华夏万卷 中国书法名碑名帖原色放大本:唐摹 王羲之兰亭序三种 胡紫桂 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡紫桂 著

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• 书法
• 中国书法
• 兰亭序
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店铺： 湖北新华书店图书专营店

出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535671219

商品编码：10386111533

包装：线装

出版时间：2014-12-01

图书基本信息
图书名称	华夏万卷 中国书法名碑名帖原色放大本:唐摹 王羲之兰亭序三种	作者	胡紫桂
定价	18.00元	出版社	湖南美术出版社
ISBN	9787535671219	出版日期	2014-12-01
字数		页码	18
版次	1	装帧	线装
开本	8开	商品重量	0.4Kg

内容简介

东晋永和九年（353）三月三日，王羲之邀请谢安、孙绰等41人，会于会稽山阴（今绍兴）之兰亭，举行修禊活动。是日，天朗气清，惠风和畅，清流激湍，列坐其次，置酒于觞，随水漂流，止于谁处，须饮酒赋诗。这便是文中所说的 『流觞曲水』。《兰亭序》即是王羲之为此次聚会所成之诗集而书写的序言。鼠须笔，蚕茧纸，触景生情，有感而发，美文妙笔，一气呵成。据说，王羲之次日酒醒，又誊写数遍，然终不如原稿。由此，对《兰亭序》的书写状态，我们可想而知。全文共28行，324字，笔法、结字、章法，堪称完美。故后世书家将《兰亭序》誉为『天下行书』。 《兰亭序》堪称书法史上的一个传奇。首先，其产生于东晋，而显世却在唐代，从东晋以后至唐代以前的书法文献中鲜见提及。南朝宋人刘义庆《世说新语·企羡篇》中虽提道：『王右军得人以《兰亭集序》方《金谷诗序》，又以己敌石崇，甚有欣色。』然南朝梁人刘孝标在作注时所引《临河序》仅有153字，其文字的后半段与《兰亭序》文字亦有出入。其次，关于《兰亭序》的出现，据说其传至王羲之第七世孙智永（又有说：智永传于弟子僧辩才）处，因唐太宗素好王书，使萧翼雅赚《兰亭序》，收入秦府，又曾命冯承素、欧阳询、虞世南、禇遂良等临摹多本赏赐王亲近臣，太宗故去后真迹陪葬于昭陵。然昭陵在五代时为温韬所掘，盗出的物品清单中却不见《兰亭序》，亦未见其流传于世。 关于《兰亭序》法帖，今之所见皆为唐人之临摹本或刻本。其中著名的有冯承素、虞世南、褚遂良所作之临摹本，以及传为欧阳询摹写上石的《定武兰亭》刻本。尤其是冯承素摹本精到妍媚，丝丝入扣，据说切近原帖，又因其首有唐中宗的『神龙』左半印，故称之为《神龙兰亭序》。

作者简介

王羲之（303—361），字逸少，原籍琅邪（今属山东临沂），后居会稽山阴（今属浙江绍兴），官至右军将军、会稽内史，后世又有『王右军』之称。关于其书法取法，他曾在《题卫夫人〈笔阵图〉后》一文中自述云：『予少学卫夫人书，将谓大能；及渡江北游名山，见李斯、曹喜等书；又之许下，见钟繇、梁鹄书；又之洛下，见蔡邕《石经》三体书……始知学卫夫人书，徒费年月耳。遂改本师，仍于众碑学习焉。』王羲之在书法史上继往开来，博采众长，『兼撮众法，备成一家』，人谓『尽善尽美』，后世尊之为『书圣』。

目录

编辑推荐

临读经典碑帖为书法学习之不二法门。中国历代名家辈出，传世碑帖无数。这套《中国书法名碑名帖原色放大本》遴选书法史上经典，装帧典雅，印刷精美，堪称佳制。 本系列采用底本，高清彩色印刷；穿线装订，拆阅方便实用。力求“下真迹一等”之效果。系列**的特点则是对原作或拓本稍加放大，使得细节纤毫毕现。无论线条的张力、墨色与叠加，还是纸张的颜色及气息，都毫厘间淋漓尽现。 “颇极精工，无复遗恨”，希望本套丛书的出版对读者诸君在临读碑帖和书法创作中有所帮助。

