艺术摄影中的绘画 赵华森 9787308115995 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵华森 著

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• 艺术摄影
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店铺： 天乐图书专营店

出版社： 浙江大学出版社

ISBN：9787308115995

商品编码：29260432507

包装：平装

出版时间：2013-07-01

基本信息

书名：艺术摄影中的绘画

定价：39.00元

作者：赵华森

出版社：浙江大学出版社

出版日期：2013-07-01

ISBN：9787308115995

字数：230000

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：12k

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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　　本书主要内容包括摄影绘画基础之必要性、摄影的绘画基础、创意摄影草图训练、摄影创意与绘画。

内容提要

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　　由赵华森、陈燕编著的《艺术摄影中的绘画(艺术实践教学系列教材)》一书，分三个部分讲述：一，艺术摄影中的绘画；二，绘画是一种依据；三，绘画是一种方法。
　　实验实训教学是设计、摄影、传播等应用学科的重要内容，是培养学生动手能力的有效途径。希望本套教材能够适应新时代的需求，能成为学生学习的良好平台。
　　本套教材是浙江财经大学人文艺术省级实验中心的教研成果之一，由浙江大学出版社出版

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《色彩的诗篇：从画布到镜头的光影叙事》 在人类文明的长河中，色彩与光影一直是艺术家们不懈探索的语言。它们共同编织着视觉的乐章，传递着情感的细腻，勾勒着世界的斑斓。摄影，作为一门诞生于19世纪中叶的艺术形式，从诞生之初便与绘画结下了不解之缘。早期的摄影师们，怀揣着对绘画艺术的敬意与模仿，试图在化学药剂与光线交织的影像中捕捉绘画的韵味与精神。而当摄影艺术日渐成熟，独立发展出其独特的表达方式后，绘画的元素依然如影随形，滋养着摄影的创作土壤，为镜头下的世界注入了更多元的生命力。《色彩的诗篇：从画布到镜头的光影叙事》并非一本简单的图录，它是一次关于艺术对话的深度挖掘，一场跨越媒介界限的思想碰撞。本书着眼于摄影艺术与绘画艺术之间千丝万缕的联系，从历史的纵深到当代的创新，细致地梳理了色彩运用、构图法则、光影处理以及叙事策略等多个维度，探究绘画艺术如何深刻地影响了摄影的审美取向与表现手法，又如何激发了摄影师们在镜头语言上的革新与突破。 本书的首篇，将带领读者回到摄影艺术的黎明时期。我们不会回避那些先驱者们最初的尝试，他们如何借鉴油画的明暗对比，如何模仿水彩画的柔和过渡，如何在黑白影像中追求绘画般的质感与氛围。从那些带有浪漫主义色彩的肖像摄影，到模仿古典绘画场景的风景照，每一帧画面都镌刻着早期摄影师们对绘画艺术的虔诚致敬。我们会分析那些早期的摄影技法，例如湿版火棉胶工艺，它所带来的独特颗粒感和深邃的影调，在某种程度上呼应了铜版画的质感。同时，也会探讨彼时社会文化背景下，绘画作为一种成熟的视觉艺术，是如何为新兴的摄影艺术提供了审美范式和创作灵感。 随着摄影技术的进步，以及艺术思潮的演变，摄影与绘画的关系也进入了一个更加复杂而多元的阶段。本书的第二部分，将重点关注印象派、表现主义、超现实主义等绘画流派对摄影艺术产生的深远影响。我们会深入分析印象派艺术家们对光线捕捉和色彩变化的探索，是如何启发了摄影师们在户外摄影中对自然光线的敏感度，以及对色彩还原的追求。例如，莫奈笔下不断变幻的光影，激发了摄影师们思考如何在短暂的瞬间捕捉到动态的光线之美。接着，表现主义绘画中扭曲的形体、强烈的情感表达，以及对内心世界的关注，如何在20世纪初的摄影中得以体现？我们会探讨那些通过移轴、漏光、手工着色等技法，试图在照片中传达强烈主观情感的摄影作品。而超现实主义绘画中梦幻般的意象、非逻辑的组合，又为摄影师们打开了怎样的想象空间？本书将呈现那些运用蒙太奇、拼贴、双重曝光等技术，创造出令人惊叹的超现实主义摄影作品。 在色彩的运用方面，绘画艺术更是为摄影提供了取之不尽的宝库。本书将独立辟章，深入剖析色彩理论在摄影中的应用。从互补色、邻近色带来的视觉冲击力，到冷暖色调营造的心理感受，再到色彩的象征意义，都将一一进行细致的阐释。我们会分析不同绘画大师如何运用色彩来表达情感、塑造氛围，并探讨这些色彩运用原则如何在现代摄影中被借鉴和创新。例如，伦勃朗式的“伦勃朗光”，那种戏剧性的明暗对比和暖色调的运用，至今仍是肖像摄影中经典的光线运用方式。德加笔下芭蕾舞女的粉色与灰色的和谐搭配，又提供了色彩构成的另一种思路。本书将通过大量案例，展示摄影师们如何通过对色彩的精准把握，赋予照片独特的个性和感染力，甚至创造出超越写实的视觉体验。 构图是视觉艺术的骨架，绘画在这方面积累了丰富的经验。本书的另一个重要组成部分，将聚焦于构图的法则在摄影中的传承与发展。我们会从黄金分割、三分法、对角线构图、对称构图等经典绘画构图原理出发，探讨它们如何被摄影师们灵活运用，以达到画面平衡、视觉引导、突出主体等效果。