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金红莲，罗雪艳 著

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• 音乐研究
• 音乐发凡

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562178903

版次：1

商品编码：12276225

包装：精装

丛书名： 艺术文化地图丛书

开本：16开

出版时间：2018-03-01

用纸：胶版纸

页数：311

字数：336000

正文语种：中文

内容简介

　　音乐学研究是指关于音乐的学术性研究和文字写作，而其文献就是音乐学科研究成果的最终体现。从现代学术分类角度来看，19世纪德国出现了对音乐进行系统化的分门别类，从而形成独立的音乐学学科。
　　这本小书依据音乐学分类方法，把音乐文献再次进行了细致分类，包括音乐史学文献、音乐美学文献、音乐分析文献、音乐心理学文献、音乐教育学文献、音乐社会学文献、民族音乐学文献与音乐表演文献，这些是《音乐经典文献发凡》的主要章节。
　　音乐经典文献是学科前人撰写而构成的多方面观点的学术著作，音乐学学科的成长首先受惠于前入学者的知识。前入学者把音乐作为研究对象，为后人留下了浩瀚的文献，这些前人的积累是坚定厚实学科的基础养分。如没有这些文献，音乐学学科将是无根无叶的枯树。有了前人文献的支撑，音乐学学科就像站在巨人的肩膀上一样，其繁荣就指日可待了。但浩瀚的经典未经全方位的收集，如同被深深埋藏的宝藏，有待开采，需要有学识的学者进行收集整理。繁多的音乐文献，需得到严谨且系统化的整理分类，才可以作为一颗颗璀璨的珍珠，为音乐学科的发展做出有意义和有价值的贡献。
　　前人留下的文献现今如何运用？以历史的高度和当代的视野来解读，并运用于学术实践中。运用好的解读方法是至关重要的核心技术，本研究依托于海德格尔、伽达默尔的诠释学与德里达的解构学方法论来解读音乐学科的经典文献。
　　《音乐经典文献发凡》在音乐学理论各个分支中组织了文献，并重新解读和挖掘了文献价值。此研究能够提高音乐文献的价值，使读者在读《音乐经典文献发凡》中广泛接触并了解众多文献，对学科来说扩充了音乐文献的资源，有利于音乐学研究的发展。

作者简介

　　金红莲，音乐学博士。现为燕山大学艺术与设计学院音乐系副教授，音乐学硕士生导师，主要从事音乐文献与钢琴演奏的研究。完成著作三部，有独著《钢琴文献》，合著《中韩艺术交流史》，译著《中国音乐史图鉴》；在《人民音乐》《音乐创作》《北方音乐》《音乐时空》等刊物发表学术论文20余篇；主持完成教育部人文社会科学基金项目、河北省教育厅项目课题多项。

目录

第一章 绪论
第一节 音乐学科的成长需要文献的支持
第二节 撰著《音乐经典文献发凡》的意图与价值
第三节 音乐学的文献视野
1．音乐学中的经典文献
2．音乐学文献的分类
第四节 音乐学文献的运用
1．基于解读的文献运用观念
2．如何有效运用音乐经典文献

第二章 音乐史学文献
第一节 如何理解音乐史类文献
第二节 古代音乐史文献
1．古代音乐史文献概况
2．中国二十六史中的音乐文献
3．中国类书中的音乐文献
第三节 近现代音乐史文献
1．如何理解近现代音乐史文献
2．中国近现代音乐史文献
3．如何认识西方音乐史学文献

第三章 音乐美学文献
第一节 音乐美学文献
1．音乐美学及其文献认定
2．儒家之《乐记》与《毛诗序》
3．西方近代音乐美学文献
第二节 音乐形式主义文献
1．如何理解音乐形式主义及其文献价值
2．汉斯立克之《论音乐的美》
3．达尔豪斯之《关于形式主义的争论》
第三节 音乐情感理论文献
1．如何理解音乐情感理论
2．舒曼之关于音乐情感理论的研究
3．李斯特之《李斯特论柏辽兹与舒曼》
4．苏珊·朗格之《情感与形式》
第四节 中国音乐美学文献
1．萧友梅之《乐学研究法》
2．青主之《乐话》
3．叶纯之、蒋一民之《音乐美学导论》
4．修金堂之《音乐美学引论》

