美术丛书20（2集第10辑） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄宾虹，邓实 编

图书标签:

• 美术
• 艺术
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• 艺术理论
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• 图画本
• 儿童美术
• 教材

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534034541

版次：1

商品编码：11229863

包装：平装

开本：32开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：244

正文语种：中文

编辑推荐

　　《美术丛书》是上海神州国光社从1911年春开始刊行的一大套关于中国美术的丛书，编者是神州国光社的创办人邓实，后来又有黄宾虹加入。这是集中国古代重要美术著作于一身的大型丛书，依传统四部分类法的“书画、琴谱、篆刻、杂技”，将所收书籍分为“书画类、雕刻摹印类、磁铜玉石类、文艺类、杂记类”等五类，共收书270余种，约300万字。其中书画类最多，占全书七成，其中不甚经见之书，更为言书画者所不可不备。

内容简介

　　《美术丛书20（2集第10辑）》包括：书筏、画筌、龚安节先生画诀、苦瓜和尚画语录、赐砚斋题画偶录、草心楼读画集、摹印述、墨经、琴学八则、观石录、艺兰记、履园画学、七颂堂词绎、七颂堂识小录。

作者简介

　　黄宾虹（1865-1955），近现代画家、学者。原籍安徽歙县，生于浙江金华。初名懋质，后改名质，字朴存，号宾虹，别署予向、虹叟、黄山山中人。除绘画之外，并从事绘画史论、篆刻的研究和教学。擅画山水，精研传统与关注写生齐头并进。早年受“新安画派”影响，以干笔淡墨、疏淡清逸为特色，为“白宾虹”；八十岁后以黑密厚重、黑里透亮为特色，为“黑宾虹”。其画风苍浑华滋，意境深邃。偶作花鸟草虫亦奇崛有致。曾任杭州国立艺专教授、中国美协常务理事等职。著有《黄山画家源流考》《虹庐画谈》《画法要旨》等。
　　邓实（1877～1951）字秋枚，别署枚子、野残、鸡鸣，风雨楼主，广东顺德人。1877年生于上海。五岁亡父，与弟邓方（字秋门）相依为命。从青年起，便崇拜顾炎武，“喜为经世通今之学”。光绪二十八年（1902）创办《政艺通报》，宣传民主科学思想。后与黄节、章太炎、马叙伦、刘师培等创立国学保存会、神州国光社，出版《风雨楼丛书》和《古学会刊》，主编《国粹学报》，在知识界产生过较大的影响。关心时局，“凡阅国内外月报、旬报、时报至百余种，钞辑成书”，至数百卷之多。弟兄二人，寒夜读书，每及“当世之故”，常慷慨悲歌，饮酒起舞，期期以报国自许。

