故宫书画图录(五) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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国立故宫博物院 著

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出版社： 国立故宫博物院

ISBN：2010010500870

商品编码：16092511

故宫典藏精品：宋元绘画的时代回响 导读： 本书精选了故宫博物院庋藏的宋元时期绘画的代表性杰作，旨在为读者呈现一个多维度的艺术画卷。宋元时期，是中国古代绘画艺术发展史上的一个高峰，其风格流变、技法创新以及文人精神的融入，共同塑造了此后数百年中国画的基调。本书收录的作品，不仅具有极高的历史价值和艺术水准，更深刻地反映了当时的社会风貌、哲学思潮与审美趣味。我们力求通过对这些珍贵画作的细致梳理与专业解读，带领鉴赏者深入领略那个伟大时代的艺术精魂。 第一部分：宋代绘画——院体气象与文人初醒 宋代（960年—1279年）是中国封建社会发展到成熟阶段的标志，皇室对艺术的推崇达到了前所未有的高度，催生了庞大而精良的“翰林图画院”体系。 一、北宋院体的恢宏气象与写实精神 北宋初期，画家们在继承唐代绘画优良传统的基础上，将“格物致知”的哲学思想融入创作实践，形成了以追求“形神兼备”为旨归的院体画风。 山水画的巨碑式构建： 范宽的《溪山行旅图》是研究北宋山水画的奠基之作。画面中，北方山脉的雄伟、坚实与磅礴气势被刻画得淋漓尽致。其标志性的“雨点皴”，使得山石肌理苍劲有力，体现出一种近乎宗教般的敬畏感。观者仿佛能感受到泰山压顶般的震撼。同时，对光影和气候的精准把握，使得山水世界充满了生命力和真实感。 界画的登峰造极： 李诚的界画作品，展现了宋代工匠精神的极致。他以墨线勾勒出复杂精密的建筑结构，比例严谨，细节入微。这不仅是对丈量技艺的展示，更是对皇家建筑美学的一种记录与推崇。界画的发展，显示了宋代对“理”的追求，要求对客观世界进行精确的量化描摹。 花鸟画的写生革命： 宋代花鸟画脱离了唐代注重装饰性的窠臼，转向了对自然万物的细致观察和科学描绘。以赵佶（宋徽宗）为代表的宫廷画院，设立了严格的“绘画取士”标准，强调“生意”与“理趣”。例如，某些描绘草虫栖息于花蕊之上的小品，不仅形态逼真，连虫子的翅膀纹理、露水的晶莹感都捕捉得丝丝入扣，体现了“不增一笔，不减一笔”的写生态度。 二、文人画的萌芽与士大夫的审美转向 在院体画精工细描的同时，以苏轼、米芾为代表的士大夫阶层开始强调绘画应是“心画”，是抒发个人胸襟和学养的载体，而非仅仅是迎合宫廷审美的工具。 “意不在笔先”的探索： 米芾的《云山墨戏》系列（若有收录），标志着水墨写意画的正式兴起。他采用“刷法”，墨色变化丰富，以迅疾的笔触表现云雾缭绕、山峦迷蒙的意境，追求的是瞬间的感受和笔墨的趣味，而非形似。这种对笔墨本体的关注，为元代文人画的成熟奠定了理论基础。 人物画的内在挖掘： 即使在人物画领域，宋代也开始注重人物的内心世界刻画。例如，表现隐逸生活或闲适场景的作品，人物的神态往往流露出一种超脱世俗的淡然，这是对宋代理学“存天理，灭人欲”思想的一种艺术投射。 第二部分：元代绘画——“复古”与“出新”的交织 元代（1271年—1368年），汉族士大夫阶层遭遇了前所未有的政治环境变化，这种“失意”的情绪被巧妙地转化为艺术创作的内在动力，促使文人画彻底成为主流。 一、士人艺术的全面胜利 元代画家群体更倾向于自称“文人”，而非“画匠”。他们视诗、书、画为一体，强调“诗中有画，画中有诗”。 元四家的高峰与分野： 以黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙为代表的“元四家”，确立了元代山水画的审美范式。 黄公望的“平淡天真”： 他的作品强调笔墨的韵味和长皴的运用，追求一种温和、内敛、浑厚的笔墨语言。他将对自然的体悟融入到笔墨结构中，使得画面既有写实的根基，又不失文人的洒脱。 倪瓒的孤高清冷： 倪瓒的作品是元代文人精神的极致体现。他常以“折带皴”画出光秃的树干，画面稀疏，意境空寂，留白极多。这种“不著一笔，皆成妙境”的风格，是对当时社会环境的冷峻回应，展现了一种拒绝同流合污的孤傲姿态。 王蒙的繁复与郁勃： 王蒙的笔墨技法集前代之大成，以密集的点皴和层层叠叠的墨色，表现出山川的厚重感和内心的郁结，其构图往往饱和而富有层次感。 竹石画的象征意义： 竹子和梅花在元代成为文人表达气节的重要载体。它们不求形似，而重在“写意”。竹子的挺拔象征着“虚心有节”，梅花的傲霜则代表着“坚韧不拔”。这些作品是士大夫以艺术形式表达政治抱负和道德操守的窗口。 二、跨文化的融合与影响 尽管元代由少数民族建立，但其对汉族传统的尊重，使得艺术领域呈现出独特的兼容性。 人物画的流派整合： 在人物画方面，汲取了宋代李唐、刘松年的写实功底，并融合了元代士人对古意的追寻。如钱选等画家，在创作中明确提出要“学古”，致力于复兴晋唐风范，这既是对宋代院体风格的反思，也是在时代变革中寻找文化根源的表现。 结语：穿越时空的对话 故宫博物院所珍藏的宋元绘画，不仅是绢与纸上的色彩与墨迹，更是那个时代知识分子精神世界的投射。从北宋对宇宙秩序的精确把握，到南宋文人对个体情感的细腻捕捉，再到元代士人将艺术升华为寄托家国情怀的避世之所，这些杰作共同构建了一个辉煌的艺术殿堂。通过细致的品读，我们得以与千年前的艺术家进行一场关于自然、人性与美学的深刻对话。本书的呈现，即是希望这种对话能够持续下去，激励今日的我们，在快速流转的时代中，寻得一份沉静而深邃的艺术之美。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统艺术充满好奇的爱好者，这本书无疑是一次令人愉悦的探索之旅。它就像一本厚重的宝藏图，指引着我去发现那些被时间尘封的艺术瑰宝。让我印象深刻的是，它并没有试图用过于复杂的理论去“教育”读者，而是以一种更加直观、更加亲切的方式，将艺术的魅力传递开来。 书中的选品，可见编者的用心良苦，涵盖了不同时期、不同风格的代表性作品，既有宏大的山河景象，也有精致的案头小品，为我提供了一个了解中国书画发展脉络的绝佳视角。我常常会在某个下午，泡上一壶茶，静静地端详着其中的一幅画，让思绪随着画中的笔墨一同飘远，感受那份古老而又生动的艺术生命力。

