古典吉他考级曲集(2017年版上下)/上海音乐家协会音乐考级系列丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 博库网旗舰店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552312645

商品编码：13389204101

开本：16

出版时间：2017-05-01

基本信息

• 商品名称：古典吉他考级曲集(2017年版上下)/上海音乐家协会音乐考级系列丛书
• 作者：编者:闵元禔//马志敏//蒋梵//蒋达民//陈华亮等
• 定价：68
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552312645

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-05-01
• 印刷时间：2017-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：258

内容提要

为适应音协吉他协会新的考试要求，修订曲集， 闵元禔、马志敏、蒋梵、蒋达民、陈华亮等编注的《 古典吉他考级曲集(2017年版上下)/上海音乐家协会 音乐考级系列丛书》在老版《古典吉他考级曲集（上 、下）*新修订版》的基础上，作者重新对其使用过 程中发现的错误进行较为全面的修订，使乐谱*加准 确无误，文字解说*加言简意赅。同时，*换大量新 曲目，增加曲集自身的趣味性，方便读者翻阅和练习 ，*加人性化。
    

目录

上册
序
前言
**级
1．生日快乐
2．风 筝
3．四季歌
4．玩 具
5．在泉边
6．简单的对话
第二级
1．欢乐颂
2．念故乡
3．骊 歌
4．旋转木马圆舞曲
5．芭比司机
6．小鸟之歌
第三级
1．小圆舞曲
2．奇异的恩典
3．小步舞曲
4．看英雄归来
5．什么是**
6．第十三号抒情练习曲
第四级
1．小步舞曲
2．斯卡保罗市场
3．罗曼斯
4．哈巴涅拉舞曲
5．夜 曲
6．重归苏莲托
第五级
1．探 戈
2．小奏鸣曲
3．夜 曲
4．梦
5．小行板圆舞曲
6．众人的喜悦
第六级
1．阿德丽塔
2．鲁特琴组曲
3．萨拉班德舞曲
4．伤感的行板
5．温特尔夫人的跳跃
6．肖 罗
第七级
1．荒城之月变奏曲
2．鲁特琴组曲
3．C大调奏鸣曲
4．浪漫曲
5．十一月的某**
6．水神的舞蹈
第八级
1．A大调小步舞曲
2．阿梅莉娅的遗书
3．第四号鲁特组曲
4．米隆加
5．马祖卡舞曲
6．摇篮曲
第九级
1．A大调奏鸣曲
2．忧郁的前奏曲
3．大黄蜂
4．前奏曲
5．朋友再见
6．壮丽的舞曲
第十级
1．前奏曲
2．村 民
3．海湾的喧嚣
4．卡娜瑞欧兹
5．**号肖罗
6．第三号圆舞曲
编后记

