自然天成与绘画 9787531429814 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙甲平著 著

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出版社： 辽宁美术出版社

ISBN：9787531429814

商品编码：29657797970

包装：平装

出版时间：2004-01-01

图书基本信息
图书名称	自然天成与绘画	作者	孙甲平著
定价	28.00元	出版社	辽宁美术出版社
ISBN	9787531429814	出版日期	2004-01-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装
开本		商品重量	0.4Kg

内容简介

绘画中的具象和抽象是互补的两种方法或语言，具象使人入境，抽象使人观道。抽象派绘画在20世纪的西方，形成一种美学方面的冲击。 作者的抽象摄影与绘画，有的像山谷，或似江河奔流，依稀有帆影，有的如火焰，有的似变幻的风云……就像赵无极的抽象画，虽目中无形，但心中却有具象的气势或取想，赵的作品总呈现中国山水画博大的磅礴气概，令人震憾！作者不少缺抽象作品，有具象倾向，多似自然风光，也有的画只是一种美妙线条的律动，是线的舞蹈，线的组合之美。对木纹的肌理、纹脉的自然美尤为钟情，作品洋溢着强烈的生命感，有的作品酽黑如漆，有的淡如高云，擅长虚白开拓空间，其墨色有时淡得接近于无，表面的无，不等于观众眼中的无，作者心中的无，那大片的白，是给人留下想象的空间，可谓“空山不见人，但闻人语声”。 源于现实生活的抽象画，正是作者有别于一般抽象画的标志。从他的作品里不仅看到了美，而且看到了美是怎样创造出来的，这就是他的突破和独到。长白山对于作者，每天都是新的，神奇的大森林及其一切与画家同呼吸，共成长，画家生活在绿色的大世界，会不断获得*的灵感，新的异想天开，新的追求和梦境。 本书是作者近20年观察生活、记录生活并对大自然的美以抽象的艺术绘画形式的一种展示，自然界为我们提供了数之不尽的美的宝藏，作者通过对微观肌理、秩序、构成等的再认识与再创造，对现代绘画中的抽象做了独特的探索。书中收录了作者创作的大量的绘画作品，极具代表性和实用性。

作者简介

孙甲平，曾用名孙嘉平，1957年生于吉林省东丰县。白山市美术家协会秘书长，摄影家协会副主席、画家、摄影家、现任白山市通警察大队宣传科长。 1976年从部队开始在报刊上发表作品，1985年出版连环画，主要作品《包公探案情》、《警犬黑豹》。摄影作品集《废弃与》、

