音乐理论基础/李重光/中央音乐学院附属中等音乐学校试用教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 华夏共赢图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103003466

商品编码：24812830678

品牌：艾帛利（Abooly）

开本：32开

出版时间：2011-03-01

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内容介绍：

《中央音乐学院附属中等音乐学校试用教材:音乐理论基础》是为中等音乐学校编写的“基本乐理”试用教材，书中重点介绍了五线谱的乐理知识，全书共分十五 章，包括音律、记谱法、调式、音程、和弦、节奏、节拍、音乐的速度与力量、转调、移调、装饰音和旋律的知识。同时还有简谱及工尺简介，常用音乐术语等。内 容丰富，简明。适合广大专业和业余音乐工作者学习，参考。《音乐理论基础》1962年初版，1980年再版作者作了必要的修改和补充。此次重版又作了少许 的改动。

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音乐之阶：通往声音殿堂的精微之径 本书旨在为音乐学习者构建一套扎实、系统且富有启发性的基础知识体系。它并非简单地罗列规则与术语，而是致力于引导读者深入理解音乐的内在逻辑、情感表达的机制，以及不同历史时期风格演变的脉络。全书内容围绕音乐创作、分析与鉴赏的核心要素展开，力求在理论的严谨性与实践的灵活性之间找到最佳平衡点。 第一部分：音与律的构建 本部分着重探讨构成音乐的基石——声音的物理属性与人类感知之间的关系。我们从听觉科学的基础出发，介绍声音的三要素：音高、响度与音色，并探讨它们在音乐语境下的功能。 音高系统的建立是核心内容。书中详细剖析了十二平均律的由来与优势，同时对比了纯律、五度相生律等历史和非西方音乐体系中的音律结构。我们将深入探究“音”的概念，区分音高、音级、音位，并详细讲解唱名与国际记谱法的准确应用。对半音与全音关系的解析，为理解调性结构打下坚实基础。 在节奏与节拍方面，本书摒弃了机械的节拍划分，转而强调节奏的时间流动性与内在张力。我们从最基础的音符时值、休止符、附点、连音线开始，逐步引入复拍子、变化节拍的概念。特别辟出章节讨论复节奏（Poly-rhythm）与节奏型（Rhythmic Motifs）在不同音乐风格，尤其是20世纪以来的音乐中的运用，旨在培养学习者对时间艺术的敏锐感知力。 调性基础是连接音高与和声的桥梁。本书详尽解析了大调与小调的音阶结构，包括自然、和声、旋律小调的区别及其在旋律写作中的功能性差异。对调式（Modes）的探讨超越了简单的七声音阶罗列，而是深入探究古调式（如多利亚、弗里吉亚）的色彩特征及其在民族音乐和浪漫主义音乐中的复兴现象。 第二部分：和声的织体与逻辑 和声学部分是全书的骨架，它揭示了声音如何以垂直组合的方式构建起音乐的深度与色彩。本章从最基础的三和弦开始，严谨地讲解其结构、转位、以及在特定调性中建立的功能（主、属、下属）。 随后，内容扩展至七和弦及其延伸。我们不仅关注九和弦、十一和弦、十三和弦的标准构建，更重要的是分析它们在不同时期（从巴洛克到爵士乐）中充当的色彩角色。关于和弦的连接（Chord Progression），书中提供了详尽的连接规则，强调功能解决（Functional Resolution）的必然性与非功能性连接（Chromatic Mediants）的创新性。 导音、经过和弦与副属和弦的运用被视为深化调性色彩的关键工具。本书将这些概念置于实际的乐曲分析中，说明它们如何为旋律和声部提供张力与导向。 高阶和声部分涵盖了半音和声（Chromaticism）的运用，包括减七和弦、增三和弦的功能与替代性。同时，对不协和音程的处理——如何从最初的“需要解决”的音响，转变为独立的美学元素——进行了深入的阐述，为过渡到无调性音乐做铺垫。 第三部分：曲式与结构分析 如果说音高与和声是砖瓦，那么曲式就是建筑的蓝图。本部分关注音乐的宏观组织与逻辑布局。 我们从基础的模进（Sequence）、动机（Motif）与乐句（Phrase）的构建开始，阐明了音乐如何在微观层面实现连贯性。随后，系统介绍二部曲式、三部曲式的结构特征，并重点分析主题与变奏曲式中变奏手法的多样性（如旋律、和声、节奏、织体变奏）。 奏鸣曲式（Sonata Form）的分析被视为重中之重，不仅剖析了呈示部、展开部和再现部的标准布局，更强调其戏剧性冲突与解决过程的内在逻辑，并考察不同历史时期（古典主义、浪漫主义）的个性化处理。 此外，本书还系统梳理了回旋曲式、颂歌曲式，以及更复杂的组曲（Suite）与幻想曲（Fantasia）的结构特点。特别纳入了对复调音乐（如赋格）结构原则的初步介绍，强调模仿在音乐织体构建中的核心地位。 第四部分：织体、配器与音乐风格赏析 本部分将理论知识转化为听觉体验与创作实践的指导。 织体（Texture）的分析是关键，区分单音音乐、主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）各自带来的听觉效果。