第四章 音乐分析文献
第一节 音乐分析学及其文献认定
第二节 旋律分析文献
1．托赫之《旋律学》
2．欣德米特之关于旋律理论的研究
3．沙汉昆之《旋律写作教程》
4．秦西炫之关于旋律的研究
第三节 调性调式分析文献
1．弗朗科利之《理解后调性音乐》
2．库斯特卡之《20世纪音乐的音阶结构》
第四节 乐音结构分析文献
1．申克之《自由作曲》
2．李吉提之《中国传统音乐的结构力观念》
第五节 曲式学分析文献
1．该丘斯之《大型曲式学》
2．魏纳之《器乐曲式学》
3．斯波索宾之《曲式学》
……

第五章 音乐心理学文献
第六章 音乐教育学文献
第七章 音乐社会学文献
第八章 民族音乐学文献
第九章 音乐表演文献
第十章 音乐文献叙录

参考文献
后记

精彩书摘

　　《音乐经典文献发凡》：
　　学科意义上的音乐美学成型于18、19世纪，可在中国先秦时期与古希腊时期就早已产生了有关音乐美学的文献，所以从文献意义来看音乐美学产生于先秦时期与古希腊时期，距今已有两千多年的历史。
　　中西方在音乐美学研究上的共同点是虽未有音乐美学的概念，但对此方向的思考却先于概念的诞生。如在中国两千多年前就有儒家文献《乐记》，总结了先秦以来的“乐”的思想，体现了儒家音乐美学的观点。另一部儒家经典《毛诗序》，论及了音乐具有表情因素，明确规定了音乐中情感表现必须符合礼仪。道家方面有老子与庄子的音乐美学文献，比如在老子看来，“大音希声，大象无形”。庄子通过《齐物论》《至乐》《渔父》，指出崇尚自然之真美，保持本真，人与乐回归自然，不可苦心劳形以危其真。在他看来，音乐有三个层面，即人籁、地籁、天籁。而西方音乐美学可追溯到古希腊毕达哥拉斯（Pythagoras，约公元前580-约前500）以“数”为音乐形式美的音乐美学探究。在毕达哥拉斯宇宙音乐论中“数”的概念不仅仅意味着数量和测量，而且在质的层次被观照为秩序和统一，如同围绕地球周围运行的行星和星球，维持不同的距离形成统一的规范，进行有规律的轨道运行，在弦上发现的音乐振动是基于数比例的和谐。①其学派认为行星之间的距离跟里拉琴弦之间的音程关系一致，音乐的基础是数，围绕地球运转的行星距离与速度和音乐的诸多音程关系，特别是全音阶的音程关系比例是相同的。他们认为音乐是神圣而崇高的艺术，因为音乐中反映了作为宇宙本质的数比例。美是和谐的，毕达哥拉斯的美学思想，造就了数一和谐的外在结构，便成了人的逻辑一隋感结构的对应物，那就是柏拉图的美学。
　　柏拉图（Plato，约公元前427-前347）在《会饮篇》中谈到，艺术不从属于自然。音乐艺术既是数的艺术，也是情感的艺术，形式论与情感论观点，就是西方音乐美学的两大观点。
　　1.音乐美学及其文献认定
　　西方现代文献中最早出现音乐美学概念的著作是1784年德国音乐家舒巴尔特（D.Shubart，1739-1791）的《论音乐美学思想》。此书出版于1806年，书中对音乐美学的表述局限于音乐的美是表情，而表情是内心的流露。虽然其表述在现在学术界看来不够深入，但作为音乐学术语汇提出，且开辟了音乐美学文献先河而具有历史意义。
　　舒巴尔特的文献是受到鲍姆嘉通的《美学》（1750）的影响。其《美学》一书中阐述美学为科学，美学作为自由艺术的理论、低级认识论、美的思维的艺术和与理性类似的思维的艺术，是感性认识的科学。这是批判时代康德哲学的认识，极力想使短暂的感性长久存在而长久未能在西方科学论体系中立足，直到自我怀疑困境时期有了转机，即《纯粹理性批判》（1781）。此书达到了纯粹理性的顶峰，同时宣告了忽视理性局限性的终结，康德提出感性论意义上的美学与鉴赏力批评。
　　步入实证时期后，19世纪主要文献为汉斯立克的《论音乐的美》（1854）。汉斯立克高度融合了形式与内容的问题，提出“音乐的内容就是乐音的运动形式”，对此句金言直译为：鸣响着的、被运动的形式才是音乐的内容和对象。而在伽达默尔看来，美学最终只能作为艺术哲学才可以存在（《真理与方法》，1960），美学之所以立足于艺术哲学中是因为人类对自然的审美活动具有源始性，这种自然审美判断的依据是艺术上的审美趣味。
　　……

