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金紅蓮，羅雪艷 著

圖書標籤:

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齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562178903

版次：1

商品編碼：12276225

包裝：精裝

叢書名： 藝術文化地圖叢書

開本：16開

齣版時間：2018-03-01

用紙：膠版紙

頁數：311

字數：336000

正文語種：中文

內容簡介

　　音樂學研究是指關於音樂的學術性研究和文字寫作，而其文獻就是音樂學科研究成果的最終體現。從現代學術分類角度來看，19世紀德國齣現瞭對音樂進行係統化的分門彆類，從而形成獨立的音樂學學科。
　　這本小書依據音樂學分類方法，把音樂文獻再次進行瞭細緻分類，包括音樂史學文獻、音樂美學文獻、音樂分析文獻、音樂心理學文獻、音樂教育學文獻、音樂社會學文獻、民族音樂學文獻與音樂錶演文獻，這些是《音樂經典文獻發凡》的主要章節。
　　音樂經典文獻是學科前人撰寫而構成的多方麵觀點的學術著作，音樂學學科的成長首先受惠於前入學者的知識。前入學者把音樂作為研究對象，為後人留下瞭浩瀚的文獻，這些前人的積纍是堅定厚實學科的基礎養分。如沒有這些文獻，音樂學學科將是無根無葉的枯樹。有瞭前人文獻的支撐，音樂學學科就像站在巨人的肩膀上一樣，其繁榮就指日可待瞭。但浩瀚的經典未經全方位的收集，如同被深深埋藏的寶藏，有待開采，需要有學識的學者進行收集整理。繁多的音樂文獻，需得到嚴謹且係統化的整理分類，纔可以作為一顆顆璀璨的珍珠，為音樂學科的發展做齣有意義和有價值的貢獻。
　　前人留下的文獻現今如何運用？以曆史的高度和當代的視野來解讀，並運用於學術實踐中。運用好的解讀方法是至關重要的核心技術，本研究依托於海德格爾、伽達默爾的詮釋學與德裏達的解構學方法論來解讀音樂學科的經典文獻。
　　《音樂經典文獻發凡》在音樂學理論各個分支中組織瞭文獻，並重新解讀和挖掘瞭文獻價值。此研究能夠提高音樂文獻的價值，使讀者在讀《音樂經典文獻發凡》中廣泛接觸並瞭解眾多文獻，對學科來說擴充瞭音樂文獻的資源，有利於音樂學研究的發展。

作者簡介

　　金紅蓮，音樂學博士。現為燕山大學藝術與設計學院音樂係副教授，音樂學碩士生導師，主要從事音樂文獻與鋼琴演奏的研究。完成著作三部，有獨著《鋼琴文獻》，閤著《中韓藝術交流史》，譯著《中國音樂史圖鑒》；在《人民音樂》《音樂創作》《北方音樂》《音樂時空》等刊物發錶學術論文20餘篇；主持完成教育部人文社會科學基金項目、河北省教育廳項目課題多項。

目錄

第一章 緒論
第一節 音樂學科的成長需要文獻的支持
第二節 撰著《音樂經典文獻發凡》的意圖與價值
第三節 音樂學的文獻視野
1．音樂學中的經典文獻
2．音樂學文獻的分類
第四節 音樂學文獻的運用
1．基於解讀的文獻運用觀念
2．如何有效運用音樂經典文獻

第二章 音樂史學文獻
第一節 如何理解音樂史類文獻
第二節 古代音樂史文獻
1．古代音樂史文獻概況
2．中國二十六史中的音樂文獻
3．中國類書中的音樂文獻
第三節 近現代音樂史文獻
1．如何理解近現代音樂史文獻
2．中國近現代音樂史文獻
3．如何認識西方音樂史學文獻

第三章 音樂美學文獻
第一節 音樂美學文獻
1．音樂美學及其文獻認定
2．儒傢之《樂記》與《毛詩序》
3．西方近代音樂美學文獻
第二節 音樂形式主義文獻
1．如何理解音樂形式主義及其文獻價值
2．漢斯立剋之《論音樂的美》
3．達爾豪斯之《關於形式主義的爭論》
第三節 音樂情感理論文獻
1．如何理解音樂情感理論
2．舒曼之關於音樂情感理論的研究
3．李斯特之《李斯特論柏遼茲與舒曼》
4．蘇珊·朗格之《情感與形式》
第四節 中國音樂美學文獻
1．蕭友梅之《樂學研究法》
2．青主之《樂話》
3．葉純之、蔣一民之《音樂美學導論》
4．修金堂之《音樂美學引論》

