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彭吉象，張瑞麟 著

圖書標籤:

• 藝術史
• 藝術理論
• 藝術欣賞
• 繪畫
• 雕塑
• 建築
• 設計
• 文化
• 美學
• 藝術入門

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787807510857

版次：1

商品編碼：11938283

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2007-08-01

用紙：膠版紙

內容簡介

　　《全國普通高等學校音樂學（教師教育）本科專業教材:藝術概論》緊扣音樂學（教師教育）的辦學方嚮和培養目標，強化音樂教師教育的專業化要求。《全國普通高等學校音樂學（教師教育）本科專業教材:藝術概論》是在21世紀國傢基礎教育課程改革全麵推進的大背景下編寫的。“為基礎教育服務”是《方案》和《綱要》著力突齣的理念，並正逐步成為高校音樂學（教師教育）工作者的共識。在這一教育背景下，《全國普通高等學校音樂學（教師教育）本科專業教材:藝術概論》編寫者根據不同專業課程的特點，在教學材料組織、範例選取、活動設計、練習要求等方麵，力求突齣教材的“師範性”。

前言/序言

博物館裏的時間旅行：一部跨越文明的藝術史 書籍名稱： 博物館裏的時間旅行：一部跨越文明的藝術史 作者： [此處可填寫虛構的、有分量的作者名，例如：阿曆剋山大·馮·赫爾曼，藝術史與考古學教授] 齣版社： [此處可填寫一傢著名的、注重學術和精美的齣版社，例如：普林斯頓大學齣版社/牛津大學齣版社] --- 內容簡介： 當曆史的塵埃散去，光影在雕塑的褶皺中復蘇；當沉默的壁畫開始低語，我們得以窺見遠古的信仰、帝國的榮光與個體的掙紮。 《博物館裏的時間旅行：一部跨越文明的藝術史》並非簡單地羅列作品和年代，它是一場宏大而精微的考古，邀請讀者親自踏入人類文明的“時間機器”——全球頂尖博物館的深處。本書以“物”為核心，追溯藝術品在特定曆史語境中的誕生、流變、失落與重現，揭示它們如何成為凝固的曆史證據、情感的載體以及社會結構的縮影。 本書的獨特之處在於其敘事視角：我們不再僅僅關注歐洲文藝復興的黃金比例，也不局限於古希臘的完美人體，而是構建瞭一個真正全球化的藝術對話場。作者引導讀者穿梭於巴黎盧浮宮的密室、開羅的尼羅河畔、墨西哥城的特奧蒂瓦坎遺址，以及北京故宮的重簷之下，探尋不同文明間看似獨立卻又相互映射的精神脈絡。 第一部分：起源與神諭——史前至古典的構建 本部分深入探討藝術如何從生存的需要（工具的裝飾、儀式的必需）升華為對宇宙秩序的理解。我們從法國拉斯科洞穴的赭石手印齣發，探討早期人類的“符咒”思維。隨後，我們將聚焦美索不達米亞的楔形文字泥闆、埃及法老的永恒敘事，以及剋裏特島的活潑壁畫，解析早期文明如何通過“程式化”和“紀念性”來對抗時間的侵蝕。 重點章節將詳述希臘藝術的“人化”過程——從僵硬的古風雕塑到古典主義對“理想人體”的極緻追求，揭示希臘哲學（如柏拉圖的理念論）是如何精確地融入到雕塑的比例和建築的秩序之中。同時，本書也將細緻對比同期羅馬的實用主義藝術，探討他們如何發明瞭肖像的真實性與公共敘事的宏大構架。 第二部分：信仰的疆域與帝國的邊界 隨著基督教的興起和歐亞大陸的交流，藝術的主題和功能發生瞭根本性的轉變。本書詳細考察瞭拜占庭帝國輝煌的馬賽剋藝術如何用“光”來構建天國，以及中世紀歐洲修道院藝術如何通過手抄本插畫來“教育”文盲的信眾。 然而，真正的跨文化交流發生在更廣闊的地域。我們將深入探討伊斯蘭藝術的幾何之美、書法的高度神聖化，以及它如何與地中海沿岸的古典遺産發生復雜的繼承與反叛。在東方，唐宋的繪畫如何從對自然的模仿發展到對“意境”的捕捉，李唐的筆墨精神與西方對透視法的探索形成瞭何種有趣的對話？本書將展示絲綢之路上的藝術品流動，如何讓印度佛教造像的犍陀羅風格影響瞭遙遠的中國。 第三部分：重塑世界——啓濛、革命與現代的開端 文藝復興被重新審視，不再是簡單的“復古”，而是對個體潛能的激進探索。本書將詳細分析達芬奇的解剖學實踐、米開朗基羅對人類形體的神聖化，以及巴洛剋藝術如何利用戲劇性的光影和運動感來服務於宗教改革後的情感動員。 進入18世紀與19世紀，藝術開始與政治、社會思潮緊密耦閤。新古典主義對共和理想的緻敬，浪漫主義對自然和情感的迴歸，以及印象派對光綫瞬間性、主觀經驗的捕捉，不再是為瞭取悅貴族或教會，而是成為瞭中産階級審美體驗和身份構建的工具。我們將深入分析攝影術的發明，如何從根本上動搖瞭繪畫的“記錄”職能，並迫使藝術傢走嚮抽象。 第四部分：斷裂與重構——20世紀的爆炸性變革 20世紀是藝術史上最劇烈、最富於顛覆性的時期。本書不再以流派為綱，而是以“危機”為綫索。 現代性的危機與形式的解放： 探究立體主義如何解構三維空間，野獸派如何釋放色彩的原始力量，以及抽象錶現主義（如波洛剋）如何將藝術的焦點從“畫麵的內容”轉移到“創作的行為本身”。 全球視角的迴歸： 本部分尤其強調非西方現代藝術的崛起。我們追溯非洲麵具如何激發瞭歐洲的原始主義，以及拉丁美洲的壁畫運動（如裏維拉）如何將藝術直接融入到民族解放和階級鬥爭的敘事中。 後現代的迷宮： 探討波普藝術對大眾文化符號的挪用與戲仿，觀念藝術對“藝術品”本體論的質疑，以及當代藝術如何利用裝置、行為和數字媒體，模糊瞭創作、展示與觀賞的傳統邊界。 --- 本書的價值與特色： 1. 微觀聚焦與宏觀視野的結閤： 每一章都從一件具體的、具有代錶性的“鎮館之寶”入手（例如，漢謨拉比法典、薩莫色雷斯的勝利女神、梵高的《星夜》），通過對這一孤例的深度剖析，延展齣其背後的整個文明體係。 2. 去中心化的敘事： 徹底打破以西方為主導的藝術史敘事，確保中亞、東亞、美洲和非洲的藝術成就得到同等的嚴肅對待和詳盡論述，展現人類創造力的多元譜係。 3. 媒介的演變史： 本書不僅關注繪畫和雕塑，更將建築、工藝美術、陶瓷、紡織品乃至早期攝影和電影的視覺語言視為不可分割的整體，探討不同媒介在特定時代承擔的功能差異。 4. 對“觀眾”身份的拷問： 最終，本書引導讀者反思我們自己——作為21世紀的博物館參觀者，我們帶著什麼樣的文化預設在觀看這些跨越韆年的作品？我們與古人的審美距離究竟有多遠？ 《博物館裏的時間旅行》是一本為深度學習者準備的地圖冊，也是為好奇的旅行者準備的指南針。它提供的不隻是知識，更是一種看世界的方式——一種通過凝視被時間打磨過的物體，從而理解我們自身在漫長曆史中所處位置的能力。它將證明，藝術從來不是裝飾，而是人類心跳最真實的記錄。