评分☆☆☆☆☆

这是一本能够让你忘却时间的存在。当你被书中的某幅画作深深吸引时，周围的一切都仿佛消失了，只剩下你和那幅画，以及画中所蕴含的无尽故事。书中的图片质量极高，色彩还原度很不错，能够比较真实地呈现原作的风貌。 我喜欢它那种“润物细无声”的引导方式。它不会强迫你接受某种观点，而是通过提供丰富的视觉材料和恰到好处的解说，让你自己去发现、去感受艺术的美。这本书让我对中国书画艺术有了更深层次的理解，也激发了我进一步学习和探索的兴趣。它不仅仅是一本图录，更像是一扇通往中国传统艺术殿堂的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，就仿佛走进了一个雅致的画廊，每一幅作品都经过了精心的策展，等待着观者去细细品味。这本书的编排设计也十分考究，图片清晰，尺寸适中，方便读者在欣赏画作的同时，能够注意到那些微妙的细节。 我尤其欣赏其中对画作背后故事的挖掘。有时候，一幅看似寻常的山水，可能承载着一段历史佳话，或者是一位文人雅士的真挚情感。这本书的价值，不仅仅在于其视觉上的冲击力，更在于它所传递的那份文化积淀和历史厚重感。每一次阅读，都是一次与古代艺术家的精神交流，一次对中华文明的深刻体悟。

评分☆☆☆☆☆

沉浸在这本书里，仿佛进行了一场跨越时空的对话。那些曾经活跃在紫禁城内外的大师们，他们的灵魂似乎就寄存在这些画卷之中，等待着有心人去发掘、去解读。我尤其欣赏其中蕴含的文化厚度。它不仅仅展示了绘画本身，更折射出那个时代的社会风貌、审美情趣，甚至是帝王将相的雅好与品味。 每一次翻阅，都能从中汲取新的养分。有时候，我会被一幅山水画的辽阔意境所吸引，想象自己身临其境，感受那份宁静与壮美；有时候，我又会被人物画的细腻传神所打动，揣摩画中人物的神态表情，试图理解他们当时的心境。书中的文字导读，虽然篇幅不长，但点到为止，却能精准地引导读者去欣赏画作的精髓，理解其艺术价值和历史意义，避免了枯燥的学术术语，让阅读过程轻松而富有启发性。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让人心生敬畏的读物。当我捧起它，仿佛能听到历史的回响，触摸到那些穿越千年的笔触。每一页都像一扇窗，让我得以窥见盛世的风采，感受文人墨客们在案牍劳形之外，寄情于山水、抒发于笔墨的这份雅致。书中的图录并非简单的复制粘贴，而是经过精心挑选、细致考量的艺术品集合。它们静静地诉说着各自的故事，从构图的精妙、色彩的运用，到笔法的变化、墨色的浓淡，无不透露着匠心独运。 我特别喜欢它在细节呈现上的用心。不仅仅是完整呈现一幅画作，更会将画作的关键部分进行放大，让观者能近距离地品味笔触的力度与韵味，感受点、线、面在纸上挥洒的生命力。这种“拆解”式的呈现，对于像我这样的非专业读者来说，无疑是一场生动的视觉教学。它引导我去关注那些容易被忽略的细节，从而理解每一处皴染、每一根线条背后所蕴含的深厚功力和情感表达。