第四章 音樂分析文獻
第一節 音樂分析學及其文獻認定
第二節 鏇律分析文獻
1．托赫之《鏇律學》
2．欣德米特之關於鏇律理論的研究
3．沙漢昆之《鏇律寫作教程》
4．秦西炫之關於鏇律的研究
第三節 調性調式分析文獻
1．弗朗科利之《理解後調性音樂》
2．庫斯特卡之《20世紀音樂的音階結構》
第四節 樂音結構分析文獻
1．申剋之《自由作麯》
2．李吉提之《中國傳統音樂的結構力觀念》
第五節 麯式學分析文獻
1．該丘斯之《大型麯式學》
2．魏納之《器樂麯式學》
3．斯波索賓之《麯式學》
……

第五章 音樂心理學文獻
第六章 音樂教育學文獻
第七章 音樂社會學文獻
第八章 民族音樂學文獻
第九章 音樂錶演文獻
第十章 音樂文獻敘錄

參考文獻
後記

精彩書摘

　　《音樂經典文獻發凡》：
　　學科意義上的音樂美學成型於18、19世紀，可在中國先秦時期與古希臘時期就早已産生瞭有關音樂美學的文獻，所以從文獻意義來看音樂美學産生於先秦時期與古希臘時期，距今已有兩韆多年的曆史。
　　中西方在音樂美學研究上的共同點是雖未有音樂美學的概念，但對此方嚮的思考卻先於概念的誕生。如在中國兩韆多年前就有儒傢文獻《樂記》，總結瞭先秦以來的“樂”的思想，體現瞭儒傢音樂美學的觀點。另一部儒傢經典《毛詩序》，論及瞭音樂具有錶情因素，明確規定瞭音樂中情感錶現必須符閤禮儀。道傢方麵有老子與莊子的音樂美學文獻，比如在老子看來，“大音希聲，大象無形”。莊子通過《齊物論》《至樂》《漁父》，指齣崇尚自然之真美，保持本真，人與樂迴歸自然，不可苦心勞形以危其真。在他看來，音樂有三個層麵，即人籟、地籟、天籟。而西方音樂美學可追溯到古希臘畢達哥拉斯（Pythagoras，約公元前580-約前500）以“數”為音樂形式美的音樂美學探究。在畢達哥拉斯宇宙音樂論中“數”的概念不僅僅意味著數量和測量，而且在質的層次被觀照為秩序和統一，如同圍繞地球周圍運行的行星和星球，維持不同的距離形成統一的規範，進行有規律的軌道運行，在弦上發現的音樂振動是基於數比例的和諧。①其學派認為行星之間的距離跟裏拉琴弦之間的音程關係一緻，音樂的基礎是數，圍繞地球運轉的行星距離與速度和音樂的諸多音程關係，特彆是全音階的音程關係比例是相同的。他們認為音樂是神聖而崇高的藝術，因為音樂中反映瞭作為宇宙本質的數比例。美是和諧的，畢達哥拉斯的美學思想，造就瞭數一和諧的外在結構，便成瞭人的邏輯一隋感結構的對應物，那就是柏拉圖的美學。
　　柏拉圖（Plato，約公元前427-前347）在《會飲篇》中談到，藝術不從屬於自然。音樂藝術既是數的藝術，也是情感的藝術，形式論與情感論觀點，就是西方音樂美學的兩大觀點。
　　1.音樂美學及其文獻認定
　　西方現代文獻中最早齣現音樂美學概念的著作是1784年德國音樂傢舒巴爾特（D.Shubart，1739-1791）的《論音樂美學思想》。此書齣版於1806年，書中對音樂美學的錶述局限於音樂的美是錶情，而錶情是內心的流露。雖然其錶述在現在學術界看來不夠深入，但作為音樂學術語匯提齣，且開闢瞭音樂美學文獻先河而具有曆史意義。
　　舒巴爾特的文獻是受到鮑姆嘉通的《美學》（1750）的影響。其《美學》一書中闡述美學為科學，美學作為自由藝術的理論、低級認識論、美的思維的藝術和與理性類似的思維的藝術，是感性認識的科學。這是批判時代康德哲學的認識，極力想使短暫的感性長久存在而長久未能在西方科學論體係中立足，直到自我懷疑睏境時期有瞭轉機，即《純粹理性批判》（1781）。此書達到瞭純粹理性的頂峰，同時宣告瞭忽視理性局限性的終結，康德提齣感性論意義上的美學與鑒賞力批評。
　　步入實證時期後，19世紀主要文獻為漢斯立剋的《論音樂的美》（1854）。漢斯立剋高度融閤瞭形式與內容的問題，提齣“音樂的內容就是樂音的運動形式”，對此句金言直譯為：鳴響著的、被運動的形式纔是音樂的內容和對象。而在伽達默爾看來，美學最終隻能作為藝術哲學纔可以存在（《真理與方法》，1960），美學之所以立足於藝術哲學中是因為人類對自然的審美活動具有源始性，這種自然審美判斷的依據是藝術上的審美趣味。
　　……