目录

书法粹言
中麓画品
砚史
歙州砚谱
端溪砚谱
瓶花谱
朱砂鱼谱
茶经
野服考
紫泥法
韵石斋笔谈

前言/序言

探寻艺术的无限可能：美术理论与实践的深度巡礼 本丛书旨在为艺术爱好者、专业人士以及所有对视觉文化怀抱好奇心的人们，提供一个全面而深入的艺术知识体系。我们聚焦于横跨历史、理论与技法的多元领域，力求呈现艺术创作背后的深刻思想脉络与实际操作精髓。 本套丛书并非某一特定系列（如“美术丛书20（2集第10辑）”）的简单延续或替代，而是一次独立的、对艺术世界进行系统梳理与探索的宏大工程。它涵盖了从古代文明的岩画遗迹到当代数字艺术的最新动态，力求构建一个广阔的知识框架，帮助读者建立起坚实的艺术史观和敏锐的审美判断力。 第一卷：艺术史的恢弘画卷——从史前到现代的演变 本卷致力于描绘人类视觉表达的历史长河。我们不满足于简单的年代罗列，而是深入剖析每一个历史阶段的文化语境、社会需求如何塑造了其独特的艺术风格。 古老的起源与古典的奠基： 我们将从非洲的早期雕刻和欧洲的洞穴壁画开始，探讨人类早期符号的产生及其与精神世界的关联。随后，焦点将转向古埃及的永恒象征主义、美索不达米亚的叙事浮雕，以及古希腊罗马对人体、和谐与理想美的极致追求。对古典艺术中“模仿自然”与“超越自然”的辩证关系，将进行细致的考量。 中世纪的信仰之光与拜占庭的辉煌： 本部分将阐释宗教如何成为中世纪艺术的主导力量，重点解析罗马式和哥特式建筑的结构美学、圣像画的象征意义，以及它们如何服务于教义传播。拜占庭马赛克的奢华与神圣感，也将作为东西方文化交汇的一个重要范例被深入研究。 文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情： 详细剖析文艺复兴时期人文主义思潮对艺术解放的推动作用，对达芬奇的科学观察、米开朗基罗的雕塑力量以及拉斐尔的宁静和谐进行个案分析。紧接着，我们将探讨巴洛克艺术如何以其戏剧性的光影、强烈的动感和情感张力，回应宗教改革与绝对君主制的时代需求。 启蒙与革新的时代： 洛可可的精致享乐、新古典主义对秩序与理性的回归，以及浪漫主义对主观情感、自然伟力和异域风情的颂扬，构成了18世纪末至19世纪初的艺术图景。本部分还将详细解析印象派的革命性突破——如何捕捉瞬间的光影，以及后印象派对形式、色彩和情感的进一步探索，为现代艺术的诞生铺平了道路。 现代主义的激进探索： 聚焦于20世纪初的艺术爆炸。从野兽派的色彩解放，到立体主义对多视角的解构；从未来主义对速度的崇拜，到抽象表现主义的纯粹精神表达。我们力求展示现代艺术并非是对传统的简单否定，而是基于新的哲学、物理学和社会结构，对“什么是艺术”这一根本问题的持续追问。 第二卷：视觉语言的解码——理论、媒介与审美 本卷从理论层面入手，解构艺术作品的内在结构、传播方式及其对观众产生影响的机制。 艺术理论的基石： 本章系统梳理西方自柏拉图以来关于“美”、“再现”与“表现”的核心理论。重点介绍康德的美学判断、黑格尔的艺术哲学，以及20世纪初形式主义（如格林伯格）与符号学在艺术分析中的应用。理解这些理论框架，是深入欣赏任何艺术作品的必要前提。 绘画的技法与媒介演变： 详述油画材料的演变、坦培拉与蛋彩的历史地位，以及水彩和版画作为独立艺术形式的独特贡献。对“湿画法”与“干画法”的工艺差异进行技术性解析，探讨媒介选择如何影响最终的视觉效果和艺术家的表达意图。 雕塑与空间对话： 探讨雕塑从纪念性到观念性发展的历程。分析材料（石头、青铜、木材）的内在属性如何限制和引导了造型的可能性。重点阐述20世纪以来，集合艺术（Assemblage）和大地艺术（Land Art）如何拓展了雕塑对“空间”和“时间”的介入方式。 摄影与电影的诞生与发展： 摄影术如何挑战了绘画的“再现”职能？本部分将追溯摄影从早期肖像到纪实报道的演变，并探讨电影作为“动态的绘画”和“时间的艺术”如何在叙事结构和蒙太奇理论上构建其独特的视觉语言。 