视唱练耳考前辅导 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姜秦丰，潘冀冬 编

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• 视唱练耳
• 音乐理论
• 考前辅导
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• 音乐学习
• 练耳
• 视唱
• 音乐基础
• 高等教育
• 艺术类考试

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562160755

版次：1

商品编码：11191500

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-01-01

用纸：胶版纸

页数：142

正文语种：中文

内容简介

　　姜秦丰、潘冀冬主编的《视唱练耳考前辅导》由“视唱”“听写和听觉分析”两大部分组成。其中视唱包含无升降号、一个升号和一个降号的各种调式，鼓励使用固定唱名法，也可以使用首调唱名法，但必须具备一定的熟练程度。旋律音程听写以基本音级为主，并包含少量变化音级。和声音程听辨要求凭听觉确定音程类别，包含了所有的自然音程，从基本音级上构成的音程开始练习，逐渐加入变化音级，但最终需达到不受其限制的程度。和弦听辨的范围包括基本的四种三和弦及大小、小小两种七和弦，也是要求能够凭听觉确定其类别。节奏听写包含2／4拍和3／8拍的各种基本节奏型。旋律听写以八小节左右、没有升降号调的各种调式为主，成功地完成旋律听写需要考生对音准、节奏具备较为成熟的感知和组织能力，并且具备必要的音乐记忆力。为了能够选出音乐才能较高或更具发展潜力的考生，考查内容以基本的调性、节拍、节奏为主，考生应达到一定程度，或本身具备比较出众的音乐素质。《视唱练耳考前辅导》未包含报考音乐学院作曲专业的听写难度及指挥专业、视唱练耳专业的视唱和听写难度。

