普通高等教育艺术设计专业“十二五”规划教材：造型设计原理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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徐雷 编

图书标签:

• 艺术设计
• 造型设计
• 设计原理
• 高等教育
• 教材
• 艺术类
• 平面设计
• 视觉传达
• 基础理论
• 设计教学

出版社： 中国林业出版社

ISBN：9787503862847

版次：1

商品编码：10904367

包装：平装

开本：16开

出版时间：2011-08-01

用纸：胶版纸

页数：130

字数：308000

内容简介

造型设计的组合及美学形式越来越引起人们的重视，其基础理论研究经历了漫长曲折的道路。早在解放初期，我国一些艺术设计前辈就做了相关的介绍，但是受到历史的原因，一直未能形成系统的理论。一直到20世纪80年代，随着改革开放，我国艺术院校先后引进了“三大构成”教学，给我国艺术设计教育注入了新的内涵。由于我国艺术设计教育长期忽视对造型设计专业基础理论的系统研究，学生缺乏系统的造型设计语言的训练，造成设计保守，设计手法陈旧，造型设计创新能力薄弱。为了改变艺术设计相关教材不足的状况，作为设计专业教师，有责任填补这方面的空白。造型设计原理作为一门课程，着重培养学生在形象和形态方面的应用构成能力。通过造型系统的理论学习，引导学生了解造型规律，使其具有理性的判断能力，并逐渐提高审美能力，培养学生将各种造型要素连结成系统形象的能力，并能自觉掌握形态构成、组织、变化规律。造型设计原理作为一门基础专业课程，体现了理论与实践两方面的内容。教材深入浅出，就造型设计原理内容作了系统的阐述。

内页插图

目录

前言
绪论
1.1 造型概述
1.2 设计概述
1.3 造型设计的领域
14造型设计简史
1.5 造型设计实例

造型的基本要素
2.1 造型的概念要素
2.2 造型的视觉要素
2.3 造型的关系要素
2.4 造型的实用要素
2.5 造型设计练习

造型要素的组合秩序
3.1 形相遇的关系
3.2 规律性形式编排
3.3 非规律性编排
3.4 造型的形式原理
3.5 视错觉
3.6 造型设计实例
造型与装饰
中国传统装饰图案的发展
装饰图案的概念及类别
图案造型的形式手法
装饰图案的组合形式
吉祥图案
造型设计实例
造型与色彩
色彩的基本知识
色彩的分类及其要素
色彩的混合
色彩体系
色彩心理
色彩的象征性
色彩的感觉
色彩的采集与重构
色分析研究的技术手段——色度学色空间
造型设计实例
造型与形态构成
形态及其分类
形态构成的基本概念
形态构成美学法则
立体构成
立体造型的意象和逻辑
造型设计实例
造型与材料
材料和造型的关系
材料的分类
造型材料的性能特征
主要的造型材料简介
造型设计实例
参考文献

精彩书摘

1.4造型设计简史
（1）史前时期
设计是人类有目的、创造性的行为，自从有了人类活动就具备了设计的雏形。史前人类对石块、动物骨骼的利用、选择、改造到工具的创造，以实用性为目的。随着人类对工具的进一步加工和完善使得石器工具外表光滑、锋利且造型具有对称的形式感。这一时期人类逐渐形成了以实用为基础，产生了追求审美与功能的双重意识。
人类从定居开始，就有了因地制宜的设计方法。如在长江流域形成的干栏式的建筑形式，具有抵御各类动物侵袭的作用，并适合潮湿的气候环境。除此之外，室内器具造型也有所发展，已出现椅、灶台、陶器和编织器物等，用于满足室内坐卧、操作的需要。新石器时代的陶器作为实用生活用具，依据用途的不同，造型也呈现出多样化。如用于盛储、饮煮的陶盆、陶瓮、陶罐等的造型呈现出球形、半球形的形态，其他诸如器耳、提梁、流、把手的造型设计更加完善了器物设计。陶瓷的装饰纹样题材涉及动植物、水纹、云雷纹等自然形和图腾形，体现了优美装饰的组合形式，具有一定的形式美感，也体现了人类在设计活动中的主观能动性达到了一个新的高度。
随着国家的出现、阶级的分化、宗教的兴盛，各文明古国的设计得到了快速的发展。设计观念中也反映出政治和社会伦理色彩，体现一定的社会功利性。同时，又因地域和民族不同而风格迥异。
（2）奴隶时代
古代中国的设计艺术集中体现在青铜工艺上。这个时期是青铜制造和生产最繁荣的鼎盛时代。青铜制品主要有工具、乐器、兵器、饮食器以及满足精神功能的礼器等（图1-10）。青铜器在造型上强化其体量感和力度，在装饰纹样上强化其形式感、神秘感，较多体现了礼乐等级象征含义。春秋战国时期，由于对人的关注，在青铜器的装饰纹样上出现了描绘人物和现实生活的画面。青铜在生产工艺上，有范模法和分模分范法等，制作工艺的改进和细化使得设计产品更加专业化和规格化。
……