下册
序
前言
演奏级
1．回忆组曲
2．巴登爵士组曲
3．黑人十日谈
4．科庸巴巴
5．天秤座小奏鸣曲
6．炽热的阳光
7．恰空
8．伟大的独奏
编后记

好的，这是一份针对“古典吉他考级曲集（2017年版上下）/上海音乐家协会音乐考级系列丛书”之外的其他图书的详细介绍，内容将着重于不同的领域和主题，确保不提及您提供的原书信息。 --- 《巴赫无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲：演奏实践与音乐解析》 本书深入探讨了约翰·塞巴斯蒂安·巴赫最为璀璨的音乐遗产之一——他的六首无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲（BWV 1001-1006）。作为古典音乐文献中的基石，这些作品不仅对小提琴演奏者意义非凡，也为所有严肃的音乐学习者提供了无尽的思考空间。本书旨在提供一个多维度的解读视角，超越单纯的技术训练，触及作品的结构、历史背景、演奏传统及诠释哲学。 第一部分：历史背景与手稿考察 本部分首先追溯了这些作品的创作年代——大约在1717至1720年间，巴赫在科滕（Cöthen）担任宫廷乐长期间。我们将详细分析当时的小提琴演奏技术与乐器构造对作品的影响。通过比对不同时期的手稿和早期版本（如普莱耶尔的抄本），读者将了解乐谱在流传过程中的细微变化，以及这些变化对现代演奏实践提出的挑战。重点分析了巴赫如何利用单旋律线索来暗示复调织体，以及他如何巧妙地运用和弦外音与快速分解和弦来营造宏大的听觉效果。 第二部分：结构分析与乐章精研 本书对六首作品的每一个乐章进行了细致入微的结构剖析。 奏鸣曲（Sonatas）： 详细解析了每首奏鸣曲中快板乐章的奏鸣曲式结构、慢板乐章的咏叹调特质，以及赋格（Fugue）乐章中对位法的精妙运用。例如，第一号G小调奏鸣曲（BWV 1001）的赋格部分，其主题的呈示、展开与再现机制，被视为巴赫对复调音乐逻辑的极致表达。 组曲（Partitas）： 深入探讨了舞曲的起源与规范。从阿尔马丹德（Allemande）的内敛庄重，到库朗特（Courante）的流动性，再到萨拉班德（Sarabande）的冥想性，最后到吉格（Gigue）的活力四射。本书特别关注了组曲中加入的“穿插舞曲”（Intermediary Dances），如小步舞曲、嘉沃特舞曲或布雷舞曲，它们如何打破了传统舞曲的僵硬模式，注入了即兴的自由精神。 第三部分：演奏实践的当代探索 演奏巴赫无伴奏作品，是小提琴家技术与艺术成熟度的试金石。本部分侧重于如何将历史性的理解转化为现代舞台上的有效发声。 弓法学： 讨论了弓子的速度、压力、接触点（Sul Ponticello, Sul Tasto）的控制，以实现清晰的音色轮廓和充分的“复调”层次感。特别针对快速音阶和琶音的连贯性，提出了基于巴赫时代弓法概念的练习方法。 指法与换把： 探讨了如何通过精确的指位安排，在不使用弱音器的情况下，实现音符之间的分离（Articulation）与连接（Legato）。对于跨弦的琶音，分析了如何通过手臂的轻微旋转来保持声音的平稳性。 装饰音的运用： 针对颤音（Trill）、回音（Echo）等装饰音，本书参考了卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫等人的音乐理论，指导演奏者如何在不破坏音乐线条的前提下，恰当地加入这些必要的修饰。 第四部分：诠释的流派与哲学 巴赫的作品是永恒的谜题，每一代演奏家都会赋予其新的生命。本部分将梳理二十世纪以来，几位大师级的演绎风格，并探讨不同的诠释哲学。 我们将对比分析海菲兹（Jascha Heifetz）的清晰、精确的线条感，梅纽因（Yehudi Menuhin）的温暖、富有人文关怀的表达，以及内森·米尔斯坦（Nathan Milstein）对节奏与线条的独特掌控。通过具体乐句的对比，读者可以形成对“如何接近巴赫”的多元认知。最终，本书引导读者认识到，对这些作品的最高敬意，在于深刻理解其建筑结构后，以演奏者自身的真诚声音去完成一次新的“建筑重建”。 本书适合于所有达到了中高级水平的小提琴专业学生、教师，以及希望深入理解古典音乐结构与演奏哲学的音乐爱好者。 --- 《19世纪欧洲钢琴文献中的浪漫主义色彩与民族精神》 本书聚焦于19世纪欧洲钢琴音乐的黄金时代，这是一个充满个人情感表达、民族主义萌芽与对古典形式大胆革新的时期。我们跳脱出传统的作品集介绍模式，将重点放在特定作曲家如何通过钢琴这一媒介，描绘出他们所处的时代风貌、内心世界及所属地域的文化底色。 第一章：从贝多芬遗产到浪漫主义宣言 本章考察了浪漫主义音乐的起点。舒曼（Robert Schumann）的《狂欢节》（Carnaval）如何继承了贝多芬的性格小品传统，并将其发展为一系列充满文学色彩的“人格化”音乐片段。重点分析舒曼对梦幻、内省心境的捕捉，以及他如何运用音色变化来暗示不同的角色和场景。 