前言/序言

　　音乐学研究是指关于音乐的学术性研究和文字写作，而其文献就是音乐学科研究成果的最终体现。从现代学术分类角度来看，19世纪德国出现了对音乐进行系统化的分门别类，从而形成独立的音乐学学科。
　　这本小书依据音乐学分类方法，把音乐文献再次进行了细致分类，包括音乐史学文献、音乐美学文献、音乐分析文献、音乐心理学文献、音乐教育学文献、音乐社会学文献、民族音乐学文献与音乐表演文献，这些是本书的主要章节。
　　音乐经典文献是学科前人撰写而构成的多方面观点的学术著作，音乐学学科的成长首先受惠于前入学者的知识。前入学者把音乐作为研究对象，为后人留下了浩瀚的文献，这些前人的积累是坚定厚实学科的基础养分。如没有这些文献，音乐学学科将是无根无叶的枯树。有了前人文献的支撑，音乐学学科就像站在巨人的肩膀上一样，其繁荣就指日可待了。但浩瀚的经典未经全方位的收集，如同被深深埋藏的宝藏，有待开采，需要有学识的学者进行收集整理。繁多的音乐文献，需得到严谨且系统化的整理分类，才可以作为一颗颗璀璨的珍珠，为音乐学科的发展做出有意义和有价值的贡献。
　　前人留下的文献现今如何运用？以历史的高度和当代的视野来解读，并运用于学术实践中。运用好的解读方法是至关重要的核心技术，本研究依托于海德格尔、伽达默尔的诠释学与德里达的解构学方法论来解读音乐学科的经典文献。
　　《音乐经典文献发凡》这本书在音乐学理论各个分支中组织了文献，并重新解读和挖掘了文献价值。此研究能够提高音乐文献的价值，使读者在读本书中广泛接触并了解众多文献，对学科来说扩充了音乐文献的资源，有利于音乐学研究的发展。
　　由于我们的水平有限，以管窥天，舐皮论骨，缺点在所难免，希望同仁专家批评指正。