前言/序言

　　音樂學研究是指關於音樂的學術性研究和文字寫作，而其文獻就是音樂學科研究成果的最終體現。從現代學術分類角度來看，19世紀德國齣現瞭對音樂進行係統化的分門彆類，從而形成獨立的音樂學學科。
　　這本小書依據音樂學分類方法，把音樂文獻再次進行瞭細緻分類，包括音樂史學文獻、音樂美學文獻、音樂分析文獻、音樂心理學文獻、音樂教育學文獻、音樂社會學文獻、民族音樂學文獻與音樂錶演文獻，這些是本書的主要章節。
　　音樂經典文獻是學科前人撰寫而構成的多方麵觀點的學術著作，音樂學學科的成長首先受惠於前入學者的知識。前入學者把音樂作為研究對象，為後人留下瞭浩瀚的文獻，這些前人的積纍是堅定厚實學科的基礎養分。如沒有這些文獻，音樂學學科將是無根無葉的枯樹。有瞭前人文獻的支撐，音樂學學科就像站在巨人的肩膀上一樣，其繁榮就指日可待瞭。但浩瀚的經典未經全方位的收集，如同被深深埋藏的寶藏，有待開采，需要有學識的學者進行收集整理。繁多的音樂文獻，需得到嚴謹且係統化的整理分類，纔可以作為一顆顆璀璨的珍珠，為音樂學科的發展做齣有意義和有價值的貢獻。
　　前人留下的文獻現今如何運用？以曆史的高度和當代的視野來解讀，並運用於學術實踐中。運用好的解讀方法是至關重要的核心技術，本研究依托於海德格爾、伽達默爾的詮釋學與德裏達的解構學方法論來解讀音樂學科的經典文獻。
　　《音樂經典文獻發凡》這本書在音樂學理論各個分支中組織瞭文獻，並重新解讀和挖掘瞭文獻價值。此研究能夠提高音樂文獻的價值，使讀者在讀本書中廣泛接觸並瞭解眾多文獻，對學科來說擴充瞭音樂文獻的資源，有利於音樂學研究的發展。
　　由於我們的水平有限，以管窺天，舐皮論骨，缺點在所難免，希望同仁專傢批評指正。

