学校音乐教育理论译丛 富有活力的声音：说话与歌唱的发声训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[德] 安娜利瑟·里施 著，顾苏 译

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• 音乐教育
• 发声训练
• 歌唱
• 语音
• 教学
• 理论
• 译文
• 学校音乐
• 音乐教学
• 声乐

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810966313

版次：1

商品编码：12078322

包装：平装

丛书名： 学校音乐教育理论译丛

开本：32开

出版时间：2014-11-01

用纸：胶版纸

页数：123

正文语种：中文

内容简介

　　《学校音乐教育理论译丛 富有活力的声音：说话与歌唱的发声训练》认为不应该仅仅是歌手、演员和演说家这些专业人群需要专门的发声训练，声音训练应成为人类教育的重要组成部分。
　　《学校音乐教育理论译丛 富有活力的声音：说话与歌唱的发声训练》从与发声有关的发声基本元素、呼吸、音区、音域、表演、音区处理等各个方面，教授了从说话到歌唱的发声原理、技巧和训练方法，对学校的声乐训练以及合唱团排练等内容也有涉猎。

目录

第一章 引言
声音的意义
声音损伤
声音训练

第二章 发声的基本要素
喉部——声带
共鸣腔——面具

第三章 呼吸
吐气——吸气
练习——支撑

第四章 极性
极——头中心点
丹田

第五章 极性中的呼吸过程
前端共鸣腔
第一节 极性紧张区域的喉部
第二节 呼吸支持
向后扩展
意念引导
气流的作用
闭塞式呼吸
笑与哭
第三节 弧线

第六章 元音
第一节 找到元音
常规音调
保持状态——练习
第二节 元音获得的空间
第三节 元音点和元音空间
复合元音——练习

第七章 辅音
塞音
擦音和震音

第八章 三个声区
声区层次——贯通
熟悉——练习

第九章 音域
阻碍——高点——低点

第十章 获得空间

第十一章 表演·
基本状态——架构“弧线”
听者的自由——间歇
句尾
字母的作用
练习
诗歌——自由演说
讨论一谈话

第十二章 小学里的声音训练
放松——练习
大舌头
口吃
方言

第十三章 从说话到歌唱
歌唱作为生活的感受
喉部不“正常”
基本姿势——练习
起唱——正常发声
练习——音准

第十四章 音导向
金字塔——“瞬间”
元音发声——练习
男声
旋律处理——连音——练习

第十五章 音区处理
音位的支撑
音强——强音
“水平式歌唱”——弱音
音阶
断唱

第十六章 歌词与旋律
辅音-e-
复合元音
歌词——旋律——练习
呼吸和音流
乐句——声音塑造
横膈膜的力量
空间感
合唱队的歌唱

第十七章 结语
参考文献

精彩书摘

　　《学校音乐教育理论译丛 富有活力的声音：说话与歌唱的发声训练》：
　　婴儿对一切陌生人和新知识的认知都要借助父母或姊姊的帮助，孩子只能依靠老师的指导。孩子们模仿着成年人的世界，在这个过程中，他们也可能染上大人说话和做事时的坏习惯。
　　因此，老师一开始就要重视孩子养成良好的行为和发声习惯。孩子们在说话和唱歌的过程中，更多地是依赖眼睛，而不是耳朵；肩膀松弛意味着呼吸受到阻碍，肩膀下垂则意味着放松。如果说话时嗓子干涩或脸庞涨红，则意味着喉咙过度用力，这时用两根手指轻揉太阳穴，咬合肌就会放松，喉咙就随之轻松了，前部共鸣腔就会自然开启。其他的保护措施没有必要，但要注意保持身体和脸部的放松状态，必要时可揉肩膀和太阳穴。
　　我们可以和孩子一起练习放松咬合肌，学习i和a两个元音的发声，再学习i到u的变化，然后学习其他元音。孩子们会很高兴地学习元音，辅音最好通过课堂材料来学习。孩子们在单独学习发音的时候，要注意不要太大声，说话也不能太快。从这个时候开始，孩子们应尝试着控制舌尖，感受上嘴唇的肌肉组织。如果老师注意让孩子颈部和下颚均不受阻碍地参与到发声过程中的话，腹壁的肌肉组织会自然起到辅助的作用。如果没能达到预期的效果，可以在体育课上多做做跳跃运动。
　　当前部共鸣腔被激活后，原本较弱的声音也会变得有力。
　　所有的练习都可以让孩子通过合唱的方式做，这样会让说话有障碍的孩子尽快克服障碍。如果还不行的话，就同家长协商，把这些孩子单独分组。
　　……