《西方音乐史纲要：从古希腊到二十世纪》 书籍介绍： 本书旨在为音乐爱好者、学生以及专业人士提供一部系统、深入且易于理解的西方音乐发展史。全书以时间为轴线，清晰地勾勒出西方音乐自萌芽期直至二十世纪的演变脉络，重点剖析了不同历史时期音乐风格的形成、关键人物的贡献、重要作品的特征及其社会文化背景。 第一部分：西方音乐的源头与早期形态（约公元前500年 - 公元1400年） 第一章：古希腊罗马的音乐遗产与影响 本章追溯西方音乐的哲学与理论基础。我们将探讨毕达哥拉斯对音程与比例的发现如何奠定西方音乐的数学基础。古希腊的“乐的理论”（Doctrine of the Modes）如何影响了后世的调式系统。同时，考察古希腊悲剧、酒神颂等仪式性音乐在早期声乐发展中的角色。罗马帝国对希腊音乐传统的继承与转化，以及早期教会音乐的雏形，为中世纪的到来积蓄了能量。 第二章：中世纪的宗教主导——格里高利圣咏的建立 重点解析公元六世纪至九世纪教皇格里高利一世（Gregory the Great）在整理和规范单音音乐（Monophony）中所扮演的角色。详细阐述格里高利圣咏（Gregorian Chant）的音乐特征——无伴奏、自由节奏、纯净的线性旋律。我们将分析不同类型的圣咏（如弥撒曲、日课歌）的结构，并探讨其符号系统——纽姆谱（Neumes）——的起源与发展，以及这些早期记谱法如何逐渐向更精确的五线谱系统演进。 第三章：复调音乐的诞生与早期发展（九世纪至十三世纪） 本章是西方音乐史上最关键的转折点之一。我们将深入探讨复调（Polyphony）的起源：从早期的奥尔加农（Organum）——平行、自由、严格的复调形式——的演变过程。重点介绍巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的两位巨匠：莱奥南（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）。分析他们如何系统化地发展了节奏记谱法（Mensural Notation），特别是佩罗坦的“圆形节”（Conductus）和经文歌（Motet）的早期形式，标志着西方音乐从“旋律的艺术”向“多声部的艺术”迈进。 第四章：中世纪晚期的风格变革——世俗音乐的兴起与“新艺术” 本章关注十四世纪的“阿斯蒂斯·诺瓦”（Ars Nova，新艺术）。通过对比菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）的创作，展示对节奏复杂性和精确性的追求。深入分析马肖的《圣母弥撒曲》（Messe de Nostre Dame），这是已知最早由一位作曲家完整创作的弥撒套曲。同时，考察法国的游吟诗人（Trouvères）和德意志的吟游诗人（Minnesingers）在世俗歌曲中的贡献，以及三声部（Triolet）和“循环固定音型”（Isorhythm）等复杂技巧的应用。 第二部分：文艺复兴的和谐与理性之美（约1400年 - 1600年） 第五章：勃艮第乐派与早期人文主义的影响 本章聚焦于十五世纪早期，以法国勃艮第公国为中心的音乐中心。介绍杜菲（Guillaume Dufay）等人如何将中世纪的对位技巧与更具歌唱性的旋律相结合，形成“享乐主义”的早期风格。探讨人文主义思想对音乐的影响：对清晰度和清晰表达的追求，以及对古希腊“音乐拟人化”（Ethos）概念的重新解读。 第六章：盛期文艺复兴的完美对位与宗教改革 十六世纪是复调艺术的黄金时代。重点分析佛兰德学派（Franco-Flemish School）的代表人物，如雅各布·奥布雷赫特（Jacob Obrecht）和若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）。详述他们如何将模仿手法（Imitation）推向极致，实现声部间的流畅交织与平衡。同时，讨论宗教改革（马丁·路德提倡德语圣歌）和反宗教改革（特伦特会议对复调清晰度的要求）如何重塑了宗教音乐的面貌。帕莱斯特里纳（Palestrina）的纯净、清晰的对位风格将作为盛期复调的典范进行解析。 