待第二册能够提供一些关于如何处理不同情感状态下的重唱的指导，比如如何通过声音的力度、音色、节奏来展现爱意的缠绵，或者是在愤怒和不解中，声部之间的交织如何产生冲突和张力。 我还关注的是书中对于不同年代、不同风格音乐剧重唱的分析。音乐剧的发展史很长，不同时期的作品在音乐风格、叙事方式上都有很大的差异，这对重唱的演绎也会产生直接影响。我希望作者能够梳理这些风格上的演变，并提供一些具有代表性的重唱作品进行案例分析，帮助我们理解如何根据作品的时代背景和风格特点，来调整演唱的处理方式。 总的来说，《音乐剧重唱教程（二）》在我心中已经具备了极高的期待值。我相信，它一定能成为我们音乐剧教学实践中不可或缺的宝贵资源，帮助我们和我的学生们在重唱的道路上走得更远，唱出更动人的旋律。

评分☆☆☆☆☆

终于收到了《音乐剧重唱教程（二）》！第一册我就奉为圭臬，每次排练音乐剧片段，都会拿出来细细研读。特别是里面关于声部融合和和声构建的讲解，以及对不同时期经典音乐剧重唱的示范分析，都给我打开了新的思路。我一直觉得，音乐剧重唱不仅仅是技术层面的合唱，更是一门关于“戏剧性”的艺术。 我特别期待在这一册中，作者们能够深入探讨如何在重唱中营造出“戏剧冲突”和“情感张力”。音乐剧的重唱往往不是简单的旋律叠加，而是角色内心世界和情感状态的直接表达。我希望书中能够提供一些关于如何通过声乐技巧，来刻画角色之间复杂关系的指导。比如，在一些对手戏中，重唱如何能既展现出双方的对立，又能巧妙地烘托出剧情的发展，这其中的艺术处理，一直是我研究的重点。 另外，我还十分关注书中关于“舞台表现力”在重唱中的体现。声乐演唱固然重要，但音乐剧毕竟是表演艺术，重唱也需要融入舞台表演的语境。我希望作者能够提供一些指导，教导学生如何在演唱重唱的同时，通过身体语言、面部表情以及与对手演员的互动，来增强重唱的表现力。这不仅仅是简单的“唱跳”，而是如何将情感和戏剧动机融入到每一个音符和每一个眼神中。 我一直认为，优秀的音乐剧重唱能够创造出一种“化学反应”，让观众沉浸其中，感受到角色之间情感的流动。我非常好奇，作者们会如何教授学生们理解和把握这种“共鸣”感。如何让两个（或多个）人的声音在舞台上产生奇妙的融合，不仅仅是声音的和谐，更是情感的共鸣，是让观众能够感同身受的能量传递。 总的来说，我对《音乐剧重唱教程（二）》抱有极高的期望。我相信，这本教材一定能在我现有的基础上，为我提供更深层次的理论指导和更具操作性的实践方法，帮助我更好地培养和指导音乐剧演员，让他们在重唱的道路上有所突破，绽放出更耀眼的光芒。

评分☆☆☆☆☆

终于拿到这本《音乐剧重唱教程（二）》的实体书了，我简直迫不及待地翻阅起来！作为一名在声乐教学一线摸爬滚打多年的教师，我一直在寻找一本能真正指导学生们掌握音乐剧重唱精髓的教材。《音乐剧重唱教程（一）》给我留下了极其深刻的印象，它在基础的技巧训练、声乐理论的讲解以及对经典曲目片段的深入剖析上都做得非常出色，让我觉得这不仅仅是一本教材，更像是一位经验丰富的声乐导师在耳边循循善诱。 此次的（二）册，我尤其关注它在进阶训练上的设计。我了解到作者团队在这一册中，不仅会延续之前对不同声部组合的细致处理，更会深入探讨如何在音乐剧的表演语境下，将重唱的艺术性提升到新的高度。我非常期待看到作者们如何讲解角色动机、情感递进在重唱中的体现，以及如何在复杂的剧情推进中，通过声乐的交织来塑造人物关系和冲突。 对于重唱中的“对话感”和“情感共鸣”，我一直觉得这是培养优秀音乐剧演员的关键。我希望（二）册能提供更多关于如何训练演员在演唱重唱时，能够做到“听”和“应”的默契，不仅仅是把音唱准，更重要的是能捕捉到搭档的情感信号，并做出富有表现力的回应。这需要大量的实践和细致的指导，我期待书中能有具体的练习方法和案例分析，来帮助学生们克服这一难点。 此外，书中对于不同风格音乐剧重唱的处理，也是我非常感兴趣的一点。音乐剧的风格多样，从早期的经典浪漫到现代的流行摇滚，再到具有戏剧张力的作品，每一种风格对重唱的演绎都有着独特的要求。我希望（二）册能够涵盖不同时期、不同流派的经典重唱片段，并对其风格特点、演唱技巧进行深入解读，让学生们能够更好地理解和模仿，甚至融会贯通，形成自己的表演风格。 总而言之，我对于《音乐剧重唱教程（二）》充满了期待。一本好的教材，不仅要传授知识，更要激发学生的学习热情和创造力。我相信，凭借作者团队在前作中展现出的专业素养和严谨态度，这一册一定不会让我们失望，它必将成为音乐剧声乐教学领域的一本力作，为更多热爱音乐剧的学生们提供宝贵的指导和启迪。

评分☆☆☆☆☆

终于摸到《音乐剧重唱教程（二）》了！我必须得说，第一册我已经爱不释手，它里面的内容简直是为我这样的音乐剧爱好者量身定做的。从声乐基础的讲解，到经典曲目的片段剖析，再到对不同声部配合的细致指导，都让我受益匪浅。每次遇到教学上的难题，我都会翻开它，总能找到解决问题的灵感。 这一册，我尤其关注它在“叙事性重唱”方面的讲解。音乐剧的重唱，很多时候本身就承担着讲故事的功能，它需要将角色的内心独白、情感变化以及情节的推进巧妙地融合在一起。我希望书中能有更多关于如何通过重唱来“说故事”的技巧和案例分析。比如，如何通过声部的交织、旋律的起伏来展现人物的心理变化，如何让重唱成为推动剧情发展的关键线索。 我一直觉得，音乐剧重唱最动人的地方在于它能够展现人物之间复杂而真实的情感联系。无论是心心相印的浪漫，还是理念不合的碰撞，亦或是生死与共的誓言，都能在重唱中得到淋漓尽致的表达。我非常期待第二册能够提供关于如何处理不同情感状态下的重唱的指导，如何通过声音的细微之处，去触动观众的心弦，让他们感受到角色之间真实的情感流动。 另外，我还对书中关于“团队协作”和“整体呈现”的指导抱有浓厚的兴趣。音乐剧的重唱，最终是要在舞台上呈现给观众的，这就需要演员之间高度的默契配合，以及对整体艺术效果的把握。我希望作者能够提供一些关于如何培养演员之间的“听觉敏感度”和“表演默契”的练习方法，以及如何让重唱的呈现更加具有舞台感染力。 总而言之，《音乐剧重唱教程（二）》对我来说，无疑是一本极具价值的学习资源。我相信，它一定能够帮助我更深入地理解和掌握音乐剧重唱的精髓，为我培养出更具专业素养和艺术表现力的音乐剧演员提供坚实的理论基础和实践指导。