《音乐的织锦：世界音乐文化史略》 内容简介 本书旨在为读者绘制一幅横跨全球、贯穿古今的音乐文化全景图。它并非一部枯燥的音乐史年表，而是一次深入探索人类情感、社会变迁与艺术表达之间复杂关联的旅程。我们将探讨音乐如何在不同的地理环境、历史阶段和社会结构中诞生、演变，并最终形塑了人类的集体记忆与身份认同。 第一部分：音乐的起源与古代回响 本部分从人类文明的曙光开始，追溯音乐作为一种原始交流工具和宗教仪式的初始形态。我们将考察史前遗址中发现的骨笛、陶制乐器等实物证据，分析其在部落祭祀、狩猎仪式中的功能性作用。 随后，视野转向古代文明的核心区域。在美索不达米亚的苏美尔、巴比伦，音乐已与宫廷和神庙紧密结合，苏美尔的竖琴和阿卡德的赞美诗为后世的记谱和理论奠定了基础。埃及的圣歌与葬礼音乐，则深刻反映了其对来世的信仰和严格的社会等级制度。 重点章节将聚焦于古希腊的音乐哲学。毕达哥拉斯对音程的数学化解读，柏拉图在《理想国》中对“健音”（Ethos）的探讨——即音乐如何塑造公民的道德品格，以及亚里士多克塞诺斯对音律的实际记录，构成了西方音乐理论的源头活水。我们将分析古希腊戏剧中合唱团的作用，以及对“美”的追求如何成为西方艺术的永恒母题。 接着，我们将审视古代东方的音乐景观。在印度，吠陀赞诵的旋律传统如何孕育出复杂的拉格（Raga）体系，以及对音高、节奏的精微把握，展现了其深厚的精神内涵。在中国，从《周礼》中记载的“八音”分类，到孔子提倡的“礼乐教化”思想，音乐被提升至治理国家、调和人伦的政治高度。我们分析了雅乐的制度化过程，以及早期对五声音阶的偏爱，探讨这些文化基因如何影响了此后数千年的中国音乐走向。 第二部分：中世纪的信仰与世俗的张力 步入中世纪，欧洲的音乐生活被基督教的统一性所主导。本部分将详细剖析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的发展及其在弥撒仪式中的规范化。我们考察修道院作为知识和音乐保存中心的地位，以及口头传统如何逐渐被书写和记录下来。 对记谱法演进的追踪是本部分的亮点。从纽姆符号（Neumes）到采用四线谱、直至圭多·达莱佐（Guido of Arezzo）对现代五线谱的奠基性贡献，这一技术飞跃极大地促进了音乐的传播与复杂性的提升。 与此同时，世俗音乐的力量在民间和宫廷中蓬勃发展。我们将深入探讨游吟诗人（Troubadour）和“歌者”（Minnesinger）的创作。他们的歌词主题围绕着骑士精神、宫廷之爱和英雄事迹，其音乐风格与庄严的教会音乐形成鲜明对比，反映了社会生活中世俗情感的崛起。本章还会涉及拜占庭音乐的独特影响，以及斯拉夫地区早期宗教音乐的特征。 第三部分：文艺复兴与巴洛克的辉煌交织 文艺复兴时期，“人本主义”思潮对音乐产生了革命性影响。作曲家们开始关注表达文本的情感深度，而非仅仅满足于宗教的规范。我们将分析佛兰德学派（如雅各布斯·奥布雷赫特）如何将对位法发展至新的高峰，以及意大利牧歌（Madrigal）如何通过“文字描绘”（Word Painting）技术，实现音乐与诗歌含义的完美融合。 印刷术的普及对音乐传播起到了关键作用，促进了乐谱的商业化和大众化。本部分还将考察宗教音乐的革新，如帕莱斯特里纳的作品如何成为对特伦特会议精神的回应，力求在复调的复杂性与文本清晰度之间达到完美的平衡。 巴洛克时代（17世纪初至18世纪中叶）标志着音乐情感的戏剧化与装饰性的全面爆发。