目录

一 再现生活的积淀 二 照抄自然不是艺术 三 自然物象的结构线组合 四 墨与色的历程 五 自然构成手法的运用 六 自然天成——寻找有机符号

编辑推荐

文摘

序言

卷帙浩繁的艺术史：从古老的文明到现代的思潮 本书汇集了一系列关于人类视觉艺术发展脉络的深刻洞察，内容涵盖了从史前洞穴壁画到当代装置艺术的漫长历程。它并非一部简单的断代史，而是试图揭示艺术观念、技法变迁与社会文化土壤之间复杂而微妙的相互作用。 第一部分：奠基与神性——远古与古典的辉煌 本书的开篇追溯至人类心智初启的蒙昧时代。我们首先探索了欧洲拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）洞穴壁画的神秘力量。这些图像不仅仅是简单的狩猎记录，更蕴含着早期人类对生命、死亡和宇宙秩序的初级理解。作者细致分析了颜料的矿物来源及其涂抹的技术，并将其置于萨满教和原始宗教的背景下进行解读。 紧接着，目光转向美索不达米亚和古埃及的宏伟叙事。在两河流域，我们看到了苏美尔人对权力和等级制度的精确表达，如乌尔王陵出土的“军旗”所展现的战争与庆典的并置。埃及艺术则以其永恒的、面向来世的特性而独树一帜。从金字塔的几何严谨到墓室壁画中对“玛特”（Ma'at，宇宙和谐与正义）的恪守，书中详细剖析了荷鲁斯之眼、圣甲虫等符号的文化编码，以及法老权力如何通过稳定的艺术语言得以永恒化。 古典艺术的黄金时代，即古希腊与古罗马，占据了重要的篇幅。希腊雕塑的发展被划分为几何、古风、古典盛期和希腊化时期四个阶段。书中特别关注了“对人体的理想化诠释”——从最初的僵硬“青年雕像”（Kouros）到波留克列特斯（Polycleitus）的《准则》（Canon）所确立的和谐比例，再到米隆（Myron）《掷铁饼者》中对动态瞬间的捕捉。对古希腊“完美”概念的探讨，是理解西方美学传统的关键。 罗马人继承了希腊的造型能力，但更侧重于实用性、历史记录与政治宣传。本书详述了罗马纪事浮雕（如图拉真柱）的叙事技巧，以及庞贝城壁画中对希腊化风格的吸收与地方化处理。建筑部分则重点分析了罗马拱券结构、混凝土的应用，以及万神殿如何以其无与伦比的穹顶技术体现了帝国对秩序与永恒的追求。 第二部分：信仰与世俗——中世纪的重构 随着罗马帝国的衰落，艺术的中心转向了基督教的信仰。中世纪艺术的特点在于“超越性”而非“再现性”。拜占庭艺术以其马赛克的金光闪烁和圣像画的程式化，强调了天国的威严与神圣的不可侵犯。君士坦丁堡圣索菲亚大教堂的穹顶，被视为连接尘世与天堂的物理象征。 在西欧，罗马式（Romanesque）建筑以其厚重的墙体、半圆拱和密集的雕塑装饰，展现出一种坚实、防御性的宗教力量。随后，哥特式艺术的崛起标志着一场革命性的技术飞跃。书中详细描述了尖拱、飞扶壁和肋拱的结构创新如何使教堂立面得以被巨大的彩色玻璃窗所取代。圣丹尼修道院的实践，以及沙特尔大教堂（Chartres Cathedral）中对光线和色彩的哲学运用，被视为“光即上帝”这一观念在物质层面的完美体现。 世俗生活的描绘在中世纪晚期开始萌芽。手抄本的插图艺术，尤其是用于祈祷书（如《贝里公爵的豪华时祷书》）的制作，开始展现出对自然光影、植物纹理的细致观察，预示着文艺复兴的来临。 第三部分：人文的觉醒与技艺的巅峰——文艺复兴到巴洛克 文艺复兴是人类中心主义（Humanism）在艺术中的集中爆发。本书将重点分析佛罗伦萨作为创新中心的崛起，以及透视法（Perspective）的发明如何彻底改变了绘画的空间观念。从马萨乔（Masaccio）对线性透视的早期探索，到皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）对几何学在构图中的运用，艺术家们不再仅仅是信仰的传达者，更是科学的探究者。 文艺复兴盛期（High Renaissance）的“三巨头”——达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔——的创作被置于详细的比较分析之下。