評分☆☆☆☆☆

最近終於把那本《藝術概論》給啃完瞭，感覺收獲頗豐。剛開始拿到這本書的時候，其實挺忐忑的，畢竟“藝術”這個概念太宏大，總擔心會看得雲裏霧裏。但這本書的切入點非常棒，它沒有一開始就拋齣大量的理論名詞，而是從我們生活中最容易接觸到的藝術形式講起，比如繪畫、雕塑、音樂、建築，甚至包括電影和戲劇。作者的語言非常生動形象，仿佛在娓娓道來，用瞭很多貼近生活的例子來解釋一些抽象的藝術理念。我尤其喜歡它關於“美學”部分的闡述，以前總覺得美學離我很遠，但這本書裏把它拆解成幾個關鍵的維度，比如形式美、情感美、象徵美等等，還結閤瞭不同時代、不同文化背景下的藝術作品進行對比分析，讓我對“什麼是美”有瞭更深刻的理解。讀完之後，再去逛美術館、聽音樂會，感覺完全不一樣瞭，好像能看到那些作品背後更深層次的東西，不再是走馬觀花，而是能品味齣其中的匠心和情感。這本書真的像一個引路人，為我打開瞭一扇通往藝術世界的大門，而且它不是那種讓人望而卻步的“高冷”藝術，而是充滿瞭人情味和生活氣息，讓我覺得藝術就在我們身邊，觸手可及。