《西方音樂史綱要：從古希臘到二十世紀》 書籍介紹： 本書旨在為音樂愛好者、學生以及專業人士提供一部係統、深入且易於理解的西方音樂發展史。全書以時間為軸綫，清晰地勾勒齣西方音樂自萌芽期直至二十世紀的演變脈絡，重點剖析瞭不同曆史時期音樂風格的形成、關鍵人物的貢獻、重要作品的特徵及其社會文化背景。 第一部分：西方音樂的源頭與早期形態（約公元前500年 - 公元1400年） 第一章：古希臘羅馬的音樂遺産與影響 本章追溯西方音樂的哲學與理論基礎。我們將探討畢達哥拉斯對音程與比例的發現如何奠定西方音樂的數學基礎。古希臘的“樂的理論”（Doctrine of the Modes）如何影響瞭後世的調式係統。同時，考察古希臘悲劇、酒神頌等儀式性音樂在早期聲樂發展中的角色。羅馬帝國對希臘音樂傳統的繼承與轉化，以及早期教會音樂的雛形，為中世紀的到來積蓄瞭能量。 第二章：中世紀的宗教主導——格裏高利聖詠的建立 重點解析公元六世紀至九世紀教皇格裏高利一世（Gregory the Great）在整理和規範單音音樂（Monophony）中所扮演的角色。詳細闡述格裏高利聖詠（Gregorian Chant）的音樂特徵——無伴奏、自由節奏、純淨的綫性鏇律。我們將分析不同類型的聖詠（如彌撒麯、日課歌）的結構，並探討其符號係統——紐姆譜（Neumes）——的起源與發展，以及這些早期記譜法如何逐漸嚮更精確的五綫譜係統演進。 第三章：復調音樂的誕生與早期發展（九世紀至十三世紀） 本章是西方音樂史上最關鍵的轉摺點之一。我們將深入探討復調（Polyphony）的起源：從早期的奧爾加農（Organum）——平行、自由、嚴格的復調形式——的演變過程。重點介紹巴黎聖母院樂派（Notre Dame School）的兩位巨匠：萊奧南（Léonin）和佩羅坦（Pérotin）。分析他們如何係統化地發展瞭節奏記譜法（Mensural Notation），特彆是佩羅坦的“圓形節”（Conductus）和經文歌（Motet）的早期形式，標誌著西方音樂從“鏇律的藝術”嚮“多聲部的藝術”邁進。 第四章：中世紀晚期的風格變革——世俗音樂的興起與“新藝術” 本章關注十四世紀的“阿斯蒂斯·諾瓦”（Ars Nova，新藝術）。通過對比菲利普·德·維特裏（Philippe de Vitry）和紀堯姆·德·馬肖（Guillaume de Machaut）的創作，展示對節奏復雜性和精確性的追求。深入分析馬肖的《聖母彌撒麯》（Messe de Nostre Dame），這是已知最早由一位作麯傢完整創作的彌撒套麯。同時，考察法國的遊吟詩人（Trouvères）和德意誌的吟遊詩人（Minnesingers）在世俗歌麯中的貢獻，以及三聲部（Triolet）和“循環固定音型”（Isorhythm）等復雜技巧的應用。 第二部分：文藝復興的和諧與理性之美（約1400年 - 1600年） 第五章：勃艮第樂派與早期人文主義的影響 本章聚焦於十五世紀早期，以法國勃艮第公國為中心的音樂中心。介紹杜菲（Guillaume Dufay）等人如何將中世紀的對位技巧與更具歌唱性的鏇律相結閤，形成“享樂主義”的早期風格。探討人文主義思想對音樂的影響：對清晰度和清晰錶達的追求，以及對古希臘“音樂擬人化”（Ethos）概念的重新解讀。 第六章：盛期文藝復興的完美對位與宗教改革 十六世紀是復調藝術的黃金時代。重點分析佛蘭德學派（Franco-Flemish School）的代錶人物，如雅各布·奧布雷赫特（Jacob Obrecht）和若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）。詳述他們如何將模仿手法（Imitation）推嚮極緻，實現聲部間的流暢交織與平衡。同時，討論宗教改革（馬丁·路德提倡德語聖歌）和反宗教改革（特倫特會議對復調清晰度的要求）如何重塑瞭宗教音樂的麵貌。帕萊斯特裏納（Palestrina）的純淨、清晰的對位風格將作為盛期復調的典範進行解析。 第七章：世俗音樂的繁榮——牧歌與器樂的獨立 本章探討世俗音樂在文藝復興晚期的勃興。詳細考察意大利牧歌（Madrigal）的發展，從早期相對簡單的形式到晚期如維亞丹那（Gesualdo）作品中齣現的極端和聲色彩和情緒錶達，特彆是“文字描繪”（Word Painting）技巧的運用。器樂領域，魯特琴音樂、維也納古鍵盤音樂的興起，以及早期奏鳴麯（Canzona）和裏切卡爾（Ricercar）的齣現，預示著巴洛剋時期器樂主體地位的來臨。 第三部分：巴洛剋時期的戲劇性與技巧（約1600年 - 1750年） 第八章：歌劇的誕生與早期巴洛剋的激情 本章詳細追溯“第二實踐”（Seconda Prattica）的興起，即“情感錶達優先於對位規則”。重點討論佛羅倫薩的卡梅拉塔（Florentine Camerata）如何試圖復興古希臘悲劇，從而催生瞭“劇詩演唱法”（Recitative）和歌劇這一全新體裁。分析濛特威爾第（Claudio Monteverdi）的作品，特彆是《奧爾菲奧》，如何確立瞭歌劇的基本結構，包括宣敘調、詠嘆調和樂隊的使用。同時，探討早期歌劇中心——威尼斯——的商業化發展。 第九章：協奏性思維的成熟——協奏麯與奏鳴麯 本章聚焦於十七世紀下半葉，協奏性思維如何主導器樂創作。深入解析科雷利（Arcangelo Corelli）對大協奏麯（Concerto Grosso）形式的規範化，以及維瓦爾第（Antonio Vivaldi）如何完善瞭快-慢-快結構的獨奏協奏麯，使其成為巴洛剋器樂的標誌。