目录

前言
第一部分 视唱
第一章 无升降号的各种调式，基本节拍节奏
第二章 一个升号的各种调式
第三章 一个降号的各种调式

第二部分 听写和听觉分析
第一章 旋律音程听写
第二章 和声音程听辨
第三章 和弦听辨
第四章 节奏听写
第五章 旋律听写

前言/序言

音乐理论与实践核心精讲：构建坚实的音乐思维基石 本书旨在为音乐学习者提供一套系统、深入且实用的音乐理论与实践指导，覆盖从基础概念到高级分析的广阔领域。它不仅仅是一本知识的汇编，更是一套旨在培养学习者独立思考能力、提升音乐感知与理解深度的工具书。全书内容紧密围绕音乐的内在逻辑与外在表现形式展开，力求在理论的严谨性与实践的可操作性之间找到完美的平衡点。 第一部分：音乐的骨架——基础理论的深度剖析 本部分将对西方音乐体系中最核心的理论元素进行详尽的梳理与阐释。我们首先从音高、节奏与节拍的本质入手，探讨音与音之间建立关系的基本规律。不同于简单的概念罗列，本书深入剖析了音高在物理学上的基础（频率与泛音列）及其在人类听觉感知中的心理学意义。节奏部分，不仅涵盖了时值、拍号的识别与书写，更着重讲解了节奏的流动性与律动感的形成机制，如何通过细微的时值处理来塑造音乐的呼吸感。 接着，我们将进入调性系统的核心。大小调音阶的构成原理，以及其背后所蕴含的功能和声的思维模式，将被系统地展开。我们详细考察了调式（Modes）的多样性及其在不同风格音乐中的独特色彩作用。对于和弦的学习，我们遵循“从三和弦到七和弦，再到九和弦及挂留和弦”的递进结构。每一种和弦的构成方式、功能标记（如T、S、D）及其在功能和声进行中的作用，都配有大量的实例分析，强调“听觉感受”与“理论结构”的同步建立。 此外，本部分还专门辟出章节探讨记谱法的演变与规范。从五线谱的基本规则、变音记号的运用，到专业排版中的细节处理，确保学习者能够准确、清晰地记录和阅读任何复杂的音乐信息。对调性转位与转调技巧的讨论，则着重于分析不同转调方法（如平行转调、关系调转调、属七和弦转调）在保持音乐连贯性方面的具体应用。 第二部分：音乐的血肉——曲式结构与分析方法 理解音乐的“意义”离不开对其结构形态的把握。本部分聚焦于曲式结构（Form and Structure），这是将零散的音符组织成宏大叙事的关键所在。我们将从最简单的二部曲式与三部曲式入手，解析它们在旋律、和声布局上的内在张力与解决。 随后，本书将重点剖析西方音乐中占据主导地位的奏鸣曲式（Sonata Form）。这不仅仅是复述呈示部、发展部、再现部的概念，而是深入探究其背后所体现的戏剧性冲突与解决的过程。作者将引导读者识别主题的材料特性、调性关系的变化、以及展开部中材料的“变形”与“再建构”的技巧。 其他重要的曲式如回旋曲式（Rondo Form）的交替模式、变奏曲（Variations）中主题的不同处理手法（如节奏、和声、织体上的变化），以及小型器乐作品中常见的组曲（Suite）各乐章的风格特征，都将辅以经典范例进行细致的讲解。分析方法上，本书提倡多维度分析，即不孤立地看待和声走向，而是将其置于曲式结构和音乐织体的大背景下进行综合判断。 第三部分：音乐的实践——听觉感知与风格探索 理论知识必须通过听觉来内化，并通过实践来验证。本部分旨在桥接“书本上的知识”与“实际聆听体验”之间的鸿沟。 我们探讨音乐织体（Texture）的复杂性，从单音音乐到主调音乐（Homophony），再到复调音乐（Polyphony）。在复调部分，本书将详细解析对位法（Counterpoint）的基本原则，着重分析巴赫二部与三部创意曲中的线条独立性与和谐共存之道。这有助于学习者在听音乐时，能够清晰地分辨出独立声部的进行与交织。 关于风格史的速览与鉴别，本书精选了不同音乐时期（如巴洛克、古典、浪漫）中最具代表性的作品，并提炼出各时期的核心和声语言特征、节奏处理偏好以及配器色彩。例如，通过分析不同的终止式（Authentic, Plagal, Deceptive Cadences）在古典主义与浪漫主义作品中的情感倾向差异，来加深对“时代精神”的理解。 此外，本书特别关注节奏的复杂性与速度感的表达。这包括对附点节奏、切分音、复节奏（Polyrhythm）的听觉训练，以及如何理解速度术语（如Allegro, Adagio）在不同作曲家笔下的弹性范围。 第四部分：音乐思维的延伸——与创造性实践的连接 本书的最终目标是激发学习者的创造性潜能。在收尾部分，我们探讨旋律的写作原则——如何构建具有逻辑性、呼吸感和记忆点的旋律线。这涉及动机的展开、乐句的划分以及高潮的设置。 在和声运用方面，本书超越了基础的I-IV-V-I进行，引导学习者探索替代和弦、副属和弦的色彩变化，以及如何在不破坏原有调性框架下引入“惊喜”的和声色彩。对于现代和声的初步探索，也简要介绍了半音和声和非功能性和声的初步概念，为学习者未来的探索指明方向。 本书结构严谨，理论深入，实例丰富，是所有致力于深入理解音乐语言、提升自身音乐素养的严肃学习者不可或缺的参考与实践指南。它提供的是一种系统性的音乐思维框架，而非临时的应试技巧。