【中信书店】中国美术史·大师原典系列 李公麟·西岳降灵图 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李公麟 著

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店铺： 中信书店

出版社： 中信出版集团

ISBN：9787508661803

商品编码：10400731596

包装：精装

开本：8

出版时间：2016-05-01

用纸：纯质纸

正文语种：中文

内容简介

用白描手法绘写形形色色的人物，既有贵族及其眷属随从，也有市井商人、乞丐、渔父、玩把戏的等。既是道教画，亦为风俗画，因为道教认为神仙具有普通人的外表，会隐迹于世俗人群中。在中国画中，纯用线条和浓淡墨色描绘实物的白描，可说是线描技法尤为纯的阶段。李公麟使白描成为后人学画的样板，“如群龙之首”，代代相传。

作者简介

李公麟（1049-1106），字伯时，号龙眠居士，舒州（今安徽舒城）人，北宋画家。好古博学，长于诗，精鉴别古器物。尤以画著名，凡人物、释道、鞍马、山水、花鸟，无所不精。

插图

前言

中国山水画的“文人精神”与图像构建 《中国山水画史论：从唐代到清初的审美变迁与笔墨传承》 本书聚焦于中国山水画自唐代肇始至清代中叶的漫长发展历程，深度剖析了这一艺术门类如何从早期的“写景写物”逐渐演化为承载文人精神、哲学思辨和个体情感表达的独特载体。全书以严谨的学术梳理和丰富的图像实例为支撑，系统阐述了山水画在不同历史阶段的美学取向、技法革新以及社会文化背景下的意义重构。 第一部分：肇始与定型——唐代的双重主题与早期实践 本部分首先追溯山水画的起源，探讨其在魏晋南北朝时期的萌芽状态，重点分析了唐代山水画领域出现的两大重要流派：李思训、李昭道所代表的“金碧山水”，以及吴道子开创的“水墨为上”的初步探索。我们详细考察了“金碧山水”的富丽堂皇如何反映盛唐的气象，以及其在用色、构图上对后世院体画的影响。 更重要的是，本部分深入探讨了山水画脱离人物画附属地位，成为独立画科的关键转折点。通过对王维的论述，我们揭示了“诗中有画，画中有诗”的审美理想如何通过禅宗思想的渗透，为山水画注入了“意境”与“气韵生动”的内在要求。这不仅是技法的变化，更是画家主体意识觉醒的标志。我们分析了“笔墨趣味”的初步形成，即线条的内在力度如何开始表达画家的学养而非仅仅是物象的描摹。 第二部分：转折与成熟——五代两宋的“范式”确立 五代时期是山水画发展史上的黄金时代，其重要性在于确立了后世学习和参照的“范式”。本书将重点讨论荆浩、关仝、李成、董源等“北派”与“南派”的开创性贡献。 北派画家如荆浩，其巨碑式的山体结构、严谨的斧劈皴法，体现了对北方山川的雄强理解，标志着山水画在表现“崇高”主题上的成熟。我们详细分析了董源、巨然等“江南派”的变革：他们如何以柔和的笔法（如披麻皴、点苔）来描绘南方丘陵的湿润与温婉，开创了注重“性灵”与“气韵”的文人山水画的先声。 宋代，随着院体画的鼎盛，如范宽、郭熙的出现，山水画在写实基础之上，更注重哲理的寄托。郭熙的《林泉高致》成为后世论画的圭臬，书中详述了其“三远法”（高远、深远、平远）的理论实践，这些理论构建了中国山水画空间处理的核心方法论。同时，我们探讨了宋徽宗对院体画的推动，以及其在“格物致知”思想下，对山水画审美取向的复杂影响。 第三部分：精神的回归——元代文人画的兴起与笔墨的解放 元代是山水画史上的又一次重大转向，其核心在于“文人画”的正式确立及其对前代传统的批判性继承。面对蒙古统治，赵孟頫倡导“复古”，强调书法入画，将线条的“笔法”提升到前所未有的高度，使绘画成为真正的“书画同源”。 本书的核心分析对象是“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙。我们深入剖析了他们如何系统化、个人化地运用笔墨语言来表达“隐逸情怀”与“士人孤傲”。 倪瓒的极简主义（折带皴、干笔），如何将画面抽离至纯粹的精神空间。 黄公望的“意在笔先”，如何使墨色晕染成为抒发内心的媒介。 王蒙的繁密层叠（牛毛皴），如何建构复杂而又内敛的胸中丘壑。 元代确立了“以书入画”的最高准则，山水画不再追求对自然外貌的忠实再现，而是成为画家“胸中山水”的投射，为明清的地域流派奠定了深厚的哲学基础。 第四部分：格法的分流——明清的地域流派与学术争论 明代山水画呈现出“学院派的保守”与“文人派的革新”并存的局面。我们首先考察了“吴门画派”以沈周、文徵明为代表的对元代传统的温和继承与再创造。他们的风格注重典雅与秀润，将元四家的笔墨技法融会贯通。 随后，本书重点剖析了晚明时期“董其昌南北宗论”的影响。虽然这一理论在后世引发了诸多争议，但在当时，它成功地将山水画的谱系化、历史化，并确立了“文人笔墨”的正统地位。我们详细分析了董其昌如何将董源、巨然归为“南宗”，强调其墨韵与意趣，而将李思训、李唐等人归于“北宗”，侧重于法度与外形。 清初的“四王”——王时敏、王鉴、王翚、王原祁，在继承董氏理论的基础上，将“临摹”与“集古”推向极致，形成了风格统一、格法完备的院体正宗。我们分析了“王翚的集大成”与“王原祁的理论化”（如“元气淋漓”）对清代中后期山水画的制约与影响。同时，我们也不忘探讨金陵画派、徽州画派等地方性流派在笔墨创新上的尝试，为清代中期山水画的转型埋下伏笔。 本书旨在提供一个清晰的脉络，展示中国山水画如何从描绘自然景象，逐步升华为一种高度成熟的、承载着深厚文化内涵与个体精神追求的艺术哲学。它不是对某一位特定大师的专论，而是对整个艺术体系的结构性考察。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上关于艺术史的书籍汗牛充栋，但真正能让人愿意反复捧读、细细品味的却不多。这本之所以能脱颖而出，很大程度上归功于它在学术前沿性与可读性之间找到的绝妙平衡点。它所引用的研究成果，明显是经过了最新的学术检验，对于一些长期存在的争议点，作者也给出了令人信服的、基于新发现的解读。这对于追求知识准确性和时效性的读者来说，无疑是一个巨大的加分项。我甚至发现自己时不时地会停下来，重新去对照参考图，那种“啊，原来是这样！”的顿悟感，贯穿了整个阅读过程。它成功地将原本枯燥的历史叙事，转化成了一场场引人入胜的智力探险，让人读后意犹未尽，迫不及待想去翻阅下一篇章。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这套书在内容梳理上的严谨态度和清晰的脉络。在阅读过程中，我很少会感到迷茫或者信息过载，编者显然下了很大功夫去构建一个逻辑自洽的知识体系。它不像有些学术著作那样堆砌晦涩的术语，而是用一种既专业又不失流畅的笔触，将复杂的艺术发展史娓娓道来。尤其是在对一些关键转折期的艺术思潮的分析上，作者的洞察力非常敏锐，能够精准地抓住那个时代背景下艺术风格变迁的内在驱动力。对于我这种非科班出身但又对艺术史充满好奇的读者来说，这种“导游式”的讲解简直太友好了。它既满足了深度探究的需要，又保证了入门者的友好度，让人在学习历史的同时，也学会了如何去“看”艺术品，这种方法论上的引导价值，远超书本本身的价格。