文摘

序言

笔墨丹青：中国古代绘画的流变与意蕴 本书聚焦中国古代绘画艺术的恢弘画卷，深入探讨自史前岩画至近现代文人画崛起的漫长发展历程。它并非专注于某一特定时期或流派，而是以宏观的视角，梳理了中国绘画在不同历史阶段的演变脉络、核心审美范式及其所承载的文化精神与哲学思想。 第一部分：源起与奠基——线条的觉醒与精神的初探 本卷追溯中国绘画的源头。我们首先审视新石器时代的彩陶纹饰与岩画，这些原始的图腾与符号，是人类对自然最早期的摹写与精神寄托的显现。继而进入先秦时期，青铜器上的饕餮纹饰与帛画的出现，标志着图像叙事能力的增强。重点论述了“周制”思想对早期绘画形制的影响，以及“气韵生动”的萌芽阶段。 汉代的画像石、画像砖，以其粗犷有力的线条和朴拙的造型，展现了汉人特有的雄浑气魄与生命力。这些图像不仅是艺术的表达，更是当时社会生活、宗教信仰与政治哲学的直观记录。本部分着重分析了线条如何从单纯的轮廓勾勒，逐步发展成为具有独立审美价值的“骨法用笔”的基础。 第二部分：高峰的树立——魏晋风骨与唐代气象 魏晋南北朝是哲学思辨与艺术精神深度融合的时期。顾恺之的“传神论”被视为中国人物画的理论基石。我们详细探讨了形神兼备的追求如何超越对客观形体的简单复制，转而关注内在气质与人格力量的表达。佛教艺术，特别是石窟造像与壁画的输入与本土化过程，极大地丰富了人物造型的表现手法，催生了曹吴张顾等诸家面貌。 唐代，是中国艺术的黄金时代。绘画在宫廷、寺观和民间得到了全面的繁荣。本部分系统阐述了唐代绘画的几个重要面向： 1. 人物画的成熟与流派： 以阎立本、吴道子为代表，前者工细写实，后者以“吴带当风”的飘逸线条开创了写意的新格局。我们分析了唐代院体画的规范化倾向。 2. 山水画的肇始与探索： 李思训的金碧山水（青绿山水）代表了盛唐的富丽堂皇，而王维的“水墨为上”则预示了文人画的审美转向。 3. 花鸟画的独立： 边鸾、滕霸等人的作品，开始注重描绘生命的细微情态。 通过对唐代“盛唐气象”的解读，阐明了那个时代如何在技法上达到成熟的同时，也能承载宏大叙事的自信与饱满的情感。 第三部分：转折与深化——五代宋元的审美嬗变 五代十国时期，山水画的地位得到了空前的提升。巨匠辈出，风格迥异：荆浩、关仝的北方山水雄奇险峻，构图宏大；南唐董源、巨然的江南山水温润秀美，讲究“平远”之法。 宋代，是中国绘画的第二个高峰，也是“士人”介入艺术创作的转折点。 1. 院体绘画的典范： 以范宽的《溪山行旅图》为代表，展现了宋代山水画对“全景式”构图的极致追求，以及对自然秩序的敬畏感。李唐、刘松年等“院派”画家，在技法上精益求精，形成了宋徽宗时期高度程式化的院体风格。 2. 文人画的兴起： 苏轼、米芾等人提倡的“意在笔先”、“不求形似”的理念，彻底改变了绘画的评价标准，从“画匠”的技艺标准转向“士人”的学养标准。水墨的运用、枯笔的趣味，成为表达主体情感和哲思的重要载体。 元代承袭了宋代文人画的精神，并将其推向新的高度。赵孟頫提倡“复古”，强调书法入画的重要性，奠定了元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术基调。倪瓒的“寂寥之境”，尤其体现了元代知识分子在动荡时局中，借山水以寄托孤高清高的精神世界。 第四部分：笔墨的演化——明清的多元探索与冲突 明代绘画呈现出复古与创新的交织。早期以“台阁体”为代表的院画，延续了院体的严谨；而以吴门画派为核心的文人画则占据了主流。沈周、文徵明的“师古”传统，侧重于对元代笔墨语言的继承与消化。与此同时，徐渭的狂放不羁和陈淳的洒脱，则将写意精神推向了恣肆的境地。 晚明时期，董其昌的“南北宗论”对后世产生了深远影响，他将中国绘画史划分出两条理性的谱系，强化了文人画的理论基础，并倡导“以书入画”的理念。 清代初期，以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的摹古派，将传统笔墨的技法推向了集大成的阶段，但也因此引发了对僵化与程式化的反思。 结语：写意精神的现代回响 本书最后探讨了清末民初，以“四僧”（石涛、八大山人等）为先驱，直至近现代海派（吴昌硕）、岭南画派等对传统笔墨的解放与创新。石涛“我自成一家”的宣言，标志着对传统藩篱的突破，强调主体情感在创作中的至高地位。 全书力图展现的，是中国绘画作为一种独特的东方哲学表达方式，如何通过线条、墨色和章法的变化，记录了中华民族数千年来的审美理想、人生哲学与时代心声。它是一部关于笔墨如何承载精神重量的史诗。