当代艺术的语境与挑战： 深入探讨后现代思潮对中心化的解构，聚焦于装置艺术、行为艺术和新媒体艺术。分析“观看”行为在当代语境下的转变，以及艺术在社会批判、身份政治和全球化背景下面临的伦理与美学挑战。例如，探讨如何理解观念艺术中“作品”与“想法”之间的张力。 第三卷：东方神韵与全球视野——非西方艺术的深度探索 为了提供一个真正全面的艺术图景，本卷将目光投向了西方艺术史以外的广阔天地，强调文化之间的相互影响与各自独立的发展脉络。 东亚艺术的哲学根基： 详述中国传统艺术中“气韵生动”的审美理念，对文人画的笔墨精神、山水画的“可游可居”的空间观进行深入解读。同时，探讨日本浮世绘对西方现代艺术产生的冲击，以及禅宗思想在茶道、园林和水墨艺术中的体现。 南亚与东南亚的宗教艺术： 考察印度教与佛教雕塑和建筑的复杂符号系统，分析湿婆、毗湿奴等神祇形象的演变，以及佛教石窟造像在丝绸之路上传播中的风格融合。 伊斯兰艺术的几何秩序： 专注于伊斯兰艺术对图像的限制如何催生出对高度复杂的几何图案、书法艺术和阿拉伯式花纹（Arabesque）的极致发展。探讨这些装饰母题背后的数学美学和对无限的象征意义。 美洲与非洲的原始力量： 回溯玛雅、阿兹特克文明的宏大祭祀建筑与神圣器物，分析其色彩、象征意义和宇宙观。同时，重点研究非洲面具和雕塑如何以其高度的风格化和强烈的内在张力，影响了20世纪西方现代主义艺术家的创作，揭示其作为仪式工具而非单纯装饰品的本质。 结语：艺术作为持续的对话 本套丛书的核心目标，是引导读者将艺术视为一个永不停止的对话过程——是艺术家与材料的对话，是历史与当下的对话，更是作品与观看者心智的对话。我们相信，通过扎实的知识积累和广阔的视野，每一位读者都能从中找到属于自己的独特视角，从而更深刻地理解和参与到人类的视觉文明之中。这不仅是一套知识的汇编，更是一场通往无限可能性的思维漫游。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对艺术史研究比较痴迷的人，市面上很多权威著作我已经拜读过，但坦白讲，很多都存在一个问题：过于学术化，读起来像是在啃石头。这套书最让我惊喜的地方在于，它成功地在学术的严谨性和大众的可读性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它引用了大量的原始文献和艺术家的私人信件作为佐证，但文字组织却极其流畅自然，仿佛是一位经验丰富的策展人，带着你走过一条条精心布置的展线。我特别赞赏其中关于“色彩心理学”的探讨。它不仅仅是罗列了红色代表热情、蓝色代表忧郁这些老生常谈，而是结合了特定的历史事件和宗教信仰，去解析特定时期艺术家为何偏爱某种冷峻的色调，或者突然转向了高饱和度的表达。这种深入到“为什么”层面的挖掘，远比描述“是什么”来得更有价值。此外，书中对一些当代艺术家的早期探索也做了回溯，揭示了他们成熟风格的萌芽阶段，这对于研究艺术的演变轨迹来说，提供了极其宝贵的线索。这本书的版式设计也值得称赞，图文排版疏密有致，重要的图例和细节放大都处理得非常到位，保证了视觉上的享受。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是艺术爱好者们的福音！我迫不及待地想和大家分享一下我的阅读体验。从拿到这套书的那一刻起，我就被它精美的装帧和厚实的纸张所吸引，这绝对不是那种随随便便就能在书店里翻到的普通画册。我特别欣赏它在内容选择上的独到眼光。它没有一味地追逐那些我们耳熟能详的“大人物”，而是深入挖掘了一些在艺术史长河中可能被低估的流派和创作者。比如，其中有一册专门聚焦于中世纪晚期北欧的版画技法，那种细腻入微的线条刻画和宗教寓意的解读，让我这个对那个时期了解不深的读者茅塞顿开。