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[英] 迈克尔·威尔逊（MichaelWilson） 著

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出版社： 中信出版社

ISBN：9787508673189

商品编码：13532592043

出版时间：2017-07-01

作  者:(英)迈克尔·威尔逊(Michael Wilson) 著;李爽 译 著作 定  价:98 出 版 社:中信出版社 出版日期:2017年07月01日 页  数:393 装  帧:软精装 ISBN:9787508673189 ●暂无

内容简介

暂无

尘封的织锦：中世纪欧洲服饰变迁史 导言：穿越时空的衣橱 本书并非探讨您熟悉的现代艺术殿堂中的色彩与形态，而是将目光投向一个更加久远、却同样充满叙事力量的领域——中世纪欧洲的服饰文化。我们深信，每一件衣物、每一寸织物的纹理背后，都隐藏着那个时代社会结构、信仰体系、经济贸易乃至个人情感的复杂密码。这不是一本枯燥的服饰图录，而是一部以布料为载体的社会史、权力史和审美史。 第一章：罗马的余晖与蛮族的印记（5世纪 - 8世纪） 中世纪的序幕，是古典文明衰落与日耳曼部落迁徙交织的时代。在这一时期，服饰的演变充满了实用性与身份的初步区分。我们首先深入探讨罗马帝国晚期遗留下来的“裘袍”（Tunics）和“长袍”（Mantles）的形制，它们如何被继承并适应新的气候和生活方式。 重点分析盎格鲁-撒克逊人、法兰克人带来的羊毛和皮革制品，以及这些文化如何在外形上进行融合。例如，男性腰带的样式、女性发饰的粗犷程度，都反映了权力中心的摇摆不定。我们详尽考察了墓葬考古发现中出土的纺织品残留，通过对纤维种类、染色工艺（如天然植物染料的使用限制）的微观分析，重建了早期中世纪简朴而坚韧的着装面貌。权力象征开始显现，例如佩戴特定金属饰品（如菲奥里金币的仿制品）的意义。 第二章：加洛林复兴与修道院的禁欲之美（9世纪 - 11世纪初） 查理曼大帝的加洛林文艺复兴，不仅重振了文字与信仰，也对服饰的标准化产生了一定影响。本章聚焦于修道院在纺织技术和道德规范中扮演的关键角色。 修道士的“会衣”（Habit）不仅仅是制服，它是对“虚无”的哲学表达。我们将详细描绘本笃会、克吕尼会等不同修会服饰的差异，探讨这些差异如何映射出各自对禁欲程度和世俗接触的不同态度。对于世俗阶层，服饰开始向更修长的线条发展，但整体上仍保持着相对宽松的廓形。重点研究了早期封建领主阶层如何通过对稀有毛料（如来自拜占庭的丝绸边角料）的控制，来彰显其与土地相连的权力。我们还将对比分析维京文化与欧洲大陆服饰的交流，特别是服饰中的“几何编织”图案如何跨越了地理界限。 第三章：朝圣之路与纺织品的全球化雏形（11世纪中叶 - 13世纪） 十字军东征和朝圣热潮，极大地拓宽了欧洲人的视野和贸易网络。本章的核心在于“接触”与“炫耀”。 随着东方香料、染料和丝绸的间歇性流入，欧洲上层社会对色彩的追求达到了一个新的高度。我们详细剖析了靛蓝（来自“沃特”植物）和茜草红（Madder Root）的生产和使用，它们如何成为财富的直接标识。女性服饰在此阶段出现了结构性的变化，例如紧身胸衣（前身）和层叠穿法的出现，旨在凸显躯干的修长感。男装则开始出现紧身的下装（Hose），这标志着对身体形态展示的更大兴趣。对诺曼底公国和英格兰王室服饰的个案研究，揭示了权杖、王冠与特定面料（如天鹅绒的早期形式）的结合方式。 第四章：哥特时代的戏剧性：剪裁的革命与阶级的视觉战争（14世纪） 14世纪是欧洲服饰史上最具革命性的时期之一。瘟疫的冲击、城市商业的崛起，共同催生了对个性化和奢华的强烈渴望。 本章着重描述“剪裁”（Cutting）技术的飞跃。领子、袖子和裙摆的线条变得更加锐利和贴合身体。男性服饰中，“朱波”（Doublet）和“短外衣”（Houppelande）的流行，彻底改变了轮廓，强调了肩部和腰部的力量感。我们特别探讨了“服饰法规”（Sumptuary Laws）的颁布及其失败。这些法律试图通过立法限制特定阶层（如商人、工匠）使用金线、貂皮或特定颜色的权利，但这反而刺激了富裕市民阶层更具创造性的“替代性奢华”。对大学城（如巴黎）知识分子服饰的考察，也展示了学术身份如何通过特定的兜帽（Hoods）和披肩来区别于贵族。 第五章：勃艮第宫廷的极致：艺术、奢华与晚期中世纪的终结（15世纪） 勃艮第公国，作为15世纪西欧的文化与时尚中心，其宫廷审美将中世纪服饰的夸张推向了顶点，也为文艺复兴的理性之美埋下了伏笔。 本章聚焦于极致的造型艺术：高耸的“尖顶帽”（Hennins），其高度象征着家族的野心；以及男装中夸张的“鸭嘴鞋”（Poulaines），其鞋尖的长度甚至需要用链条系在膝盖上。