第二章：肖邦：波兰灵魂的诗篇 弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）的作品被视为波兰精神的载体。本部分详细解析了波兰民间音乐元素在马祖卡（Mazurka）和波兰舞曲（Polonaise）中的体现。 技术创新： 探讨肖邦如何拓宽钢琴的表现力，特别是他对手指触键的细腻要求，以实现“歌唱性”的旋律线——即“Cantabile”。他的夜曲（Nocturnes）如何通过丰富、复杂的左手伴奏织体，烘托出如歌的右手指法。 民族色彩： 比较了《降E大即兴曲》中热情洋溢的表达与《降B小调第二叙事曲》中深沉的英雄主义叙事，分析其在结构上如何既保留了古典主义的平衡感，又充满了前所未有的情感张力。 第三章：李斯特与钢琴的“交响化” 弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）彻底改变了世人对钢琴的认知。本书将李斯特的创作视为一次对乐器潜能的终极探索。 技巧的极限： 细致解剖了《帕格尼尼练习曲》和《超技练习曲》中的核心技术挑战，如三度、六度、八度的快速连续演奏，以及对声部清晰度的要求。这不仅仅是技巧展示，更是对钢琴作为“微型交响乐团”的重新定义。 诗意与戏剧： 分析了《钟》（La Campanella）中对音色的模拟，以及《爱之梦》（Liebesträume）中抒情段落的精妙处理。重点关注李斯特如何运用管风琴般的和声色彩，来营造宏大的空间感。 第四章：德奥晚期浪漫主义与地域性表达 本章转向晚期浪漫主义，考察了勃拉姆斯（Johannes Brahms）和舒曼的继承者们。 勃拉姆斯的内敛与结构： 强调勃拉姆斯如何将古典主义的严谨结构（如赋格、变奏曲式）融入到高度个人化的浪漫情感之中。其间奏曲（Intermezzi）和狂想曲（Rhapsodies）如何通过复杂的节奏处理和厚重的和声，传达出一种沉静而深刻的哲学思考。 捷克与俄国的萌芽： 简要介绍斯美塔那（Smetana）的钢琴作品中如何开始融入捷克的民间旋律，以及早期柴可夫斯基（Tchaikovsky）钢琴作品中对芭蕾舞剧般流畅感的追求，为二十世纪的民族乐派奠定基础。 本书旨在提供一套完整的、以时代精神和地域文化为导向的19世纪钢琴文献学习框架，帮助演奏者和研究者深入理解音乐背后的社会与文化语境。 --- 《东西方打击乐器：历史、制作工艺与现代合奏应用》 本书是一部关于打击乐器研究的综合性著作，它横跨了地理与文化界限，系统地考察了世界各地主要打击乐器的历史渊源、制作原理以及在现代音乐创作中的应用潜力。 第一部分：膜鸣乐器——地球的脉动 本部分聚焦于通过振动膜产生声音的乐器，它们往往与仪式和沟通功能紧密相关。 非洲鼓群： 详细考察了西非的Djembe（杰姆贝）、Dunun（多农）鼓的制作材料（如特定树种的木材和山羊皮的处理），以及它们在节奏结构中的层次划分（Griot音乐传统）。 亚洲的定音与仪式： 分析了印度次大陆的Tabla（塔布拉）和Mridangam的调音系统（使用“信德尔”黑膏药的科学原理），以及日本太鼓（Taiko）的制作工艺和在现代舞台上所体现的精神力量。 西方鼓组： 追溯军鼓（Snare Drum）从欧洲军乐队到爵士乐中的演变，特别是现代制鼓技术对音色可塑性的提升。 第二章：体鸣乐器——材质与共鸣的对话 体鸣乐器依靠乐器自身的材料振动发声，其音色极度依赖于材料的物理特性。 木琴与马林巴： 探讨了从非洲木琴（Xylophone）到现代马林巴（Marimba）的演进，包括如何使用不同硬度的木材（如花梨木、合成材料）来调整音域和延音。重点分析了音管下方的谐振管的数学设计对音准的影响。 金属与矿物： 深入研究了颤音琴（Vibraphone）的机械颤音系统（电机、转速控制）如何影响声音的“波动感”，以及钟琴（Glockenspiel）和钢片琴（Celesta）在管弦乐配器中的独特音色位置。 第三章：膜类与体鸣乐器的制作工艺与维护 本章侧重于实践操作，为乐器制作者和专业演奏者提供参考。 鼓皮的张力与环境适应： 详细阐述了如何根据湿度和温度精确调整鼓皮的张力，以维持最佳音高和音色稳定性。 调音的艺术： 针对马林巴和颤音琴，提供了使用调音器和共振原理辅助的精确调音方法，确保泛音列的和谐统一。 第四章：现代合奏中的打击乐角色 在二十世纪至今的音乐创作中，打击乐的角色已从单纯的节奏支持演变为独立的声部。 室内乐的应用： 分析了斯塔文斯基（Stravinsky）和巴托克（Bartók）作品中，打击乐如何承担旋律和色彩的任务。 当代技法： 介绍了扩展技巧（Extended Techniques），例如使用弓子在颤音琴上演奏、利用微音器放大乐器内部的摩擦声，以及在演奏中加入非传统元素（如金属摩擦片）的方法。 本书以严谨的科学态度，结合丰富的文化案例，为打击乐领域的研究者提供了一个坚实的理论与实践基础。