歌剧作为一种全新的综合艺术形式诞生于佛罗伦萨的“工作室”（Camerata），我们追踪其从“歌唱的对话”到宏大舞台演出的演变。 本部分的核心内容在于理解巴洛克“狂想”理论（Doctrine of Affections）——即将音乐的特定结构与固定的情绪状态联系起来。我们将细致解析宏大赋格、协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲（Solo Concerto）的结构，分析巴赫的对位艺术和亨德尔的清唱剧如何将这一时期的音乐技艺推向了巅峰。此外，早期键盘音乐的发展，如斯卡拉蒂的奏鸣曲，也展现了新的演奏技巧和对音色表现力的探索。 第四部分：古典主义的秩序与浪漫主义的激情 古典主义时期（约1750-1820年），审美趣味转向清晰、平衡与比例。受启蒙运动影响，音乐追求“自然”与“普适性”。我们将重点研究奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与规范化，分析海顿如何被称为“交响曲之父”，以及莫扎特如何将歌剧的心理刻画提升到前所未有的高度。维也纳古典乐派确立的“完美”范式，成为了此后音乐创作的重要参照点。 然而，对秩序的追求很快引发了对个性表达的渴望。浪漫主义的兴起，是工业革命社会变革和个人主义高涨的直接产物。本部分探讨了“崇高”（Sublime）概念对音乐的影响，以及作曲家如何将个人生活、文学主题和民族精神注入作品之中。 肖邦的钢琴独奏曲，李斯特的交响诗，瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念，都体现了打破传统形式界限的努力。民族乐派的出现，如德沃夏克的斯拉夫舞曲和肖斯塔科维奇的民间元素运用，标志着音乐开始更深入地扎根于特定的文化土壤，以区别于此前占主导地位的德奥传统。 第五部分：二十世纪的破碎与重构 二十世纪的音乐史是一部充满剧烈冲突与激进实验的篇章。面对摄影术和留声机的挑战，以及两次世界大战带来的社会剧变，音乐家们开始系统地质疑西方既有的和声、旋律和节奏的根基。 印象主义（德彪西）对声响色彩的探索，以及表现主义（勋伯格）对十二音体系的建立，是本部分首先关注的重点。我们分析了“无调性”的产生背景，以及它如何打破了主音的统治地位。 战后，新古典主义、序列主义（韦伯恩、布列兹）的严谨逻辑，与野田音乐（Musique concrète）和电子音乐的崭新材料的探索形成了有趣的对话。我们审视了斯特拉文斯基作品中的原始主义冲击力，以及约翰·凯奇对“偶然性”和“寂静”的哲学介入，这极大地拓宽了“音乐”的定义边界。 第六部分：全球视野下的当代对话 最后一部分将视角投向全球化背景下的音乐实践。我们探讨了爵士乐——这一根植于非洲节奏、欧洲和声和美国社会现实的独特艺术形式——如何影响了流行音乐的各个流派，并反过来被严肃音乐家吸收。 当代音乐的特点是融合与跨界。我们将分析世界音乐（World Music）的兴起，以及传统民族音乐在当代语境下的重新诠释。从极简主义对重复与细微变化的美学追求，到电子音乐如何利用技术彻底改变了声音的生产和接收方式，本书旨在展示音乐作为一种永不停止的文化创造力，持续在破碎与重构中前行。 本书旨在培养读者一种广博的、非欧洲中心主义的音乐观，理解音乐的真正力量在于其无与伦比的适应性、叙事潜能以及连接不同人类经验的深层能力。