前言/序言

造型设计基础：形式、结构与视觉传达 本书并非《普通高等教育艺术设计专业“十二五”规划教材：造型设计原理》的任何一部分或相关补充材料。 本书立足于造型设计领域的核心本质，旨在为读者构建一个全面、深入且具有实践指导意义的理论框架，帮助设计师理解并驾驭视觉形式的内在规律，从而创作出既符合美学原则又解决实际问题的设计作品。 本书的编撰严格遵循设计思维的逻辑递进，内容涵盖了从最基础的点、线、面元素，到复杂的空间构成与动态平衡的构建，并最终落脚于信息的高效传达与情感的精准唤起。全书结构清晰，理论阐述力求严谨，同时辅以大量经典与现代案例分析，以期达到理论与实践的有效结合。 --- 第一部分：造型设计的基石——视觉元素的解构与重组 本部分深入探讨构成一切视觉形态的最小单位及其组合方式，是理解所有高级设计概念的前提。 第一章：点、线、面的本质属性与感知效应 1. 点的心理学意义： 分析点在视觉构图中的焦点作用、节奏起始点以及作为聚集或分散核心的潜力。探讨点的相对大小、密度与疏密如何影响整体画面的稳定性和动感。 2. 线的语法与表现力： 细致区分直线、曲线、折线、以及虚线在不同文化和语境下的象征意义（如水平线代表平静，垂直线代表力量，S形曲线代表流动与优雅）。重点讲解线的方向性、粗细变化和质感如何引导观者的视线轨迹。 3. 面的构成与界定： 探讨面作为空间切割和信息承载的基本单位。分析几何形体面与自由形体面（有机形态）在构成上的差异。讨论面与背景（负空间）之间的关系，强调负空间在定义正空间形状上的关键作用。 第二章：形状的分类、辨识与象征 1. 几何形与有机形： 明确区分可被精确数学定义的几何形状（圆形、方形、三角形）与源于自然、不规则的有机形态。对比两者在传达稳定感、活力感或自然感方面的设计效能。 2. 图形的张力与对立统一： 研究形状之间的相互作用力，例如重叠、相切、穿插、包含等技法如何产生视觉上的张力。引入“黑白灰”三调关系，探讨形状轮廓与背景色块的互动如何确立图形的清晰度。 3. 符号化与模式识别： 探讨特定形状如何通过文化约定俗成演变为具有特定意义的符号（Iconography）。分析如何在保证符号识别度的前提下，进行现代化的图形提炼和抽象化处理。 --- 第二部分：形式的组织与空间建构 本部分将视线从孤立的元素转向元素间的组织规律，聚焦于如何将碎片化的视觉信息整合成一个有意义的、和谐的整体。 第三章：构图的基本法则与视觉平衡 1. 视觉重心与平衡原理： 深入解析“重量感”的概念，不仅是基于物理上的面积大小，还包括颜色、纹理和位置对视觉重量的影响。详细阐述对称平衡、非对称平衡（动态平衡）的构建技巧。 2. 黄金比例与三分法在构图中的应用： 探讨数学比例（如斐波那契数列、黄金分割）如何自然地被人类感知系统所接受。提供将这些比例应用于网格系统和关键元素布局的实际操作指南。 3. 韵律、重复与节奏： 研究元素在时间维度和空间维度上的重复性排列如何形成韵律感和引导性节奏。区分均匀节奏、渐变节奏和交错节奏在设计叙事中的不同效果。 第四章：空间、深度与透视的操纵 1. 二维平面中的空间暗示： 探讨设计师如何通过叠压、大小对比、清晰度变化（雾化处理）和色彩冷暖关系（空气透视法）在二维媒介上创造三维的深度错觉。 2. 基础透视原理（单点、两点透视）： 简要回顾并侧重于讲解透视法在表现建筑、产品和包装设计中的准确应用，强调消失点和视平线对画面稳定性的影响。 3. 负空间与形态互换（Figure-Ground Reversal）： 强调对“留白”艺术的重视。分析如何利用负空间来创造双重图像或增加设计的层次感和趣味性，避免画面拥挤。 --- 第三部分：材质、肌理与感知体验 本部分关注造型设计如何超越纯粹的几何抽象，与触觉、视觉的质感信息建立联系，从而丰富设计作品的感知维度。 第五章：纹理与肌理的模拟与创造 1. 视觉肌理与真实肌理的区分： 理解屏幕显示或印刷品上的“视觉纹理”是如何通过点阵、线条变化和色彩渐变来模拟自然界中的真实材质（如木材的年轮、石头的粗糙感）。 2. 肌理在信息传达中的作用： 分析不同肌理（光滑、粗糙、磨砂、反光）如何暗示产品的用途、价格定位和目标用户群体。例如，高光泽度通常与现代感和科技感相关联。 3. 