对对位法的基本原理，如平行、反向、斜向进行介绍，使学习者理解声部线条的独立性与互动性。 在配器基础上，本书提供了对管弦乐团中主要乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音域、音色特点及演奏技法的概述，旨在培养对声音“色彩”的敏感度。 最后，本书通过风格史的视角，将前述理论应用于实际的音乐鉴赏。从中世纪的格里高利圣咏到巴洛克的对位精湛，从古典主义的清晰平衡到浪漫主义的激情澎湃，再到印象派的色彩探索与20世纪的结构重塑，引导读者建立起一套辨识和品味不同音乐语汇的框架。本书的最终目标是，让学习者不仅能“听懂”音乐的语言，更能“感受”其背后的精神与时代烙印。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书，我最直观的感受是它的“扎实”。不同于市面上一些为了追求华丽而可能导致内容空泛的音乐理论书籍，这本《音乐理论基础》更像是为音乐学习者精心打磨的一块基石。每一章节的论述都紧密围绕着核心理论展开，没有多余的叙述和不必要的引申。我注意到，书中对于乐理知识的讲解，非常注重逻辑性和系统性。比如，在讲解节奏和节拍时，作者不仅清晰地解释了它们各自的定义和作用，还通过不同拍号的实例，生动地展示了它们如何组合形成丰富的音乐律动。我特别喜欢书中关于旋律写作的讨论，它不是简单地告诉你“什么能写，什么不能写”，而是深入剖析了旋律的构成要素，如动机、乐句、乐段的组织原则，以及如何运用模仿、变奏等手法来发展旋律。这种深入浅出的讲解，让我感觉自己不仅仅是在记忆规则，而是在学习一种思维方式，一种创造音乐的逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐理论基础》的封面设计给我的第一印象非常朴实，没有过多的修饰，就像一股清流，让人一下子就觉得它是一本踏实、严谨的教材。翻开书页，我立刻被那种清晰的排版和字里行间透露出的认真劲儿吸引住了。虽然是试用教材，但感觉编辑和编著者在内容编排上花了不少心思。尤其是在介绍一些抽象的音乐概念时，文字描述的循序渐进，配合恰到好处的图示和例子，让我这个对音乐理论接触不多的人，也能慢慢理解。比如，对于和声进行的讲解，作者并没有直接抛出复杂的乐谱，而是先从最基本的音程关系入手，再逐步引导到更复杂的乐句构建，这种由浅入深的教学方式，对于初学者来说简直是福音。我尤其欣赏的是，书中的一些例子都来自于经典作品，而且标注得非常详细，这让我在学习理论的同时，也能直观地感受到这些理论在实际音乐创作中的应用，极大地激发了我进一步探索音乐世界的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的感觉，就像是一位经验丰富的老师，在你耳边细细讲解。我最受触动的是其中对音乐的“内涵”的挖掘。它不仅仅停留在音高、节奏、和弦这些表面的东西，而是引导读者去思考这些元素背后所承载的情感和意义。比如，书中在分析某个乐段时，会结合当时的创作背景和作曲家的情感表达，来阐释为什么作曲家会选择这样的和声进行或旋律走向。这种解读方式，让我觉得音乐理论不再是冰冷的规则，而是通往理解音乐灵魂的桥梁。我印象深刻的是，它对复调音乐的讲解，不仅仅是罗列各种复调技法，而是强调了不同声部之间相互独立又相互依存的关系，以及这种关系如何构建出音乐的宏大结构和丰富层次。这让我意识到，真正理解音乐，需要一颗能够倾听多声部对话的心。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的某些部分确实挑战了我对于音乐的既有认知。它并没有回避那些复杂且可能让初学者感到困惑的音乐现象，反而以一种非常负责任的态度，试图将其掰开揉碎了呈现。我记得在读到关于“调性”的章节时，作者并没有直接给出“大调、小调”的简单划分，而是从五度圈的演变，到不同调式之间的转调逻辑，进行了非常细致的梳理。这种深入挖掘其内在规律的做法，让我对音乐的结构有了更深层次的理解。虽然有些地方需要反复阅读和思考，但正是这种“抠细节”的严谨，让我对书中内容的信任度大大提升。它不像某些速成指南，告诉你“这样做就行”，而是鼓励你去探究“为什么这样做”。这种对知识的敬畏和对细节的极致追求，是这本书给我留下的最深刻印象。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是经历了一场音乐的“深度体检”。它不仅仅是提供了知识点，更重要的是，它在引导我去“感受”音乐。书中对于音乐发展历史的简要回顾，虽然篇幅不长，但却恰到好处地将理论知识置于历史的脉络中。比如，在讲解不同时期音乐风格的特点时，会将具体的音乐理论概念与之联系起来，让我能够理解为何巴洛克时期的音乐和古典时期音乐在和声、旋律等方面会有如此显著的差异。我特别喜欢书中对于“音乐形式”的分析，它不仅仅是教你识别奏鸣曲式、回旋曲式，更是引导你去理解这些形式的逻辑和功能，以及作曲家如何在这种框架下进行创作。这种宏观与微观相结合的分析方法，让我觉得音乐理论的学习，不再是枯燥的记忆，而是一场对音乐艺术整体性的探寻。