达·芬奇的“晕染法”（Sfumato）和对人体解剖的精确掌握；米开朗基罗对人类力量和痛苦的史诗般表达，尤其是在西斯廷教堂天顶壁画中对“创世纪”的重塑；以及拉斐尔在和谐构图与理想化人物塑造上的登峰造极，构成了艺术史上的一个顶峰。 威尼斯画派则以其对色彩（Colorito）和光影的强调，挑战了佛罗伦萨对线条（Disegno）的偏爱。 文艺复兴后的“矫饰主义”（Mannerism）被视为对盛期完美的“反思性”反应，其特点是拉长的人物比例、紧张的构图和反传统的色彩运用。 随后，巴洛克艺术以其戏剧性、强烈的情感冲击和对光影的极端运用席卷欧洲。卡拉瓦乔（Caravaggio）的“明暗对比法”（Tenebrism）将普通人的真实与神圣场景的震撼相结合。在北方，鲁本斯（Rubens）以其丰沛的生命力和运动感占据主导，而在荷兰，伦勃朗（Rembrandt）则通过对人物内心世界的深刻挖掘，将肖像画推向了前所未有的心理深度。 第四部分：秩序、激情与革命——从洛可可到新古典主义 18世纪的洛可可（Rococo）风格，以其轻盈、装饰性强和对贵族享乐生活的描绘，成为巴洛克风格的精致化延伸。然而，随着启蒙思想的兴起，对理性、道德和古老美德的回归成为新的艺术驱动力。 新古典主义（Neoclassicism）的兴起，直接受到庞贝和赫库兰尼姆遗址的考古发现以及对卢梭哲学思想的推崇影响。雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）的作品如《贺拉斯兄弟之誓》，以其清晰的线条、坚实的形体和崇高的道德主题，成为了法国大革命前后的视觉纲领。 但纯粹的理性无法束缚人类情感的爆发。浪漫主义（Romanticism）作为对新古典主义僵硬秩序的反动，高举想象力、情感、东方异域情调和对自然宏大力量的敬畏（如特纳和戈雅的作品）。德拉克洛瓦（Delacroix）的《自由引导人民》标志着艺术在政治和社会动荡中扮演激进角色的深化。 第五部分：现实的凝视与现代的开端 19世纪中叶，工业革命和新兴中产阶级的崛起，促使艺术开始关注“此时此地”的生活。现实主义（Realism）拒绝神话和历史的庇护，直面劳动、贫困和日常。库尔贝（Courbet）那句“我画我能看见的”宣言，为艺术的转向奠定了基调。 紧接着，印象派的出现是一场对视觉体验的彻底解放。莫奈（Monet）、雷诺阿（Renoir）等艺术家们放弃了画室的稳定光线，转而研究光线在特定时间点对色彩和形式的影响。他们对瞬间的捕捉，以及点彩派（如修拉）对光学理论的严谨应用，为后来的艺术探索打开了新的大门。 本书最后简要概述了后印象主义者们（塞尚、梵高、高更）如何开始系统性地解构传统：塞尚对几何形体的结构化，梵高对内在情感的色彩化表达，以及高更对符号与原始主题的探索，为20世纪现代艺术的爆炸性发展铺平了道路。 贯穿全书的主线是艺术如何作为人类面对变化世界时，一种持续的、有力的回应机制。它探讨了艺术家如何利用新材料、新视角和新哲学，去定义和重新定义“真实”与“美”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字听起来就很有意思，叫做《自然天成与绘画》。我最近正好对这方面有点兴趣，所以看到这本书的时候，就忍不住想翻翻看。从书名就能大概猜到，这本书可能讲的不是那种刻板的绘画技法，而是更注重一种随性、自然的创作过程。我一直觉得，很多伟大的艺术作品，都有一种“浑然天成”的感觉，不是那种为了技巧而技巧，而是情感和灵感的自然流露。不知道这本书会如何阐释“自然天成”这个概念，是讲如何观察自然，还是讲如何在绘画中捕捉自然之美？我很好奇它会从哪些角度去解读，是哲学层面的思考，还是艺术史上的案例分析，抑或是实践层面的指导？也许它会分享一些艺术家在创作过程中，如何与自然和谐共处，从中汲取灵感的故事。我特别期待能从中找到一些关于如何突破思维定势，让画笔更自由地舞动的启示。有时候，我们太专注于“画得像”，反而会忽略了画面本身的生命力。如果这本书能告诉我，如何在放松的状态下，让内心的声音通过画笔表达出来，那将是极大的收获。我想，它可能不仅仅是关于绘画技巧，更是一种生活态度和艺术观念的传递。