肌理的对比与统一： 探讨在设计方案中，将大面积的平滑表面与局部的精细肌理进行对比，以突出重点或增加视觉焦点的方法。 第六章：色彩理论与形态的融合 （注意： 本书着重于造型原理，色彩仅作为辅助形式表达的工具，不对色彩理论本身进行详尽阐述，而是聚焦于色彩与形态的互动。） 1. 色彩对形态感知的影响： 分析暖色系与冷色系如何影响形状的“体积感”和“距离感”。暖色使形状显得更近、更具侵略性；冷色则使其后退、更显沉静。 2. 高纯度与低饱和度对清晰度的影响： 讨论高饱和度的颜色如何强化形状的边界和视觉冲击力，而低饱和度的色彩如何用于创造柔和的过渡和背景层次。 3. 形态与色彩的统一性原则： 强调在优秀的设计中，色彩的选择不应是孤立的，而必须强化和支撑既有的结构布局和形式逻辑。 --- 第四部分：动态性、复杂性与系统思维 本书的最后部分将视角从静态构成提升到动态的、系统的、面向应用的设计思维。 第七章：动态构成与运动的暗示 1. 速度与方向的视觉表达： 研究如何利用线条的倾斜度、元素的渐变或“动势线”（Line of Action）来清晰地传达运动的方向和速度感。 2. 序列设计与时间性： 探讨如何在连续的画面或界面中（如动画或信息层级展示）利用形态的微小变化来构建流畅的过渡和叙事流程。 3. 力的平衡与不稳定形式的运用： 分析“倾斜”或“不对称的极点”的造型如何制造视觉上的不稳定感，并讨论这种不稳定感在需要表达紧张、冲突或突破的主题设计中的应用。 第八章：复杂系统的形态生成与规范化 1. 模块化设计与网格系统： 介绍如何通过建立严谨的底层网格系统来管理复杂设计中的元素位置、间距和尺寸关系，确保整体的秩序感和可扩展性。 2. 形态的抽象化与层级化： 探讨将具象的参照物提炼为抽象的视觉元素的过程。强调在设计系统中，不同层级的形态（主要元素、次要元素、辅助图形）需要清晰的尺寸和复杂度差异。 3. 设计语言的建立： 总结如何通过对点、线、面、空间和肌理的特定处理方式的重复运用，形成一套独特且连贯的设计“语汇”，从而构建出具有辨识度的设计风格。 结论： 本书最终旨在培养读者形成一种“视觉语言的敏感性”，使设计师能够有意识地、有目的性地选择和组合视觉元素，以实现清晰、有力且富有美感的造型设计表达。学习造型设计原理，即是学习如何“看见”世界，并用结构化的方式重塑世界。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本教材时，我最关心的就是它的理论深度是否能跟得上行业的发展速度。翻阅后发现，它在基础理论的阐述上做到了扎实和全面，对于经典的设计法则如韵律、平衡、对比等，都有非常详尽的剖析，这为构建稳固的设计基础提供了坚实的支撑。但更让我惊喜的是，它并没有仅仅停留在对传统美学概念的重复罗列上，而是巧妙地融入了许多现代设计思维的探讨。比如，书中涉及的关于“信息可视化”在造型表达中的应用，以及如何运用解构主义的思维去拆解和重构现有形态，这些内容显然是紧跟当前设计领域前沿的。这不仅仅是一本教你“如何做”的书，更是一本引导你“如何思考”的书。通过大量对比不同历史时期和文化背景下的造型案例，作者成功地拓宽了我们的视野，让我们明白造型的背后是文化和功能的对话，而不是单纯的美学堆砌。对于一个志在成为创新型设计师的学生来说，这种既继承经典又拥抱前沿的教学思路，无疑是极具价值的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从封面到内页的排版，都透露出一种严谨而又充满创意的气息。纸张的质感摸上去很舒服，印刷清晰，色彩还原度也相当不错，特别是那些案例图和结构分析图，细节处理得非常到位，这一点对于学习造型设计原理这种需要大量视觉参考的学科来说，至关重要。我记得我拿到手的时候，特意翻阅了几章关于空间构成和形式分析的内容，作者在组织材料时，显然是下了大功夫的，逻辑层次分明，从基础的点线面过渡到复杂的体块组合，循序渐进，不会让人感到突兀或迷失方向。尤其欣赏的是，书中似乎没有采用那种刻板的说教式语言，而是更倾向于引导读者去观察和思考，即便是相对抽象的理论概念，也能通过精妙的图示和贴合实际的设计案例来加以阐释，使得初学者也能较快地抓住核心要点。这种注重视觉体验和阅读流畅度的设计，无疑为学习过程增添了不少乐趣，让人愿意沉下心来，细细品味其中的设计精髓。