评分☆☆☆☆☆

从一个普通读者的角度来看，这套书的收藏价值也是不容忽视的。在数字信息爆炸的时代，我们获取信息太容易了，但真正“有分量的、能沉淀下来的”实物资料却越来越珍贵。这套《华夏万卷》系列，无论从纸张的韧性、墨色的还原度，还是整体的装帧设计上，都透露出一种“传世”的意图。它不是那种读完就束之高阁的快餐式读物，而更像是一件可以陪伴我们书法生涯的“良伴”。每次在案头展开，那种厚重感和历史的沉淀感，都能立刻将人的心绪沉淀下来。现在的年轻人可能更习惯于在屏幕上浏览那些“高光时刻”的瞬间，但书法学习的精髓在于“日积月累”和“心手相应”。这套书，恰好能提供一个沉静的、专注于细节的环境，帮助我们对抗外界的浮躁。它让我们重新思考，什么是真正的“美”和“经典”。

评分☆☆☆☆☆

当我将这本关于“唐摹王羲之兰亭序”的放大本与其他版本的资料进行对比时，我才真正体会到“原色放大”的震撼力所在。那种层次感，那种墨色的干湿浓淡，简直是天壤之别。我个人对王羲之的《兰亭序》情有独钟，但市面上的各种影印本，总让人觉得少了点什么。仿佛隔着一层毛玻璃在看绝世美人。而这套书，则像是一面擦得锃亮的镜子，让你直面原作的精髓。它让我们得以窥见那个“曲水流觞”的下午，王羲之蘸墨、运腕时的那种灵动与潇洒。学习书法，最终还是要回归到对“人”的理解上。了解书写者当时的情感状态，才能更好地理解笔下的结构与气韵。这本书的高分辨率输出，成功地将书写者的“手感”和“心境”转化为了我们可以感知的视觉信息，这对于任何一位严肃的书法学习者来说，都是一次无法多得的宝贵资源。

评分☆☆☆☆☆

说实在的，我收藏了不少关于书法艺术的图书，但大多都是理论探讨或者作品选集。真正专注于“原色放大”这一极高要求的出版物，数量是相当有限的。这套书的出现，填补了市场上的一个巨大空白。当我拿到其中一册，展开来仔细端详那些放大后的笔触时，那种震撼是难以言喻的。以往看拓本，总觉得有些“失真”，色彩和质感总觉得差点意思。而这套书，仿佛是直接将那块饱经风霜的碑石，或者那卷历经沧桑的纸张，搬到了我的书桌上。你能清晰地看到飞白处的枯笔，也能分辨出浓墨处堆叠的层次感。这种对细节的极致追求，极大地帮助了我们这些“技术流”的书法爱好者去破解那些历代大家们“不传之秘”。如果一个学习者只停留在“形似”，而不能深入到“神似”，那么他的书法终究是缺乏生命力的。这套书，无疑是通往“神似”的一条捷径，它提供的，是实实在在的、可供反复摩挲和体会的物质证据。

评分☆☆☆☆☆

这本《华夏万卷 中国书法名碑名帖原色放大本》的初衷，我想是为了让每一个钟爱传统书法艺术的朋友，都能获得一次近乎“亲临现场”的鉴赏体验。特别是对于那些钻研碑帖、揣摩古人笔意的学习者来说，这种“原色放大”的呈现方式，简直是福音。我一直觉得，学习书法，光看一些模糊不清的影印本或者小尺寸的图片是远远不够的，那些细微的墨韵变化、线条的提按顿挫、结构上的微妙平衡，都藏在那些肉眼难以捕捉的细节里。这套书的价值就在于，它尽可能地还原了原作的风貌，让那些横亘千年的笔意得以在掌中重现。它不仅仅是一本工具书，更像是一扇通往古代书家精神世界的窗口。每次翻阅，都像是在与古人对话，感受他们创作时的心境与技法，那种沉浸式的学习感受，是其他任何形式的资料都无法替代的。我尤其欣赏他们对装帧和纸张的选择，能感受到出版方在尊重传统这件事上的那份虔诚与用心。

评分☆☆☆☆☆

我对这套书的喜爱，很大程度上源于它所体现出的那种对“时间感”的尊重。书法艺术的魅力，很大一部分来源于其不可逆转性——每一笔落下，便成了定局。而当我们研究那些传世之作时，我们实际上是在穿越时间，试图捕捉那个瞬间的动态美。这套放大本的意义就在于，它将那个瞬间拉长、放大，允许我们以慢镜头的方式去审视。这对于理解“气韵生动”这个虚无缥缈的概念，有着极其实质的帮助。比如研究某一个字的起笔，它是“藏锋”还是“露锋”？它的转向处是“方折”还是“圆转”？在小尺寸的印刷品中，这些区别常常被抹平，但在这种高精度的放大版本中，一切都清晰可见。对于那些致力于“入古出新”的创作者来说，这种对古人创作过程的细致入微的观察，是构建自身笔墨体系的基石。这是一种对前辈技艺最直接、最敬畏的致敬。