第七章：世俗音乐的繁荣——牧歌与器乐的独立 本章探讨世俗音乐在文艺复兴晚期的勃兴。详细考察意大利牧歌（Madrigal）的发展，从早期相对简单的形式到晚期如维亚丹那（Gesualdo）作品中出现的极端和声色彩和情绪表达，特别是“文字描绘”（Word Painting）技巧的运用。器乐领域，鲁特琴音乐、维也纳古键盘音乐的兴起，以及早期奏鸣曲（Canzona）和里切卡尔（Ricercar）的出现，预示着巴洛克时期器乐主体地位的来临。 第三部分：巴洛克时期的戏剧性与技巧（约1600年 - 1750年） 第八章：歌剧的诞生与早期巴洛克的激情 本章详细追溯“第二实践”（Seconda Prattica）的兴起，即“情感表达优先于对位规则”。重点讨论佛罗伦萨的卡梅拉塔（Florentine Camerata）如何试图复兴古希腊悲剧，从而催生了“剧诗演唱法”（Recitative）和歌剧这一全新体裁。分析蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）的作品，特别是《奥尔菲奥》，如何确立了歌剧的基本结构，包括宣叙调、咏叹调和乐队的使用。同时，探讨早期歌剧中心——威尼斯——的商业化发展。 第九章：协奏性思维的成熟——协奏曲与奏鸣曲 本章聚焦于十七世纪下半叶，协奏性思维如何主导器乐创作。深入解析科雷利（Arcangelo Corelli）对大协奏曲（Concerto Grosso）形式的规范化，以及维瓦尔第（Antonio Vivaldi）如何完善了快-慢-快结构的独奏协奏曲，使其成为巴洛克器乐的标志。讨论奏鸣曲体裁（大教堂奏鸣曲与室内奏鸣曲）的发展及其与协奏曲之间的相互影响。 第十章：巴赫与亨德尔：巴洛克风格的巅峰 本章将两位德奥巨匠置于高潮进行对比分析。分析巴赫（J.S. Bach）在对位艺术上的登峰造极，解析《平均律钢琴曲集》在调性体系建立上的里程碑意义，以及他对赋格（Fugue）技巧的精湛掌握。同时，探讨亨德尔（George Frideric Handel）在意大利歌剧和英格兰清唱剧（Oratorio）领域的贡献，特别是《弥赛亚》如何将戏剧张力与宏大合唱融为一体。 第四部分：古典主义的清晰、平衡与形式（约1730年 - 1820年） 第十一章：从洛可可到“情感风格”——过渡期的探索 本章探讨巴洛克晚期向古典主义过渡的风格变化，即“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和“情感风格”（Sturm und Drang）。分析C.P.E.巴赫和海顿早期作品中对情绪的细微刻画，以及加兰特风格（Style Galant）对歌唱性旋律和清晰和声的偏爱，为古典主义的出现铺平道路。 第十二章：奏鸣曲式与维也纳古典乐派的建立 本章核心探讨奏鸣曲式（Sonata Form）如何在海顿（Joseph Haydn）手中被系统化、完善，并成为古典主义器乐的基石。分析海顿在交响曲和弦乐四重奏创作中的创新，尤其是在发展部处理上的独特性。 第十三章：莫扎特的完美与贝多芬的革命 详细阐述莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）在旋律、和声色彩和歌剧写作上的非凡天赋，分析他如何将海顿的结构清晰与内心的抒情性完美结合。随后，聚焦贝多芬（Ludwig van Beethoven）的晚期风格，探讨他如何突破古典主义的界限，通过扩大奏鸣曲式、引入更强的戏剧冲突和个人主观性（如《英雄交响曲》《第九交响曲》），预示浪漫主义的到来。 第五部分：浪漫主义的个人情感与民族色彩（约1800年 - 1910年） 第十四章：早期浪漫主义的抒情与幻想 本章分析舒伯特（Franz Schubert）在艺术歌曲（Lied）领域的革命性贡献，特别是其对诗歌意境的音乐捕捉能力。考察韦伯（Carl Maria von Weber）和柏辽兹（Hector Berlioz）在歌剧与管弦乐创作中对“标题音乐”（Program Music）的探索，以及他们如何利用管弦乐法来表达宏大的叙事和强烈的主观情感。 