评分☆☆☆☆☆

作为一名曾经的学生，我对音乐教育中发声训练的经历可谓是五味杂陈。有些时候，我感觉自己被要求做一些机械的练习，却不明白背后的原理，声音的进步也十分缓慢。而另一些时候，遇到了一个真正懂得如何引导的老师，发声训练就变成了一件有趣而富有成效的事情。所以，当我看到“学校音乐教育理论译丛 富有活力的声音：说话与歌唱的发声训练”这本书时，我立刻联想到，这本书会不会就是那种能够帮助老师们理解学生需求、提供科学指导的书籍？我希望它能解答为什么某些训练方法有效，而另一些无效；它如何能够帮助学生克服发声上的障碍；它如何能够让学生感受到声音训练的乐趣，并从中获得自信。我期待这本书能成为连接理论与实践的桥梁，让更多学生受益。

评分☆☆☆☆☆

我一直对声音的奥秘感到着迷。从小到大，我接触过各种各样的声音，有些声音听起来就充满力量，有些则温婉动听，而有些则显得疲惫无力。我一直在思考，是什么让声音产生如此大的差异？是天生的条件，还是后天的训练？这本书的书名“富有活力的声音”正是我一直在寻找的答案。我希望它能够深入浅出地解释发声的生理机制，以及如何通过科学的训练来改善声音的质量，让声音变得更具表现力。我不仅仅关注歌唱，也同样关注日常说话的声音。我希望这本书能够提供一些实用的练习方法，让我能够在家中就能进行有效的发声训练，从而提升我的说话和歌唱能力，让我的声音在各种场合都能展现出最佳的状态。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷，是想深入理解音乐教育中发声训练的理论基础。我从事音乐教育多年，虽然在教学实践中积累了一些经验，但在理论深度上总觉得有所欠缺。尤其是关于“说话与歌唱的发声训练”这一主题，我认为这是相辅相成的，良好的说话方式是歌唱的基础，而歌唱的训练也能反哺说话的表达能力。这本书的书名“富有活力的声音”给我一种非常积极的联想，我期待它能提供一些创新性的发声训练方法，能够帮助学生更好地开发他们的声音潜能，让他们在舞台上或日常交流中都能够自信、有力地表达。我尤其关心书中是否会涉及到一些最新的研究成果，或者是否有独特的教学理念，能够为我目前的教学带来一些新的启发和突破，打破现有的思维定势。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名一下子就抓住了我的眼球——“富有活力的声音”。作为一名对声音训练略有涉猎但并非专业人士的读者，我一直很好奇，究竟是什么样的理论和实践，能够让声音变得“富有活力”？是那种能穿透喧嚣、直击人心的力量？还是那种能随着情感起伏而变化、令人沉醉的韵律？我希望这本书能揭示这些奥秘，不仅仅是关于歌唱，也关于我们日常的说话，那种最基本、却也最能反映一个人状态的声音。我一直在寻找能够帮助我改善声音的系统性方法，而不是零散的技巧。我希望这本书能提供一种循序渐进的训练体系，让我能够从基础的发声原理开始，逐步掌握如何运用气息、如何调整声带、如何找到共鸣，最终达到“富有活力”的状态。而且，译丛的标签让我对其内容的专业性和严谨性有了更高的期待，相信它一定能带来更深层次的理解，而不只是浮光掠影的介绍。

评分☆☆☆☆☆

我对“富有活力的声音”这个概念非常感兴趣。在我看来，一个“富有活力”的声音，不仅仅是响亮，更是一种能够传达情感、吸引听众、并充满生命力的声音。这本书的书名让我产生联想，它是否会探讨如何通过发声训练来激发声音的内在能量？作为一名对声音表现力有追求的读者，我希望这本书能提供一套系统性的训练体系，能够帮助我理解和掌握发声的各个层面，从气息的运用到共鸣腔体的开发，再到声带的协调控制。我期待这本书能引导我走出过去一些模糊的练习方式，找到更科学、更有效的方法，让我的声音不仅在歌唱时充满感染力，在日常的交流中也能显得更加自信、清晰和富有魅力。