我们将分析勃艮第宫廷如何利用纺织品（如提花锦缎、东方地毯式的图案）来构建一个超越地域限制的、纯粹由财富和仪式定义的虚拟世界。最后的章节将讨论这些服饰在技术上（如缝纫密度的增加、更精细的图案刺绣）如何为16世纪文艺复兴时期更贴身的剪裁奠定了技术基础，预示着中世纪对垂直线条和戏剧性轮廓的迷恋即将退场。 结语：布料之下的权力结构 通过对九个世纪服饰演变的梳理，我们试图证明，中世纪的衣着并非一成不变的朴素与虔诚，而是一部动态的、充满冲突与创新的社会编年史。每一针一线，都是对信仰、对财富、对社会等级最直白也最复杂的表述。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我一直对那些动辄价值连城的装置艺术和行为艺术感到困惑，总觉得少了点“实在”的东西。这本书在介绍这些领域时，没有急于给我一个标准答案，而是像一个耐心的导游，带着我走进了艺术家的创作现场。它没有直接告诉我“这个作品意味着什么”，而是花了大量的篇幅去解析创作的背景、艺术家的心路历程，以及当时社会思潮对作品的影响。这种叙事方式非常高明，它提供了一种理解艺术的“方法论”，而不是固定的“解读”。比如，有一章节详细描述了某位艺术家如何将日常废弃物转化为具有强烈政治隐喻的雕塑，那种从平凡中挖掘深刻意义的过程，真的让我感到震撼。它让我意识到，当代艺术的价值往往在于它提出的那个“问题”，而不是它给出的那个“答案”。读完这一部分，我不再是那个仅仅站在作品前感到茫然的过客，而是有了一把小小的钥匙，可以尝试去开启理解的大门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种大胆的色彩碰撞和抽象的几何图形，瞬间就抓住了我的注意力。我原本以为“当代艺术”这个词听起来会很晦涩难懂，充满了那些让人望而生畏的理论术语，但这本书的排版和视觉呈现完全打破了我的刻板印象。它更像是一本精心策划的艺术画册，而不是一本严肃的教科书。每一页的留白都恰到好处，让那些高清的艺术品图片得以充分呼吸，细节清晰可见。装帧质量也相当棒，纸张的质感摸上去很舒服，拿在手里沉甸甸的，很有分量感，感觉这本书不仅仅是知识的载体，本身就是一件值得收藏的艺术品。我特地把它放在客厅的书架上，每次朋友来做客，目光都会不自觉地被它吸引过去，那种对美的直观感受，比任何冗长的文字介绍都来得更有力量。这种对视觉体验的重视，让我对接下来的阅读内容充满了期待，它似乎在暗示，理解艺术，首先要学会“看”，而不是一味地“读”。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏作者在书中穿插的那些“艺术家访谈录片段”。虽然这些访谈内容并不是长篇大论，但都是经过精选的、直击核心观点的只言片语。这些零散的文字，像是给整本书的理论框架注入了鲜活的生命力。通过这些直接的声音，我能感受到艺术家们在创作时的那种原始冲动和坚持，那种不被主流目光所左右的勇气。有时候，一个艺术家自己对作品最简洁的阐述，比任何理论家的长篇论述都要有力得多。这让我深刻体会到，理解当代艺术，很大程度上是与“人”对话，是去感受和体察那些驱动他们进行创作的内在力量。这些片段如同散落在知识地图上的灯塔，指引着我穿越那些复杂的艺术史迷雾。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其灵活多变，这大概是它最让我惊喜的一点。在讲述一些历史脉络和流派演变时，它的文字严谨而富有逻辑，用词精准，让人感到专业可靠。但当它转入对具体作品的分析时，笔锋又变得轻快起来，甚至带有一点幽默感和戏谑的口吻，仿佛是你那位见多识广、又非常会讲故事的朋友在耳边低语。尤其是在解读那些挑战传统审美的作品时，作者没有采取居高临下的姿态，而是非常接地气地承认了理解的难度，然后用最朴实的语言去拆解那些复杂的符号系统。这种亦庄亦谐的文字处理，极大地降低了阅读的门槛，让“高深莫测”的艺术概念变得平易近人。它成功地在保持学术深度的同时，避免了陷入枯燥的学术腔调，这对于我这种非专业背景的读者来说，简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初翻开这本书时，是抱着一种“我要学会看懂艺术”的功利心态。然而，随着阅读的深入，我的目的似乎悄悄地发生了转变。这本书真正带来的，不是一套可以套用的“解读模板”，而是一种看待世界的新视角。它训练了我的“批判性眼光”，让我开始关注作品背后的权力结构、社会语境和媒介选择。现在，当我走在街上，看到新的公共雕塑，或者在社交媒体上刷到一个令人不安的影像作品时，我的思维不再是“这是什么”，而是“它想让我看到什么，为什么选择这种方式来呈现”。这种思维上的拓展，远远超出了艺术范畴，它让我对信息爆炸的时代有了更敏锐的洞察力。这本书最终让我明白，理解艺术，其实是理解我们所处的这个复杂时代，它提供的是一种全新的认知工具，而非仅仅是艺术史知识的罗列。