討論奏鳴麯體裁（大教堂奏鳴麯與室內奏鳴麯）的發展及其與協奏麯之間的相互影響。 第十章：巴赫與亨德爾：巴洛剋風格的巔峰 本章將兩位德奧巨匠置於高潮進行對比分析。分析巴赫（J.S. Bach）在對位藝術上的登峰造極，解析《平均律鋼琴麯集》在調性體係建立上的裏程碑意義，以及他對賦格（Fugue）技巧的精湛掌握。同時，探討亨德爾（George Frideric Handel）在意大利歌劇和英格蘭清唱劇（Oratorio）領域的貢獻，特彆是《彌賽亞》如何將戲劇張力與宏大閤唱融為一體。 第四部分：古典主義的清晰、平衡與形式（約1730年 - 1820年） 第十一章：從洛可可到“情感風格”——過渡期的探索 本章探討巴洛剋晚期嚮古典主義過渡的風格變化，即“敏感風格”（Empfindsamer Stil）和“情感風格”（Sturm und Drang）。分析C.P.E.巴赫和海頓早期作品中對情緒的細微刻畫，以及加蘭特風格（Style Galant）對歌唱性鏇律和清晰和聲的偏愛，為古典主義的齣現鋪平道路。 第十二章：奏鳴麯式與維也納古典樂派的建立 本章核心探討奏鳴麯式（Sonata Form）如何在海頓（Joseph Haydn）手中被係統化、完善，並成為古典主義器樂的基石。分析海頓在交響麯和弦樂四重奏創作中的創新，尤其是在發展部處理上的獨特性。 第十三章：莫紮特的完美與貝多芬的革命 詳細闡述莫紮特（Wolfgang Amadeus Mozart）在鏇律、和聲色彩和歌劇寫作上的非凡天賦，分析他如何將海頓的結構清晰與內心的抒情性完美結閤。隨後，聚焦貝多芬（Ludwig van Beethoven）的晚期風格，探討他如何突破古典主義的界限，通過擴大奏鳴麯式、引入更強的戲劇衝突和個人主觀性（如《英雄交響麯》《第九交響麯》），預示浪漫主義的到來。 第五部分：浪漫主義的個人情感與民族色彩（約1800年 - 1910年） 第十四章：早期浪漫主義的抒情與幻想 本章分析舒伯特（Franz Schubert）在藝術歌麯（Lied）領域的革命性貢獻，特彆是其對詩歌意境的音樂捕捉能力。考察韋伯（Carl Maria von Weber）和柏遼茲（Hector Berlioz）在歌劇與管弦樂創作中對“標題音樂”（Program Music）的探索，以及他們如何利用管弦樂法來錶達宏大的敘事和強烈的主觀情感。 第十五章：浪漫主義中期的輝煌與戲劇張力 重點分析肖邦（Frédéric Chopin）對鋼琴音樂的貢獻，他如何將民族精神（波蘭舞麯、瑪祖卡）融入高度精緻的室內樂形式中。研究舒曼（Robert Schumann）的“音樂文學化”傾嚮，以及李斯特（Franz Liszt）在交響詩和鋼琴技巧上的開拓。在歌劇方麵，探討威爾第（Giuseppe Verdi）如何通過對人性、激情和國傢意識形態的描繪，主導意大利歌劇舞颱。 第十六章：晚期浪漫主義的宏大敘事與瓦格納的改革 本章深入分析瓦格納（Richard Wagner）的“樂劇”（Musikdrama）理念，特彆是“主導動機”（Leitmotif）係統在構建音樂敘事中的核心作用。探討其和聲語言如何達到前所未有的復雜性，並對後續作麯傢産生深遠影響。同時，考察勃拉姆斯（Johannes Brahms）對古典傳統的繼承與發展，以及馬勒（Gustav Mahler）在交響麯中對生命哲學與內心衝突的史詩般錶達。 第十七章：民族樂派的覺醒與獨特的聲響 考察十九世紀中後期，歐洲各地作麯傢如何利用本國民間音樂和民族節奏來建立區彆於德奧傳統的音樂語言。深入分析俄國五人組（強力集團）、捷剋的德沃夏剋（Antonín Dvořák）和斯美塔那（Bedřich Smetana）的創作特點，以及芬蘭西貝柳斯（Jean Sibelius）的北歐色彩。 第六部分：二十世紀的破碎與重構（約1900年至今） 第十八章：世紀之交的調性危機與印象主義 本章剖析德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）如何運用全音階、五聲音階，以及模糊化的和聲，創造齣“印象主義”的聽覺效果，挑戰傳統功能和聲的束縛。 第十九章：錶現主義與十二音體係的誕生 深入探討荀伯格（Arnold Schoenberg）如何從極端的主觀情感錶達（錶現主義）齣發，最終發展齣無調性音樂和十二音序列技術（Serialism）。分析貝爾格（Alban Berg）和韋伯恩（Anton Webern）在繼承與發展這一體係上的不同路徑。 第二十章：新古典主義與民族音樂的融閤 討論斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的創作轉嚮，從早期的原始主義（如《春之祭》的節奏衝擊）到後來的新古典主義，探討其對巴洛剋與古典形式的藉鑒。分析匈牙利巴托剋（Béla Bartók）如何將民族民間音樂的元素與嚴謹的對位結構結閤，形成獨特的現代風格。 第二十一章：戰後實驗與多元化探索 本章簡述二戰後西方音樂的發展方嚮，包括序列音樂的進一步發展（如布列茲的全麵序列化）、偶然音樂（Aleatoric Music）的齣現（約翰·凱奇），以及電子音樂和具體音樂的早期實踐。強調二十世紀後音樂語言的徹底開放性和對聽眾接受度的重新思考。 結語： 本書在提供曆史脈絡的同時，著重培養讀者對音樂作品“如何構成”的理解能力，而非僅僅停留在對曆史事件的羅列。通過對具體音樂語言（和聲、對位、麯式）的詳細分析，讀者將能更深刻地體會西方音樂史中每一個偉大時代所追求的美學理想。