评分☆☆☆☆☆

对于一名自我提升型的学习者而言，教材的组织结构和学习路径的设计至关重要。我很喜欢这本书在知识构建上的层次递进方式。它似乎预设了一个学习者的心智模型，从最基础的、人类视觉感知的底层逻辑开始铺陈，比如格式塔原理在造型中的体现，如何利用视觉引导和群体暗示来构建造型的叙事性。随后才逐步过渡到更复杂的、涉及多元素交织的主题，如动态平衡、节奏的建立等。这种从微观感知到宏观构架的推进，让学习过程变得非常自然和连贯，避免了初学者常见的“知其然而不知其所以然”的困境。更重要的是，在每一章的末尾，作者都设置了一些引导性的思考题或小型设计挑战，这些并非简单的知识点回顾，而是需要学习者运用前面学到的原理去“创造性地解决问题”，这无疑是检验和深化理解的最佳方式，让学习真正从被动接收转变为主动建构。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验方面，我必须提到书中引用的案例库的广度和多样性。很多设计教材倾向于使用西方主流或被过度引用的经典案例，容易让学习者陷入同质化的审美窠臼。而这本书在选取范例时，展现出了一种更为开阔和包容的视野。我看到了来自不同地域、不同媒介的造型实例——从古代建筑的榫卯结构到当代交互界面中的图标设计，从自然界中的生物形态到工业产品的结构优化。这种跨领域的、全球化的案例筛选，极大地刺激了我的想象力。它不仅仅是展示“好的设计”，更重要的是展示了“好的造型是如何在不同的限制条件和文化语境下得以实现”的过程。每当我对某个造型原理感到困惑时，总能在那一页的某个看似不相关的案例中找到一丝灵感或共鸣，仿佛这本书搭建了一个巨大的造型语言的知识网络，等待我去探索和连接。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性评估是我最看重的部分，毕竟艺术设计最终是要落到实践中的。我特别留意了其中关于材料与工艺对造型影响的章节。通常这类教材要么过于偏重理论，让实践操作感觉遥不可及；要么过于偏重工艺流程，冲淡了对造型本质的探讨。然而，这本教材的平衡感处理得非常巧妙。它没有提供详尽到每一个步骤的制作指南（毕竟这应该由专业技能课来负责），而是将重点放在了“为什么选择这种材料和工艺会形成这种造型”的逻辑链条上。通过分析不同材料的物理属性（如延展性、韧性、透明度）如何反作用于设计师的造型意图，书中提供了一系列启发性的思考模型。例如，探讨了金属的冷峻感和木材的温润感在同一造型主题下如何通过材料特性被放大或弱化。这种宏观的、策略性的指导，远比单纯的“如何切割”或“如何粘合”更重要，它教会的是设计师如何在材料的语言中找到最准确的造型表达方式。