评分☆☆☆☆☆

从学习者的角度出发，这本曲集最大的价值在于它提供了一个“可量化的进步阶梯”。如果你只是随便找些网络上的免费谱子来练，很容易产生“我到底练到什么程度了”的迷茫感。但有了这套结构清晰的考级曲集，每一级的内容都代表了一个公认的技术标准和艺术水平。我曾对比过不同级别的曲目，发现难度递增的逻辑非常科学，比如从初级的琶音练习，到中级的分解和弦织体，再到高级的和声色彩处理，每上一个台阶，需要的技术储备和音乐表现力都有明确的要求。这套书不仅是给我提供了“练什么”，更重要的是清晰地指明了“我应该成为什么样的吉他演奏者”，这种目标导向性极强的学习材料，是自学或者系统学习过程中不可或缺的基石。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我更关注的是那些练习曲背后的教学理念，这套丛书显然不是简单地把世界名曲搬过来然后标注一下指法就完事了。它更像是一个精心设计的学习系统，每一组练习都有其特定的技术目标，比如专门攻克左手大横按的难关，或者训练右手不同指序的音色变化。我尤其喜欢它在一些高难度曲目旁边附带的那些简短的演奏提示，虽然没有长篇大论的教学文章，但寥寥数语却直击要害，比如提醒注意某个音的连贯性，或是强调某种揉弦的力度变化，这些细节体现了编者对古典吉他演奏的深刻理解。我记得有一次在攻克一首巴赫的选段时，一直无法把握好对位声部的清晰度，后来对照着这本谱子上的标记，才意识到自己对声部平衡的理解还停留在初级阶段。这种“点到为止”的提示，反而给了学习者更多的思考空间，避免了过度干预，保持了探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

作为一本考级用书，它的选曲范围之广度和深度都让人叹为观止，它不仅仅局限于西班牙“黄金时代”的那些耳熟能详的作品，还非常巧妙地融入了巴洛克时期、浪漫主义，甚至是近现代的一些优秀吉他作品。这使得学习者在准备考级的过程中，能够接触到更为多元的音乐风格和演奏技法。我个人对其中收录的一些二十世纪作曲家的小品特别着迷，它们往往旋律新颖，和声大胆，对吉他音色的运用也更加现代和丰富，这极大地拓宽了我对“古典吉他”这个概念的认知，让我意识到这件乐器远不止是演奏传统西班牙音乐的载体。每次练习到这些“新派”的作品时，都会有一种冲破传统束缚的兴奋感，感觉自己的音乐视野也随之被打开了。这套书成功地平衡了“应试性”和“艺术性”，让人在追求技术达标的同时，也能享受到音乐本身的美妙。

评分☆☆☆☆☆

装帧设计方面，这本书给我的感觉是低调的华丽，完全没有那种花哨的装饰，一切以实用为核心。封面设计简洁大方，那个烫金的系列名称在灯光下隐隐泛着光泽，透露着一种专业机构出品的信誉感。更实际的好处是，它的开本设计非常合理，不管是放在谱架上还是平铺在桌面上，都能保持一个相对平整的状态，这在演奏过程中非常重要，因为频繁地翻动或调整琴谱会极大地分散注意力。我以前用过一些装订方式不太好的琴谱，用着用着就散页了，但这本书的内页装订非常结实，即便是高强度的翻阅和拉扯，也丝毫没有松动的迹象，这对于一本需要长期使用的教材来说，是至关重要的耐用性体现。这种对细节的关注，体现了出版方对演奏者体验的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的乐谱集，光是掂在手里就很有分量，拿到的时候几乎是迫不及待地翻开了它。首先映入眼帘的是那种非常扎实和严谨的排版，每一页的五线谱和六线谱都印得清晰锐利，几乎找不到任何模糊的边缘，这对于需要仔细辨认音符和指法的演奏者来说，简直是福音。我特别欣赏它对不同级别的曲目划分得非常细致，从入门级的那些看似简单却暗藏玄机的练习曲，到后期那些光是看着指法就让人倒吸一口凉气的协奏曲选段，整个学习路径规划得井井有条，让人感觉每一步的提升都有迹可循，而不是盲目地堆砌难度。我记得我花了相当长的时间去研究第一级里面那些关于开放弦和基本和弦转换的练习，虽然简单，但正是这些基础的扎实程度，决定了后面能否流畅地完成更复杂的乐章。这本书的纸张质量也非常好，那种微微泛黄的米白色纸张，不仅护眼，而且拿在手里有一种沉甸甸的“经典感”，让人觉得手上的不仅仅是一本乐谱，更是一份值得珍藏的艺术资料。