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郑红 著

图书标签:

• 钢琴
• 乐理
• 技巧
• 练习
• 曲谱
• 入门
• 进阶
• 古典音乐
• 流行音乐
• 音乐教材

出版社： 山西人民出版社

ISBN：9787203086758

版次：1

商品编码：11622427

包装：平装

开本：32开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　《 钢琴圣经》从比较普及的中外钢琴论著中精选了中外著名钢琴大师、钢琴教育家、钢琴音乐艺术家关于钢琴艺术的简要论述与经典名言，以语录体的方式呈现给读者。既方便检索、引用，也可在阅读中对照自己的缺失与不足，可在潜移默化中提高读者的音乐素养。

精彩书摘

　　《钢琴圣经》：
　　当演奏者自己练琴时，如果过大的负荷（体力与心理上的负荷）一下子压在他的身上，显然，这种练法不会给他带来什么益处。
　　——莫斯科音乐学院教授尼古拉·彼得夫
　　起初，可以弹奏一些特别平和、中速的、节奏均匀的音乐作品，即首先选择那些不需要极强烈的激情投入的作品。
　　——列夫·尼古拉耶维奇·弗拉先科
　　音乐作品的练习方法
　　起初，当我刚刚开始学习音乐时，对我来说，音乐课犹如一种能引起我身体各部位亢奋的专门活动，我从不用尽全身气力弹奏，也没必要给自己预设那些难度较大的练习，最好是演奏一些比较轻松、比较容易的作品。练着练着，我的全身和双手已经“活动”开了，感到弹奏的质量也在逐步提高；接下来，又过了三四十分钟，这部作品的构思轮廓便达到了最大的清晰度。一连2—3个小时保持这种状态（当然中间需要休息片刻）。这个训练标准在这里的含义是：对你所弹奏的一切，都要有一个清醒的认识，也就是要保持清醒的思维活动。只要你的大脑运转正常，训练工作就可以、也应该继续进行下去。然后，可能出现一丝疲劳，接着，这一丝疲劳慢慢增长，变得越来越明显，这时，你就应该离开钢琴去休息，否则，往下的工作肯定是毫无收益的。
　　——莫斯科音乐学院著名教授谢尔盖·多连斯基。
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前言/序言