作者在阐述理论时，绝不是干巴巴的术语堆砌，而是用非常生动的语言，将复杂的艺术哲学与当时的社会背景紧密结合起来。我记得有一篇文章详细分析了某种特定颜料的制作工艺，不仅介绍了其化学成分，还探讨了它在不同时代画家手中的象征意义——这种跨学科的深度挖掘，让整套书的厚度远超一般的艺术评论集。即便是那些我自认为已经非常熟悉的西方古典雕塑，通过这本书的全新视角解读，也仿佛被注入了新的生命力，让我看到了以往忽略的细节和潜藏的张力。总而言之，这是一套需要静下心来，慢慢品味的珍品，它提供的不仅仅是图像，更是一种深入理解艺术的思维框架。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的艺术爱好者角度出发，我必须承认，这套书的阅读体验是极其令人振奋的。它有一种魔力，能让你忘记自己正在“阅读”，而是感觉自己正在“观看”和“体验”。我记得我花了整整一个下午，沉浸在一篇关于巴洛克时期舞台布景设计的文章里。文章没有直接展示那些宏伟的剧院，而是通过详细的文字描述和罕见的早期草图，重建了当时的视觉震撼效果。作者对光影的运用和空间层次感的把握，简直到了令人发指的地步，让我几乎能闻到舞台上松香的味道。这本书的伟大之处在于，它不只是“展示”艺术，它更是在“讲述”艺术家的创作心路。它会带你进入画家的工作室，感受他们在面对一块空白画布时的踌躇、挣扎和最终的突破。这种充满人情味的叙事方式，让冰冷的艺术史变得鲜活立体起来。它也大胆地挑战了一些既定的艺术史结论，提出了非常新颖的、甚至有些叛逆的解读，这对于打破思维定势、激发新的思考非常有益。对于那些想从艺术中汲取灵感和情感滋养的人来说，这套书提供了取之不尽的源泉。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种“丛书”类型的出版物是抱持着一丝怀疑的，总觉得内容可能会东拼西凑，缺乏一个统一的灵魂。然而，这套书彻底颠覆了我的认知。它的编辑思路简直太巧妙了，更像是一场精心策划的艺术漫游，而不是简单的知识罗列。我最喜欢它处理不同时期作品对比的方式。比如，它会并置展示文艺复兴盛期的透视法与日本江户时代浮世绘中独特的空间处理技巧，这种跨越地域和时代的对话，极大地拓宽了我对“美”的边界的理解。阅读过程中，我发现它对材料媒介的关注度非常高，这不是那种只停留在表面描述的评论，而是深入到画布的肌理、矿物质颜料的选用，甚至是对不同时期画笔材料变化的考究。这种近乎“工匠精神”的探讨，让我感受到了艺术创作背后的艰辛与智慧。书中对一些边缘艺术形式的收录也十分大胆和成功，例如，它花费大量篇幅讨论了19世纪末期欧洲的民间工艺美术运动，将其置于与学院派艺术同等重要的位置进行分析，这在主流的艺术史著作中是很少见的。读完后，我感觉自己对艺术史的理解不再是线性的，而是变得更加立体和多元，像是解锁了一扇扇通往不同文化精髓的大门。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这套书的价值，我会用“深度”和“广度”的完美结合。我最欣赏它对非西方古典艺术的尊重和深入。很多同类丛书在涉及亚洲或美洲艺术时，往往只是简单地摘录几件代表作，缺乏深入的文化背景阐释。但这套书显然投入了大量的研究精力来构建这些文明的艺术脉络。我尤其喜欢其中关于印度笈多王朝时期石窟造像的章节，它不仅细致地分析了“S”形曲线在雕塑中的美学意义，还详细解释了佛教教义如何指导了这些姿态的形成。这种层层剥茧的解析，让原本遥远的艺术符号变得可以被理解和感知。此外，它对艺术品保护和修复领域的最新进展也有所涉猎，比如对古代壁画数字重建技术的探讨，展现了其与现代科技的结合，显示出这套丛书的编纂者是站在时代前沿的。总而言之，它不是一本让你炫耀知识的工具书，而是一个真正能提升你艺术素养、拓宽你精神世界的伙伴。我强烈推荐给所有对人类文明和创造力有热情的朋友们。