第十五章：浪漫主义中期的辉煌与戏剧张力 重点分析肖邦（Frédéric Chopin）对钢琴音乐的贡献，他如何将民族精神（波兰舞曲、玛祖卡）融入高度精致的室内乐形式中。研究舒曼（Robert Schumann）的“音乐文学化”倾向，以及李斯特（Franz Liszt）在交响诗和钢琴技巧上的开拓。在歌剧方面，探讨威尔第（Giuseppe Verdi）如何通过对人性、激情和国家意识形态的描绘，主导意大利歌剧舞台。 第十六章：晚期浪漫主义的宏大叙事与瓦格纳的改革 本章深入分析瓦格纳（Richard Wagner）的“乐剧”（Musikdrama）理念，特别是“主导动机”（Leitmotif）系统在构建音乐叙事中的核心作用。探讨其和声语言如何达到前所未有的复杂性，并对后续作曲家产生深远影响。同时，考察勃拉姆斯（Johannes Brahms）对古典传统的继承与发展，以及马勒（Gustav Mahler）在交响曲中对生命哲学与内心冲突的史诗般表达。 第十七章：民族乐派的觉醒与独特的声响 考察十九世纪中后期，欧洲各地作曲家如何利用本国民间音乐和民族节奏来建立区别于德奥传统的音乐语言。深入分析俄国五人组（强力集团）、捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）和斯美塔那（Bedřich Smetana）的创作特点，以及芬兰西贝柳斯（Jean Sibelius）的北欧色彩。 第六部分：二十世纪的破碎与重构（约1900年至今） 第十八章：世纪之交的调性危机与印象主义 本章剖析德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）如何运用全音阶、五声音阶，以及模糊化的和声，创造出“印象主义”的听觉效果，挑战传统功能和声的束缚。 第十九章：表现主义与十二音体系的诞生 深入探讨荀伯格（Arnold Schoenberg）如何从极端的主观情感表达（表现主义）出发，最终发展出无调性音乐和十二音序列技术（Serialism）。分析贝尔格（Alban Berg）和韦伯恩（Anton Webern）在继承与发展这一体系上的不同路径。 第二十章：新古典主义与民族音乐的融合 讨论斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的创作转向，从早期的原始主义（如《春之祭》的节奏冲击）到后来的新古典主义，探讨其对巴洛克与古典形式的借鉴。分析匈牙利巴托克（Béla Bartók）如何将民族民间音乐的元素与严谨的对位结构结合，形成独特的现代风格。 第二十一章：战后实验与多元化探索 本章简述二战后西方音乐的发展方向，包括序列音乐的进一步发展（如布列兹的全面序列化）、偶然音乐（Aleatoric Music）的出现（约翰·凯奇），以及电子音乐和具体音乐的早期实践。强调二十世纪后音乐语言的彻底开放性和对听众接受度的重新思考。 结语： 本书在提供历史脉络的同时，着重培养读者对音乐作品“如何构成”的理解能力，而非仅仅停留在对历史事件的罗列。通过对具体音乐语言（和声、对位、曲式）的详细分析，读者将能更深刻地体会西方音乐史中每一个伟大时代所追求的美学理想。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受就是，音乐不仅仅是声音的组合，更是一种情感的表达，一种思想的传递，一种文化的沉淀。书中对于不同时代音乐风格的梳理，让我看到了音乐是如何与社会、历史、哲学思潮相互影响的。例如，在探讨民族乐派的兴起时，作者巧妙地将音乐的创作与民族自决运动、国家认同感的形成联系起来，使得音乐作品的意义不再局限于音符本身，而是具有了更深远的社会和历史意义。在描述马勒的交响乐时，那种对生命、死亡、宇宙的深刻反思，以及其中蕴含的巨大哲学命题，通过作者富有感染力的文字，变得触手可及。这本书并不是一本简单的乐曲评论集，它更像是一部关于音乐精神史的引介，帮助读者理解为何这些作品能够跨越时空，触动一代又一代人的心灵。