《星空下的哲思》：一部探索人类心灵与宇宙奥秘的深度著作 书籍简介 在浩瀚无垠的宇宙背景下，《星空下的哲思》是一部旨在深入剖析人类存在意义、意识本质以及我们与宏大自然之间复杂关系的哲学探险。本书并非一部单纯的科普读物，亦非枯燥的学院派论述，而是一场引人入胜的心灵旅程，引导读者超越日常琐碎，直面那些自古以来困扰人类的终极问题。 第一部分：微观之镜——意识的迷宫 本书的开篇聚焦于我们最亲密又最陌生的领域：人类意识。我们如何从物质的神经元集合中涌现出主观体验、情感、自我认知？作者以严谨的逻辑和丰富的跨学科视角，梳理了当代认知科学、神经美学与古典哲学对“心物问题”的探索。 我们首先审视了笛卡尔的二元论在现代科学面前的局限性，继而深入探讨了整合信息理论（IIT）等前沿模型的尝试与争议。书中详细分析了“难问题”（Hard Problem of Consciousness）——即为何某些物理过程会伴随“感受性”（Qualia）——并提出了作者基于现象学与量子力学隐喻的独特解释框架。这个框架试图在客观世界的可测量性与主观体验的不可还原性之间架起一座桥梁。 更进一步，本书探讨了“具身认知”（Embodied Cognition）的深远意义。它挑战了传统上将心智视为大脑内部纯粹计算过程的观点，强调身体与环境的持续交互是如何塑造我们的思维结构、道德判断乃至审美偏好。通过对运动神经元、镜像神经元系统的剖析，读者将领悟到，我们的思想并非悬浮于身体之上的幽灵，而是根植于我们作为“活着的生物体”的物理存在之中。 第二部分：宏大叙事——宇宙的拓扑与时间之河 从个体的内心世界转向宇宙的尺度，第二部分将读者的视野投向了星辰与时空本身。本书没有陷入晦涩的物理学公式，而是侧重于哲学对现代宇宙学概念的解读和重构。 爱因斯坦的相对论如何改变了我们对“同时性”和“实在”的理解？黑洞边缘的事件视界对因果律构成了何种挑战？书中将这些物理学的前沿发现，转化为对“确定性”与“自由意志”之间张力的深刻反思。我们生活在一个由概率波和基本力支配的宇宙中，那么，人类的自由选择究竟是宇宙蓝图中的必然节点，还是随机波动下产生的奇迹？ 时间是本书探讨的另一个核心命题。我们感知到的时间是线性的、不可逆的，但物理定律在很多层面却允许时间可逆。作者引入了热力学第二定律——熵增——作为我们体验时间流逝的根本驱动力。这种“热力学箭头”如何与我们的心理时间感（如记忆的单向性）相互作用？通过对“永恒回归”思想的重新审视，本书探讨了面对宇宙的无限性时，个体生命有限性的哲学价值。 第三部分：伦理的穹顶——在有限性中寻找价值 当人类理解了自身的微小与宇宙的冷漠，《星空下的哲思》转向了价值的构建与伦理的实践。在排除了超验的神圣律令之后，我们的道德指南针指向何方？ 本部分深入分析了功利主义、义务论和美德伦理学的核心冲突，并将其置于日益复杂的人工智能与生物技术时代背景下进行检验。例如，当算法开始在医疗和司法领域做出关乎生死的决策时，责任的边界在哪里？谁应该为机器的“错误”负责？ 作者特别强调了“关怀伦理学”（Ethics of Care）的复兴，认为人类的道德生活远非冰冷的规则集合，而是建立在相互依赖、脆弱性和共情的基础之上。在面对气候变化、全球不平等这些需要跨代际合作的挑战时，仅仅依靠抽象的理性契约是远远不够的。真正的伦理力量，源自对彼此存在状态的深刻洞察和不忍之心。 第四部分：意义的编织者——后人类时代的生存之道 本书的收束部分，探讨了在科学认知不断侵蚀传统意义来源（如宗教、宿命论）的今天，个体如何构建有意义的生活。 我们不再是“宇宙的中心”，而是“意义的编织者”。《星空下的哲思》赞美了人类创造力的独特价值——艺术、科学发现、情感联结——这些是宇宙自身尚未展现的复杂性。它鼓励读者拥抱“美学化生存”：将日常生活视为一种持续的创作过程，将不确定性视为探索的燃料。 最终，本书提出了一种“谦逊的乐观主义”：我们或许永远无法获得关于“为什么存在”的终极答案，但我们拥有能力去决定“如何存在”。通过对星空的凝视，我们不仅看到了遥远的过去和可能的未来，更找到了当下行动的坚定坐标。这是一部邀请你参与到人类最古老、最光荣的对话中的作品——关于我们是谁，我们来自哪里，以及我们将前往何方。 适合读者 本书适合所有对哲学、科学交叉领域抱有浓厚兴趣的读者；那些在现代社会中感到意义迷失，渴望进行深度自我对话的人士；以及对宇宙学、意识研究和未来伦理学议题感兴趣的知识探索者。阅读《星空下的哲思》，如同在寂静的夜晚，与最睿智的灵魂进行一场跨越时空的交谈。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚开始接触这本书时，对它的厚度感到有些畏惧，心想这得花多长时间才能啃完？然而，一旦沉浸进去，时间仿佛就停止了。这本书最让我佩服的一点，在于它对“错误”的探讨。它没有一味地强调如何弹得完美，而是花了大量篇幅去分析那些历史上著名的演奏家是如何处理“不完美”的——比如在某些强调即兴性的段落中，如何把握技术限制与艺术表达之间的微妙平衡。书中提供了一系列关于踏板运用和触键力度层次划分的描述，非常细致入微，简直像是在为钢琴的“呼吸”方式撰写说明书。