評分☆☆☆☆☆

我一直認為，理解音樂，尤其是那些被譽為“經典”的作品，需要一些引導。這本書恰好扮演瞭這樣的角色。它並沒有試圖去定義“什麼是經典”，而是通過介紹大量具有代錶性的音樂作品，讓我們自己去感受和理解。比如，書中對德彪西的《牧神午後前奏麯》的解讀，不僅僅停留在錶麵上的“印象派”標簽，而是深入到其對自然意象的捕捉，對色彩和氛圍的營造，以及那種若即若離、飄渺空靈的意境，讓我對這位作麯傢有瞭全新的認識。作者在選材上也非常獨到，既包含瞭那些耳熟能詳的巨作，也發掘瞭一些相對小眾但同樣值得品味的音樂。在介紹莫紮特的早期作品時，那種孩童般的純真與早慧，在文字中得到瞭淋灕盡緻的展現，讓人感嘆天纔的誕生是多麼的不可思議。對於那些在音樂學習道路上感到迷茫的人來說，這本書就像一座燈塔，指引著他們發現音樂的廣闊天地，激發他們探索更深層次的音樂世界。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我帶來的驚喜，在於它以一種非常人性化的視角來解讀音樂。作者似乎是一位非常有經驗的音樂鑒賞傢，他用一種親切而又不失專業性的語言，將那些看似高高在上的經典作品，拉近到瞭普通讀者的距離。在分析瓦格納的歌劇時，他沒有一味地強調其復雜的和聲和宏大的結構，而是著重於其戲劇衝突的刻畫，人物情感的糾葛，以及音樂如何服務於戲劇的錶達。這讓我意識到，即使是復雜的音樂，其核心依然是關於人的情感和故事。書中還提到瞭一些關於音樂錶演的細節，比如指揮傢如何解讀作品，演奏傢如何處理樂句，這些對於普通聽眾來說，往往是容易忽略的，但恰恰是這些細節，能夠幫助我們更全麵地理解音樂的魅力。閱讀過程中，我常常會按照書中推薦去聆聽那些作品，而書中的解讀，則像是一副眼鏡，幫助我看清音樂中之前未曾察覺的細微之處，讓我對音樂的理解，又提升瞭一個層次。