评分☆☆☆☆☆

这本书带来的知识体验是极其沉浸式的，我感觉自己像是被拉回到那个辉煌的时代，亲眼见证了艺术巨匠们的心路历程。那些关于创作背景、材料运用乃至心境体会的描述，细腻到让人仿佛能嗅到松烟和笔墨的味道。我过去对某些历史阶段的理解总是停留在概念层面，但通过这本书中详实的文献引用和深入的理论剖析，我终于构建起一个立体、鲜活的艺术世界观。它不仅仅罗列了“什么人画了什么画”，更重要的是解释了“为什么他们那样画，以及为什么这对后世产生了如此深远的影响”。这种深度的挖掘，极大地提升了我对中国艺术精神的理解层次，让我不再仅仅是欣赏表面的技巧，而是开始触及到作品背后的哲学思辨和人文关怀。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的太吸引人了，从拿到手的第一刻起我就被那种沉稳大气的感觉所折服。封面选材讲究，纸张的质感非常棒，拿在手里沉甸甸的，完全是艺术品级别的享受。尤其是内页的印刷，色彩的还原度简直令人惊叹，那些大师的手稿和原作在纸面上仿佛有了生命力，细节纤毫毕现。这种用心打磨的细节，让阅读过程本身变成了一种视觉和触觉上的双重盛宴。对于一个深度爱好者来说，收藏这样的版本不仅仅是拥有知识，更像是在珍藏一段宝贵的艺术记忆。书脊的设计也很有巧思，与其他同系列的书摆在一起，形成了一种庄重的系列感，让人忍不住想集齐整个“大师原典系列”。毫不夸张地说，光是捧着它，就能感受到出版方对中国传统艺术的深深敬意和不懈追求。它不只是一本书，更像是为艺术爱好者量身定做的一件精美藏品，每一次翻阅都是一次对美的朝圣。

评分☆☆☆☆☆

如果让我给这本书下一个“关键词”，我会选择“视野的拓宽”。它不仅仅是关于某个特定艺术家的传记或作品集，而是一张宏大叙事下，各个艺术流派和地域风格如何相互渗透、互相砥砺的精妙网络图。很多我原本以为是孤立存在的艺术现象，在这本书的梳理下，找到了它们之间隐秘的联系。这种宏观的视角，极大地修正了我过去碎片化的认知。读完之后，再去看待其他相关的艺术史料，你会发现一切都变得更加清晰和有条理了。这本书像是一把钥匙，打开了通往更深层次艺术理解的大门，它给予读者的，远不止于书本上的信息量，而是一种全新的、更具批判性和系统性的艺术史观察框架，让人受益匪浅。