对于想要更深入理解音乐的读者而言，这本书无疑提供了一个绝佳的切入点，它引导你去思考，去感受，去发现音乐背后更深层的美学价值。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对古典音乐的了解仅限于皮毛，常常觉得那些长篇大论的乐曲听起来有些晦涩。然而，这本书彻底改变了我的看法。它以一种非常流畅和易于理解的方式，将复杂的音乐知识娓娓道来。作者在介绍勃拉姆斯的作品时，并没有简单地将其与贝多芬、马勒进行比较，而是深入挖掘了勃拉姆斯音乐中那种深沉、内敛但又充满力量的独特气质，以及他如何在这种传统中寻求创新。书中对许多乐曲的结构分析，也并非枯燥的线条图，而是通过生动的比喻和形象的描述，让你能够清晰地把握乐曲的脉络。我特别喜欢书中对一些小型器乐作品的解读，那些短小精悍的乐章，在作者的笔下，也变得生动有趣，仿佛每一个音符都有自己的生命和故事。这本书让我觉得，欣赏音乐，并非高不可攀，而是可以成为一种愉悦的日常体验，它拓宽了我对音乐的认知边界，也丰富了我对美的感知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就吸引了我，那种沉静而富有质感的排版，预示着里面蕴含着深厚的文化积淀。翻开书页，首先映入眼帘的是那些精选的乐章介绍，从巴洛克时期的宏伟奏鸣曲，到浪漫主义时期激昂的交响乐，再到20世纪的实验性音乐，作者用一种近乎虔诚的态度，带领读者穿越历史的长河，领略不同时代音乐的独特魅力。文字的表达方式非常细腻，仿佛能透过文字感受到作曲家创作时的心境，体会到音乐中蕴含的情感起伏。例如，在描述贝多芬的《命运交响曲》时，不仅仅是罗列音符的堆砌，而是深入剖析了作曲家如何用音乐来对抗命运的不公，那种挣扎、反抗直至最终胜利的磅礴气势，在作者的笔下跃然纸上。书中还穿插了一些关于音乐理论和作曲技法的讲解，但并非枯燥的学术论述，而是以一种通俗易懂的方式，让即使是对音乐理论知之甚少的读者，也能领略到其精妙之处。阅读的过程，就像是在与一位博学而富有激情的音乐史学家进行一场深度对话，每一次翻页都充满了惊喜与收获。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，理解音乐，尤其是那些被誉为“经典”的作品，需要一些引导。这本书恰好扮演了这样的角色。它并没有试图去定义“什么是经典”，而是通过介绍大量具有代表性的音乐作品，让我们自己去感受和理解。比如，书中对德彪西的《牧神午后前奏曲》的解读，不仅仅停留在表面上的“印象派”标签，而是深入到其对自然意象的捕捉，对色彩和氛围的营造，以及那种若即若离、飘渺空灵的意境，让我对这位作曲家有了全新的认识。作者在选材上也非常独到，既包含了那些耳熟能详的巨作，也发掘了一些相对小众但同样值得品味的音乐。在介绍莫扎特的早期作品时，那种孩童般的纯真与早慧，在文字中得到了淋漓尽致的展现，让人感叹天才的诞生是多么的不可思议。对于那些在音乐学习道路上感到迷茫的人来说，这本书就像一座灯塔，指引着他们发现音乐的广阔天地，激发他们探索更深层次的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的惊喜，在于它以一种非常人性化的视角来解读音乐。作者似乎是一位非常有经验的音乐鉴赏家，他用一种亲切而又不失专业性的语言，将那些看似高高在上的经典作品，拉近到了普通读者的距离。在分析瓦格纳的歌剧时，他没有一味地强调其复杂的和声和宏大的结构，而是着重于其戏剧冲突的刻画，人物情感的纠葛，以及音乐如何服务于戏剧的表达。这让我意识到，即使是复杂的音乐，其核心依然是关于人的情感和故事。书中还提到了一些关于音乐表演的细节，比如指挥家如何解读作品，演奏家如何处理乐句，这些对于普通听众来说，往往是容易忽略的，但恰恰是这些细节，能够帮助我们更全面地理解音乐的魅力。阅读过程中，我常常会按照书中推荐去聆听那些作品，而书中的解读，则像是一副眼镜，帮助我看清音乐中之前未曾察觉的细微之处，让我对音乐的理解，又提升了一个层次。