評分☆☆☆☆☆

讀完這本書，我最大的感受就是，音樂不僅僅是聲音的組閤，更是一種情感的錶達，一種思想的傳遞，一種文化的沉澱。書中對於不同時代音樂風格的梳理，讓我看到瞭音樂是如何與社會、曆史、哲學思潮相互影響的。例如，在探討民族樂派的興起時，作者巧妙地將音樂的創作與民族自決運動、國傢認同感的形成聯係起來，使得音樂作品的意義不再局限於音符本身，而是具有瞭更深遠的社會和曆史意義。在描述馬勒的交響樂時，那種對生命、死亡、宇宙的深刻反思，以及其中蘊含的巨大哲學命題，通過作者富有感染力的文字，變得觸手可及。這本書並不是一本簡單的樂麯評論集，它更像是一部關於音樂精神史的引介，幫助讀者理解為何這些作品能夠跨越時空，觸動一代又一代人的心靈。對於想要更深入理解音樂的讀者而言，這本書無疑提供瞭一個絕佳的切入點，它引導你去思考，去感受，去發現音樂背後更深層的美學價值。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計就吸引瞭我，那種沉靜而富有質感的排版，預示著裏麵蘊含著深厚的文化積澱。翻開書頁，首先映入眼簾的是那些精選的樂章介紹，從巴洛剋時期的宏偉奏鳴麯，到浪漫主義時期激昂的交響樂，再到20世紀的實驗性音樂，作者用一種近乎虔誠的態度，帶領讀者穿越曆史的長河，領略不同時代音樂的獨特魅力。文字的錶達方式非常細膩，仿佛能透過文字感受到作麯傢創作時的心境，體會到音樂中蘊含的情感起伏。例如，在描述貝多芬的《命運交響麯》時，不僅僅是羅列音符的堆砌，而是深入剖析瞭作麯傢如何用音樂來對抗命運的不公，那種掙紮、反抗直至最終勝利的磅礴氣勢，在作者的筆下躍然紙上。書中還穿插瞭一些關於音樂理論和作麯技法的講解，但並非枯燥的學術論述，而是以一種通俗易懂的方式，讓即使是對音樂理論知之甚少的讀者，也能領略到其精妙之處。閱讀的過程，就像是在與一位博學而富有激情的音樂史學傢進行一場深度對話，每一次翻頁都充滿瞭驚喜與收獲。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，我之前對古典音樂的瞭解僅限於皮毛，常常覺得那些長篇大論的樂麯聽起來有些晦澀。然而，這本書徹底改變瞭我的看法。它以一種非常流暢和易於理解的方式，將復雜的音樂知識娓娓道來。作者在介紹勃拉姆斯的作品時，並沒有簡單地將其與貝多芬、馬勒進行比較，而是深入挖掘瞭勃拉姆斯音樂中那種深沉、內斂但又充滿力量的獨特氣質，以及他如何在這種傳統中尋求創新。書中對許多樂麯的結構分析，也並非枯燥的綫條圖，而是通過生動的比喻和形象的描述，讓你能夠清晰地把握樂麯的脈絡。我特彆喜歡書中對一些小型器樂作品的解讀，那些短小精悍的樂章，在作者的筆下，也變得生動有趣，仿佛每一個音符都有自己的生命和故事。這本書讓我覺得，欣賞音樂，並非高不可攀，而是可以成為一種愉悅的日常體驗，它拓寬瞭我對音樂的認知邊界，也豐富瞭我對美的感知。