更进一步，本书将探讨摄影艺术在继承绘画构图法则的基础上，如何发展出更具时代感的构图方式。例如，利用镜头畸变创造夸张的透视感，或者通过运动模糊打破传统静止的构图模式，这些都是摄影自身发展出的独特构图语言。我们会深入研究那些在构图上极具创新性的摄影作品，分析其构图的独特性和艺术价值，并阐释摄影师如何通过巧妙的构图，在有限的画面空间内讲述丰富的故事。 光影是摄影的灵魂，而绘画则是光影艺术的早期探索者。本书将专题探讨绘画对摄影光影处理的影响。从古典绘画的明暗对照法，到印象派对瞬间光线的捕捉，再到表现主义对主观光影的运用，绘画的光影语言为摄影提供了丰富的借鉴。本书将分析不同时期、不同风格的绘画作品，是如何通过对光线的处理来塑造形体、营造空间、烘托氛围，并将其转化为摄影师的创作实践。我们会探讨摄影师如何模仿油画的柔和侧光，追求肌肤的细腻质感；如何借鉴水墨画的虚实相生，在光影中营造意境；又如何运用强烈的逆光，创造出剪影式的戏剧性效果。本书还将关注当代摄影中对光影的创新性运用，例如利用自然光线进行实验性的拍摄，或者通过人造光源创造出超越现实的光影效果，这些都离不开绘画艺术在光影表现上的深厚积淀。 除了视觉元素的借鉴，绘画艺术在叙事与情感表达方面，也为摄影提供了重要的启示。本书的最后部分，将探讨绘画如何影响摄影师的叙事策略和情感传达。绘画作品中，艺术家可以通过笔触的力度、色彩的浓淡、人物的表情、场景的设置等多种方式，讲述故事，传达情感。摄影师们如何借鉴这些叙事手法，在静态的画面中注入动态的情感？我们会分析那些具有强烈叙事性的摄影作品，它们是如何通过构图、光影、色彩以及人物的姿态，来引发观众的思考和共鸣。例如，一些纪实摄影作品，虽然记录的是现实场景，但其构图和光影的运用，却往往带有绘画般的戏剧性和情感张力。而一些观念摄影作品，更是直接借鉴了绘画的叙事模式，通过精心设计的场景和象征性的元素，来传达复杂的思想和情感。本书将呈现那些在叙事与情感表达上，与绘画艺术遥相呼应的摄影佳作，展示摄影如何成为一种同样能够触动人心的视觉叙事语言。 《色彩的诗篇：从画布到镜头的光影叙事》并非仅仅停留在理论的探讨，它将通过大量的艺术实例，将抽象的艺术原理具象化。本书精选了大量具有代表性的绘画作品和摄影作品，它们在色彩、构图、光影以及叙事上，都体现了艺术之间的对话与传承。读者可以通过这些直观的视觉材料，更深入地理解绘画与摄影之间的联系，感受艺术的魅力。本书期望为所有热爱摄影与绘画的读者，提供一个全新的视角，去审视这两门艺术形式之间深刻而持久的联系，去发现那些隐藏在镜头与画布之间的，共通的诗意与哲学。我们相信，通过对这场跨媒介的艺术对话的深入解读，读者将更能体会到，艺术的本质在于对美的追求，对情感的表达，对世界的观察与理解，而色彩与光影，永远是连接这一切最动人的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，拿在手里就有一种庄重感。内页的纸张选择似乎也经过了深思熟虑，那种微微的哑光处理，使得那些经典的黑白影调层次分明，即便是色彩作品，那种微妙的过渡也得到了很好的呈现。我特别留意了其中几幅关于静物捕捉的摄影作品，光影的拿捏简直是教科书级别的示范。你看那几组水果的特写，明明只是寻常之物，却被镜头赋予了雕塑般的立体感和近乎油画般的厚重感。尤其是对于高光部分的控制，既保留了材质的质感，又避免了死白，这需要极强的现场把控能力和对曝光的精准计算。翻阅这些图片的时候，我仿佛能感受到摄影师在取景框前凝视良久的心态，那种对瞬间的捕捉和对永恒的追求，透过这些印在纸上的光影，清晰地传递给了屏幕之外的我。书中的排版也很有节奏感，没有那种让人目眩的密集感，每张作品都有足够的“呼吸空间”，这让观者可以更专注地沉浸在每一幅作品的叙事之中，细细品味那些无声的对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一位业余摄影师，这本书对我后期的实践有着立竿见影的启发。我过去总是在技术层面打转，试图模仿别人的后期效果，但这本书让我明白，真正的“绘画感”源于对光线本质的理解和对画面的整体把握，而不是单纯依赖软件滤镜。书中几幅强调强烈明暗对比的作品，让我重新思考了如何运用自然光或人造光来“雕刻”主体，而不是简单地照亮它。那种戏剧性的光影效果，完全是古典油画中明暗对照法的现代翻版。此外，书中对于“景深”的运用也十分独到，通过精准控制焦平面，模糊了背景，使得主体仿佛是从一个充满绘画气息的空间中“浮现”出来，这种处理方式极大地增强了画面的叙事性和情感浓度。我甚至开始尝试用更慢的快门速度和更复杂的布光方案来创作，因为这本书成功地“激活”了我对视觉表达的野心。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书给我带来了一种久违的宁静感。现在的摄影书籍，很多都追求信息量爆炸和视觉冲击，但这本书却反其道而行之，用一种近乎冥想的方式引导你去看。我喜欢它在某些页面的设计，可能会用一个大跨页只展示一幅作品，而且周围留白极多，使得观者的视线无法轻易被其他元素干扰。这迫使我慢下来，去观察那些微小的细节——例如，一幅风景照中，远山的肌理如何模仿了水墨画的干笔皴擦，或者人物肖像中，皮肤的质感如何通过光线的处理，呈现出文艺复兴时期雕塑般的立体感和温润度。这种细致入微的观看过程，极大地丰富了我对“光影语言”的理解。它不像理论书籍那样生硬地灌输概念，而是通过实例来“演示”原理，让你在不知不觉中吸收了构图的精髓和媒介转换的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