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排简直是音乐学习者的救星！我拿到手的时候，就被它清晰的逻辑和详尽的解释深深吸引住了。首先，对于基础乐理部分的梳理，作者可谓是下了大功夫。它不是简单地罗列规则，而是通过大量生动的生活化比喻，将那些抽象的概念变得触手可及。比如，讲到调式转换时，作者引入了一个“音乐房间”的概念，解释了不同调式如何改变空间的“氛围”，这种叙事手法让我一下子就明白了背后的原理，而不是死记硬背。更让我赞叹的是，它对和声进行和转位的讲解，图文并茂，每一个和弦的构建过程都如同建筑蓝图一般清晰，让人一看就懂。特别是那些复杂的属七和弦的解决方式，书中给出了好几种不同的“路径图”，让我在实际演奏和创作中有了更多的选择和思考空间。很多教材只是告诉你“应该怎样”，而这本书却在教你“为什么是这样”，并且“还可以怎样”。我感觉这不仅仅是一本应试指南，更像是一本陪我探索音乐世界的良师益友。书中的习题设计也极具巧思，从易到难，层层递进，让你在不知不觉中就完成了能力螺旋式上升的过程。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐史和美学有浓厚兴趣的非科班出身爱好者，我总是在寻找能连接技术与艺术的桥梁。这本书在这方面做得尤为出色。它并没有将视唱练耳视为孤立的技术训练，而是巧妙地将其融入到对古典音乐作品的鉴赏之中。在讲解某一特定的音程或和弦时，书中会穿插引用贝多芬或德彪西作品中的片段，告诉你这些“技巧”在历史上是如何被大师们用来表达强烈情感的。这种“情境化”的学习方法，瞬间提升了学习的深度和意义。我不再觉得自己在做枯燥的练习，而是在学习一种能够解读伟大音乐的“语言”。此外，书中对不同时期作曲风格的音乐特征总结得非常到位，比如巴洛克时期的对位严谨性如何体现在其和声进行中，浪漫主义时期如何通过色彩变化来扩大情感表达范围。这些深入浅出的分析，让我对所唱、所听的内容有了更深层次的理解和共鸣。它让我明白了，技术服务于表达，而表达才是音乐的灵魂所在。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐理论一直感到头疼的乐器学习者，每次面对那些密密麻麻的五线谱和复杂的术语，总有种无从下手的感觉。然而，这本教材彻底改变了我的看法。它的叙述风格极其贴近初学者，没有那种高高在上的学术腔调。作者似乎深知我们在学习过程中会卡在哪里，并提前在关键节点设置了“减震带”。比如，在介绍节奏型时，书中加入了大量的肢体动作提示，鼓励读者用拍打、跺脚的方式去感受节奏的内在驱动力，而不是单纯用眼睛去看音符的时值。这种“动起来”的学习方式，极大地增强了我的参与感和记忆效率。我尤其喜欢其中关于听觉训练的章节，它没有直接给出标准答案，而是引导你去分析声音的“颜色”和“纹理”。通过不同的描述词汇，比如“尖锐的”、“温暖的”、“流动感强的”，我开始真正学会用耳朵去捕捉声音的细微差别，而不是机械地识别音高。阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一场有趣的感官探索之旅，它激活了我体内沉睡已久的音乐感知力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计简直是艺术品级别的享受。在如今许多教材都显得粗糙、单调的背景下，它提供的视觉体验是如此的愉悦。纸张的质感非常考究，拿在手里沉甸甸的，墨水和印刷的清晰度无可挑剔，即便是长时间盯着谱子看，眼睛也不会感到疲劳。色彩的运用也非常巧妙，关键的术语、易错点、或者需要特别注意的音符，都会用柔和而明确的颜色进行区分，既不喧宾夺主，又能起到强调作用。我尤其欣赏书中对例题和范例的排版布局，它将听觉信息（比如一个旋律的走向）与视觉信息（乐谱上的标记）完美地融合在一个页面上，使得信息的传递更为流畅和直接。这种对细节的极致追求，体现了编者对学习者体验的尊重。当你在一个舒适、美观的环境中进行枯燥的练习时，会发现学习的效率和持续性都得到了极大的提升。这本书不仅是知识的载体，更是一种高品质的学习工具，让人愿意长时间地捧读和研习。

评分☆☆☆☆☆

我是一个非常注重实践和效率的学习者，对于那些空泛的理论堆砌非常反感。因此，这本书的实用性对我来说是至关重要的考量。它在结构设计上展现出极高的效率和针对性。每一课的开始，都会明确列出本次学习目标（What to learn），然后是核心概念讲解（How it works），最后是大量的、不同难度的实战练习（Let's practice）。这种清晰的SOP（标准操作程序）模式，让我能够精准把握学习的重点。特别是针对应试技巧的部分，书中提供了一套非常系统的“快速反应模块”。例如，在听写三连音的节奏型时，它会提供一个“三步速记法”，教会你如何在大脑中快速地将其“视觉化”为固定的图形，从而极大地减少了现场反应时间。针对视唱部分，书中给出的节奏型和旋律进行设计，充分模拟了考试中可能出现的复杂组合，避免了“纸上谈兵”。每次练习完，我都能清晰地看到自己的进步曲线，这种即时反馈机制，极大地增强了我的学习动力和自信心。