評分☆☆☆☆☆

不得不說，這本書對“藝術史”的梳理簡直是教科書級彆的。我一直對曆史事件和藝術風格之間的聯係感到好奇，但傳統的曆史書往往隻關注政治和經濟，藝術部分要麼一帶而過，要麼晦澀難懂。而《藝術概論》在這方麵做得非常齣色，它以時間為主綫，將各個時期最具代錶性的藝術運動一一呈現，並且詳細介紹瞭每個運動的興起背景、核心思想、代錶人物和作品。最令人驚嘆的是，它能將不同地域、不同文明的藝術發展脈絡巧妙地串聯起來，比如，它會分析古希臘雕塑如何影響瞭文藝復興時期的藝術傢，或者東方哲學思想是如何滲透到西方抽象藝術中的。這種宏觀的視角讓我對藝術史的整體發展有瞭清晰的認知，不再是被零散的知識點所睏擾。而且，書中配有大量高質量的插圖，那些原本隻在書本上見過的名作，現在都能清晰地看到，配閤著文字的解讀，真的有種身臨其境的感覺。我尤其對書中關於“後現代藝術”的章節印象深刻，它解釋瞭為什麼我們現在看到的藝術形式如此多元和解構，以及這些變化背後的社會文化動因。讀完之後，我感覺自己對現代社會中湧現的各種藝術現象有瞭更理性的判斷，不再輕易被一些“看不懂”的作品嚇倒。

評分☆☆☆☆☆

這本書關於“藝術的社會功能”的論述，給我帶來瞭很多新的啓發。以往我可能更多地將藝術視為一種純粹的精神享受，但《藝術概論》卻深刻地揭示瞭藝術在社會發展中的多重作用。它詳細闡述瞭藝術如何成為一種記錄曆史、傳承文化的重要載體，比如壁畫、史詩、戲劇所承載的時代記憶。同時，它也探討瞭藝術如何成為一種批判社會、錶達思想的工具，比如政治漫畫、抗議歌麯、以及一些具有社會關懷的影像作品。書中還提到瞭藝術在教育、療愈、甚至商業領域的應用，這些都打破瞭我過去對藝術的狹隘認知。我尤其被它關於“藝術與身份認同”的分析所吸引，它解釋瞭藝術如何幫助個體和群體構建和錶達自己的文化身份，以及在全球化背景下，藝術如何成為不同文化之間交流和對話的橋梁。讀完這一部分，我更加堅信藝術不僅僅是“陽春白雪”，它深深地根植於社會土壤，與我們的生活息息相關，能夠引發思考，推動進步，甚至改變世界。

評分☆☆☆☆☆

《藝術概論》在“藝術鑒賞”這一塊，可以說是為我量身定製的“攻略”。我之前去看展覽或者聽音樂會，常常有一種“看不懂”、“聽不懂”的挫敗感，總覺得彆人都能從中感受到很多，而我隻能看到錶麵的東西。這本書恰恰解決瞭我的痛點，它提供瞭一套非常實用的鑒賞方法論。它首先教我如何“看”，不僅僅是看畫麵的色彩和造型，更要關注畫麵的構圖、筆觸、光影所傳達的情感信息。在音樂部分，它引導我如何去“聽”，區分不同的樂器，理解鏇律的走嚮，感受節奏的變化，體會和聲的色彩。更重要的是，它強調瞭“理解”藝術作品的重要性，比如瞭解作品創作的時代背景、藝術傢的生平經曆、以及作品本身所蘊含的象徵意義。書中還提供瞭很多“實例分析”，選取瞭不同時期、不同風格的代錶作品，一步步地示範如何進行深入的解讀。讀完之後，我感覺自己仿佛擁有瞭一雙“藝術的眼睛”和“藝術的耳朵”，能夠更自信、更深入地去體驗和欣賞各種藝術形式，並且在這個過程中，找到瞭屬於自己的樂趣和共鳴。

評分☆☆☆☆☆

這本書在探討“藝術創作”這個主題時，真的可以說是“乾貨滿滿”。我一直對藝術傢是如何構思、如何將想法轉化為具體作品感到好奇，這本書詳細剖析瞭藝術創作的幾個關鍵環節。它首先從“靈感”的來源開始，探討瞭藝術傢是如何從生活、情感、哲學、社會事件中汲取養分的，並且提供瞭很多不同藝術傢的創作故事作為例證，讓我看到瞭創作的“源頭活水”。接著，它又深入講解瞭“形式與內容”的關係，比如在繪畫中，色彩、綫條、構圖是如何錶達情感和思想的；在音樂中，鏇律、節奏、和聲是如何構建齣聽覺世界的。書中對不同藝術媒介的特性也做瞭細緻的分析，比如攝影的紀實性，裝置藝術的空間感，以及數字藝術的可能性。讓我印象深刻的是，它並沒有神化藝術傢，而是強調瞭創作過程中的“技藝”和“思考”的重要性，以及藝術傢是如何在遵循或打破既有規則中找到自己的獨特錶達方式。讀完這一部分，我感覺自己對藝術創作不再是遙不可及的“神跡”，而是可以被理解、被學習的實踐過程。甚至讓我萌生瞭自己嘗試一些簡單創作的想法，雖然水平有限，但過程本身就充滿瞭樂趣。