从装帧到内容，这本图册散发着一种沉稳的匠人气息。特别值得一提的是，它似乎非常注重摄影师在创作过程中的“思考痕迹”，而不仅仅是最终的定稿。在一些作品旁边，可能配有极简的文字说明，但那不是冗长的创作背景，而是如同艺术家在速写本上留下的只言片语，暗示了其灵感的来源或是对某种绘画技法的借鉴。这种处理方式，极大地增强了作品与读者之间的亲密感和探索欲。每当我翻到一幅看起来极其规整、构图严谨的照片时，总会忍不住去思考，摄影师是如何将绘画中那种需要长时间酝酿的“布局感”，在转瞬即逝的摄影瞬间中实现的。这本书成功地将“观看”和“思考”的过程融合在一起，它不仅是一本供人欣赏的画册，更像是一本可以反复研读的视觉美学笔记，每一次重温，都会从不同的光影细节中挖掘出新的领悟和启发。

评分☆☆☆☆☆

我作为一个长期关注当代艺术动态的爱好者，一直在寻找能够真正 bridging 传统视觉艺术与现代摄影之间鸿沟的作品集，而这本精选集恰恰在这方面做得非常出色。它不是简单地罗列一些模仿油画风格的照片，而是深入探讨了摄影媒介如何继承和发展了绘画中的构图原则、光影理论乃至笔触感。比如，书中对“运动模糊”的处理，不再仅仅是记录速度，而更像是印象派画家快速挥洒的笔触，它赋予了画面一种动态的、流动的生命力。再比如那些运用了极为克制的色彩的作品，其色彩饱和度的选择和色阶的分布，简直就是对古典主义大师调色盘的现代致敬。我尤其欣赏作者在选择入选作品时，那种跨越不同流派的广度，从早期的湿版摄影的严谨到后现代主义的解构，都纳入了考量，这使得整本书的学术深度和艺术欣赏价值都大大提升了。它提供了一个绝佳的视角，去审视摄影是如何从一种单纯的记录工具，蜕变为与绘画并驾齐驱的、具有深刻精神内涵的表达方式。