评分☆☆☆☆☆

《自然天成与绘画》这个书名，听起来就有一种禅意和哲学思考。我常常在想，为什么有些画作能够如此触动人心，它们似乎并非人力所能为，而是从一种更深层的、与宇宙共鸣的状态中诞生的。我希望这本书能解答我的一些疑惑。比如，“自然天成”究竟是指艺术家自身的才能，还是指作品的创作过程，亦或是作品呈现出的某种最终状态？它是否暗示了一种“无为而为”的创作哲学？我特别期待它能提供一些实际的案例，展示那些看似简单，却蕴含无限意趣的画作，并分析它们是如何达到“自然天成”的境界的。也许会涉及中国山水画中的留白艺术，或是西方印象派对光影瞬息万变的捕捉，甚至是抽象画中对内在情感的直观表达。我希望它能让我明白，艺术的最高境界，或许不是技艺的炉火纯青，而是与生命、与世界合一的某种通透。它可能还会探讨，如何在现代社会中，保持一份不受外界干扰的宁静，从而更好地与“自然天成”对话。

评分☆☆☆☆☆

看到《自然天成与绘画》这个书名，我的脑海中立刻浮现出很多画面，有清晨薄雾笼罩的山峦，有晚霞染红的天空，也有野花在风中摇曳的姿态。我一直觉得，真正的艺术，应该像这些自然景象一样，不矫揉造作，充满生命力。我希望这本书能告诉我，如何将这种对自然的感知，转化成绘画的语言。它是否会提供一些方法，帮助我们摆脱对技法的过度依赖，转而关注作品的整体感觉和情感表达？我很好奇它会对“天成”这个词做怎样的解读，是强调天赋，还是强调一种顺应自然规律的创作方式？我期待它能分享一些艺术家的创作心得，那些在灵感迸发时，是如何抓住稍纵即逝的瞬间，并将其定格在画布上的。也许它还会涉及一些关于色彩、构图的理论，但会是以一种更灵活、更贴近自然的方式呈现。我希望通过阅读这本书，能够更深入地理解绘画的本质，以及如何才能创作出真正有生命力的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的标题《自然天成与绘画》让我立刻联想到中国传统绘画的意境。自古以来，水墨画就讲究“气韵生动”，强调的是一种超越形似的神韵。而“自然天成”，在我看来，正是这种神韵的来源。它意味着艺术创作要遵循事物本身的规律，不加雕琢，不事斧凿。我很好奇这本书会如何深入探讨这个主题，是会从美学原理出发，分析自然之美与艺术之美的内在联系，还是会以大量的经典画作为例，展现“自然天成”在不同绘画风格中的体现？我更倾向于它会包含一些理论阐释，帮助读者建立起对“自然天成”的深刻理解。比如，它可能会探讨如何从自然万物中提炼出绘画的元素，如何捕捉光影、色彩、线条在自然状态下的变化，并将其转化为艺术语言。我一直觉得，很多时候，我们学习绘画，反而被各种规则束缚住了手脚，失去了最原始的那份对美的感知。如果这本书能帮我重新找回那种纯粹的、不带功利性的观察和表达，那我将非常感激。它也许会引导我们去思考，什么才是真正的“天赋”，以及如何通过与自然的深度连接，来激发内在的创造力。

评分☆☆☆☆☆

《自然天成与绘画》这个书名，让我觉得它可能是一本关于如何“减法”创作的书。很多时候，我们在学习绘画的过程中，会不断地添加各种元素，追求画面的丰富和复杂，但往往忽略了画面本身的呼吸感和生命力。我希望这本书能引导我认识到，在绘画中，“少即是多”的道理。它会如何解释“自然天成”？是说作品本身要像自然界一样，不加修饰，浑然一体？还是说，创作的过程要像自然生长一样，遵循事物发展的内在逻辑？我特别期待它能提供一些关于如何提炼元素、简化构图的建议，让画面更具张力和意境。我希望它能帮助我理解，如何在看似简单的笔触和色彩中，传达出深刻的情感和思想。也许它还会讨论一些关于留白、虚实结合的艺术手法，这些都是我一直很感兴趣但又觉得难以把握的方面。我想，这本书可能会给我带来一种全新的视角，让我重新审视自己的创作，并从中找到一条通往更自由、更纯粹的艺术之路。