作者对于音色的细腻感知，通过文字得到了近乎完美的转译，读到关于如何让高音区“闪耀但不过度尖锐”的那一段时，我立刻去琴上尝试，发现那种描述的力度控制，真的能带来截然不同的听觉效果。这本书更像是我的私人导师，它不催促你，而是耐心地引导你发现自己演奏中的盲点，然后提供一套经过历史检验的解决方案，让人在每一次阅读后，都能带着更成熟的耳朵去审视自己的练习。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的典籍，拿到手里沉甸甸的，光是封面那简洁而有力的设计，就让人感受到一股庄严的气息。我记得第一次翻开它时，映入眼帘的是大量精细的乐谱排版，那种对细节的极致追求，不是随便哪个教材能比拟的。它不像市面上那些只教你“如何快速上手”的速成指南，这本书更像是一部音乐哲学的阐述，深入到每一个音符背后的历史脉络和演奏技法演变。初学者可能会觉得有些吃力，因为它不迎合快餐式的学习需求，而是要求读者沉下心来，真正去理解钢琴艺术的内在逻辑。我尤其欣赏其中对于不同时期作曲家风格差异的论述，作者似乎倾尽毕生心血去梳理和总结，将巴洛克时期的严谨对位法与浪漫主义时期的情感奔放做了清晰的对比和示范。对于那些已经有一定基础，渴望从“会弹”到“会‘懂’”的进阶者来说，这本书无疑是一盏指路明灯，它提供的不仅仅是技术指导，更是一种对音乐审美的重塑过程，让人在练习中不断反思自己的演奏是否触及了音乐的灵魂深处。读完前几章，我就感觉自己的演奏思路开阔了许多，看待曲目不再是机械地模仿录音，而是开始尝试理解作曲家在那个特定历史背景下，希望通过这些音符传达的情感张力与结构美感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅体现在技术层面，它更像是一本关于“演奏家心性”的修习手册。书中收录了许多关于舞台恐惧、自我怀疑以及如何与乐器建立长期稳定关系的独到见解。其中有一章专门探讨了重复练习的心理学意义，作者认为机械重复并非目的，而是为了让身体形成一种深层的记忆结构，从而解放大脑去专注于更高层次的音乐诠释。我特别喜欢作者在讨论速度与清晰度的平衡时所采用的比喻，他将快速的演奏比作“信息的高速公路”，强调结构清晰远比单纯的速度竞赛重要。对于我们这些在现代快节奏学习环境下成长起来的琴人来说，这本书提供了一种“慢下来”的哲学指导，它教会我们如何与时间相处，如何尊重音乐作品本身的呼吸节奏。这种由内而外的调整，比任何指法技巧的灌输都要来得珍贵和持久，它塑造的不仅仅是手指的灵活度，更是演奏者面对艺术时的敬畏心和耐心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计虽然朴实，却透露着一种对知识的尊重。纸张的选择和字体的搭配，都给人一种沉静、不浮躁的感觉，非常适合在深夜或清晨，伴随着一杯热饮进行深度阅读。我发现，它对于钢琴音域的划分和特定音区音色特点的描述，远比我过去使用的任何教材都要精准和富有诗意。例如，书中描述中低音区的音色时，用的词汇是“深沉的共鸣箱体感”，而不是简单的“低音厚实”，这种精确的感官描述，极大地激发了我去探索钢琴不同区域的音色潜力。此外，书中对古钢琴（Clavichord 和 Harpsichord）与现代钢琴在发声原理上的差异对比分析，也让我对键盘乐器的发展史有了更清晰的认识，这间接指导了我如何去“想象”和“模拟”不同乐器上的演奏效果。这本书的价值在于它提供了一套完整的认知工具箱，它不是简单地告诉你“怎么做”，而是让你深刻理解“为什么这样做”，从而形成自己独立而扎实的艺术判断力，这是任何昂贵课程都难以替代的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，简直像是一场精心策划的音乐考古之旅。它没有采用那种枯燥的教科书式的编排，而是将理论知识巧妙地融入到大量的历史案例分析中。比如，它对某个著名钢琴协奏曲首乐章的处理，会追溯到作曲家当时的生活环境，分析他所处的流派如何影响了他对和声进行的选择，这种深挖历史根源的做法，极大地增强了知识的立体感。我记得有一次在研究特定指法练习时，书中引用了一位十九世纪著名演奏家的私人信件片段，信中详细描述了他在练习某个高难度段落时的心得和身体力学上的调整，那种身临其境的感觉，是单纯的图示无法替代的。作者的文笔非常考究，夹杂着一种古典的韵味，读起来有一种在阅读大师手稿的感觉。它更像是一本艺术史论，只是它的主要对象是钢琴演奏。这本书要求读者具备一定的乐理基础和对西方古典音乐背景的了解，否则可能会觉得某些章节的跳跃性较大，但如果你能跟上作者的节奏，你会发现它帮你搭建了一个宏大而精密的音乐知识体系，让你在面对任何新作品时，都能找到切入和理解的角度。

评分☆☆☆☆☆

物美价廉

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好书,感谢JD的服务......

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